April 30, 2017

Susan Meiselas, Prince Street Girls, 1976–1979 @ Higher Pictures, NYC

Susan Meiselas, Prince Street Girls, 1976–1979
Higher Pictures, New York

April 29 - June 17, 2017

Higher Pictures presents Prince Street Girls, 1976–1979 by SUSAN MEISELASs. This is the artist’s first solo exhibition with the gallery and the first solo presentation of this body of work in New York City.

Susan Meiselas has, in the course of her forty-year career, brought together photographs, interviews, and artifacts to tell stories both intimate and epic. She has documented the public and private lives of carnival dancers (Carnival Strippers, 1972–75), photographed Nicaragua throughout its decade-long revolutionary period beginning in the 1970s, assembled a detailed and rigorous visual history of the Kurdish people (Kurdistan: In The Shadow of History, 1991–present), and led community-based photography workshops in the U.S. and abroad.

Prince Street Girls is one of Susan Meiselas’ earliest documentary projects, in which a chance encounter with a group of girls in her New York City neighborhood led to an ongoing relationship and now-iconic photographic series. In the artist’s own words:
“In 1975…I was riding a bicycle through my neighborhood in Little Italy when suddenly a blast of light flashed into my eyes, blinding me for a moment. Its source was a group of girls fooling around with a mirror trying to reflect the sun on my face. That was the day I met the Prince Street Girls, the name I gave the group that hung out on the nearby corner almost every day. The girls were from small Italian-American families and they were almost all related. I was the stranger who didn’t belong. Little Italy was mostly for Italians then.

Prince Street Girls began as a series of incidental encounters. They’d see me coming and call out, ‘Take a picture! Take a picture!’ At the beginning I was making pictures just to share with them. If we met in the market or at the pizza parlor they would reluctantly introduce me to their parents, but I was never invited into any of their homes. I was their secret friend, and my loft became a kind of hideaway when they dared to cross the street, which their parents had forbidden.”
An exhibition catalogue by the same name, published by TBW, is available through the gallery.

SUSAN MEISELAS (b. 1948, Baltimore, MD) received her B.A. from Sarah Lawrence College and her M.A. in visual education from Harvard University. Meiselas joined Magnum Photos in 1976. Her work is included in national and international collections. Honors include: the Robert Capa Gold Medal for “outstanding courage and reporting” by the Overseas Press Club for her work in Nicaragua (1979); the Leica Award for Excellence (1982); the Engelhard Award from the Institute of Contemporary Art (1985); the Maria Moors Cabot Prize from Columbia University for her coverage of Latin America (1994); and the Hasselblad Foundation Photography prize (1994). In 1992, she was named a MacArthur Fellow and most recently was awarded a Guggenheim Fellowship (2015). Susan Meiselas lives and works in New York.

HIGHER PICTURES
980 Madison Avenue, New York, NY 10075
http://higherpictures.com

Eustachy Kossakowski @ MAC VAL - Musée d’art contemporain du Val-de-Marne, Vitry-sur-Seine

Eustachy Kossakowski : « 6 mètres avant Paris » 
157 clichés de la collection du Musée Nicéphore Niépce 
Dans le cadre du Mois de la Photo du Grand Paris
MAC VAL - Musée d’art contemporain du Val-de-Marne, Vitry-sur-Seine
22 avril - 28 mai 2017 



Paris, PARIS ! Comme une terre promise, comme le graal, pour ceux qui fuyant leur terre natale élisent une nouvelle vie. Tel est le sens de l’œuvre magistrale de d’Eustachy Kossakowski, conceptuelle et néanmoins terriblement sensible, poignante. En effet, avec son épouse Anka, le photographe quitte la Pologne en 1970 et décide de s’installer à Paris, ville rêvée et fantasmée. 
Cette longue approche pour en être, pour y vivre se traduit dans ses 157 prises de vue, toutes élaborées avec un même système, à exactement 6 mètres d’éloignement de sa frontière, à une distance qui permet d’envisager et de faire de chaque panneau d’entrée de (La) ville le sujet de l’image et de l’œuvre : un programme, un espoir, une joie, une crainte. Que recouvrent ces 6 mètres, telle une distance infranchissable, l’espace du respect, le frisson de l’aventure, la peur de la déception ? 
Ces panneaux directionnels dessinent tout au long des cimaises d’exposition comme un mur de séparation, de protection qui aujourd’hui résonne curieusement à nous. 
À l’heure où Paris devient pour tant de réfugiés une terre d’asile, à l’heure où la Ville tente des expériences pour faire face, à l’heure ou tant craignent l’arrivée de ceux venus d’ailleurs, les 45 ans de distance se réduisent à une peau de chagrin. 
Le MAC VAL, à quelques mètres de Paris,  est infiniment heureux de présenter, à l’occasion du Mois de la photo du Grand Paris, cette œuvre emblématique, universelle et hélas intemporelle, qui, dans ce musée de la proche banlieue parisienne, dont toute l’histoire a été de créer sur son territoire une présence singulière et originale. Car le Grand Paris est en marche, bientôt les panneaux et les murs tomberont.  
Alexia Fabre, conservatrice du MAC VAL 

Photoreporter en Pologne à partir de 1957, Eustachy Kossakowski émigre à Paris en  1970 et se tourne vers une photographie plus objective. À partir des années 1980 son travail explore la question de la lumière en tant qu’objet (Lumières de Chartres, Pompéi). Il partagea les dernières années de sa vie entre la France, l’Italie et la Pologne.  Peu après son arrivée en France, en 1971, pendant quelques mois, Eustachy Kossakowski (Varsovie, 1925 - Paris, 2001) suit à pied la frontière indécise qui sépare Paris de ses banlieues. Un à un, il fixe sur la pellicule les  157 panneaux qui entourent la ville à son entrée, sur sa limite administrative, aux points de convergence des rues de la banlieue et des rues parisiennes. Ces panneaux sont tous photographiés de face, centrés et à six mètres de distance. Cette règle stricte, éliminant toute volonté esthétisante, révèle une réalité changeante et hasardeuse, et donne à voir une vue singulière sur Paris. 

Commissariat de l'exposition : Frank Lamy assisté de Julien Blanpied

MAC VAL - Musée d’art contemporain du Val-de-Marne 
Place de la Libération - 94400 Vitry-sur-Seine
www.macval.fr

Irving Penn: Centennial at The Met, NYC - Metropolitan Museum of Art

Irving Penn: Centennial
Metropolitan Museum of Art, New York
April 24 - July 30, 2017

The Metropolitan Museum of Art presents a major retrospective of the photographs of Irving Penn to mark the centennial of the artist's birth. Over the course of his nearly 70-year career, Irving Penn (1917–2009) mastered a pared-down aesthetic of studio photography that is distinguished for its meticulous attention to composition, nuance, detail, and printmaking. Irving Penn: Centennial, is the most comprehensive exhibition of the great American photographer's work to date and includes both masterpieces and hitherto unknown prints from all his major series.

Long celebrated for more than six decades of influential work at Vogue magazine, Irving Penn was first and foremost a fashion photographer. His early photographs of couture are masterpieces that established a new standard for photographic renderings of style at mid-century, and he continued to record the cycles of fashions year after year in exquisite images characterized by striking shapes and formal brilliance. His rigorous modern compositions, minimal backgrounds, and diffused lighting were innovative and immensely influential. Yet Irving Penn's photographs of fashion are merely the most salient of his specialties. He was a peerless portraitist, whose perceptions extended beyond the human face and figure to take in more complete codes of demeanor, adornment, and artifact. He was also blessed with an acute graphic intelligence and a sculptor's sensitivity to volumes in light, talents that served his superb nude studies and life-long explorations of still life.

Irving Penn dealt with so many subjects throughout his long career that he is conventionally seen either with a single lens—as the portraitist, fashion photographer, or still life virtuoso—or as the master of all trades, the jeweler of journalists who could fine-tool anything. The exhibition at The Met will chart a different course, mapping the overall geography of the work and the relative importance of the subjects and campaigns the artist explored most creatively. Its organization largely follows the pattern of his development so that the structure of the work, its internal coherence, and the tenor of the times of the artist's experience all become evident.

The exhibition is most thoroughly explore the following series: street signs, including examples of early work in New York, the American South, and Mexico; fashion and style, with many classic photographs of Lisa Fonssagrives-Penn, the former dancer who became the first supermodel as well as the artist's wife; portraits of indigenous people in Cuzco, Peru; the Small Trades portraits of urban laborers; portraits of beloved cultural figures from Truman Capote, Joe Louis, Picasso, and Colette to Alvin Ailey, Ingmar Bergman, and Joan Didion; the infamous cigarette still lifes; portraits of the fabulously dressed citizens of Dahomey (Benin), New Guinea, and Morocco; the late "Morandi" still lifes; voluptuous nudes; and glorious color studies of flowers. These subjects chart the artist's path through the demands of the cultural journal, the changes in fashion itself and in editorial approach, the fortunes of the picture press in the age of television, the requirements of an artistic inner voice in a commercial world, the moral condition of the American conscience during the Vietnam War era, the growth of photography as a fine art in the 1970s and 1980s, and personal intimations of mortality. All these strands of meaning are embedded in the images—a web of deep and complex ideas belied by the seeming forthrightness of what is represented.

Irving Penn generally worked in a studio or in a traveling tent that served the same purpose, and favored a simple background of white or light gray tones. His preferred backdrop was made from an old theater curtain found in Paris that had been softly painted with diffused gray clouds. This backdrop followed Irving Penn from studio to studio; a companion of over 60 years, it will be displayed in one of the Museum's galleries among celebrated portraits it helped create. Other highlights of the exhibition include newly unearthed footage of the photographer at work in his tent in Morocco; issues of Vogue magazine illustrating the original use of the photographs and, in some cases, to demonstrate the difference between those brilliantly colored, journalistic presentations and Penn's later reconsidered reuse of the imagery; and several of Penn's drawings shown near similar still life photographs.

Irving Penn: Centennial is co-curated by Maria Morris Hambourg, independent curator and the founding curator of The Met's Department of Photographs, and Jeff L. Rosenheim, Joyce Frank Menschel Curator in Charge of the Department of Photographs at The Met.

History of Irving Penn at The Met

The exhibition follows from a magnificent promised gift from The Irving Penn Foundation to The Met in honor of the artist's centenary of 187 photographs by Penn, representing every period and all facets of the artist's long career with the camera. Selections from this gift form the core of the exhibition. They are joined by some 50 prints selected from the 145 Penn prints already in the Museum's collection. These include a suite of 65 nude studies from 1949–50 donated by the artist in 2002 and featured that same year in The Met's exhibition Earthly Bodies: Irving Penn's Nudes, 1949–50 and its publication. More recently, in 2014, 64 platinum prints from the artist's celebrated Small Trades series, 1950-51, depicting laborers with the tools of their trades in Paris, London, and New York, were acquired with funds from an anonymous donor.

Individual photographs by Irving Penn were first acquired and shown by The Met in 1959 in the context of Photography in the Fine Arts exhibitions. The Museum has presented two monographic shows of the artist's works: in 1977, Curator of Modern Art, Henry Geldzahler, organized Irving Penn: Street Material. Photographs in Platinum Metals, 1975–76; and, in 2002, Maria Morris Hambourg, working closely with the artist, curated Earthly Bodies: Irving Penn's Nudes, 1949–50.

Catalogue

Irving Penn: Centennial - Exhibition Catalogue


The exhibition is accompanied by a 372-page book with 365 illustrations, including full-page reproductions of all the photographs exhibited, by Maria Morris Hambourg and Jeff L. Rosenheim. A probing introduction to the artist, his concerns, and the evolution of his work is provided by Hambourg, followed by lively in-depth studies of the central themes and episodes of his career, an illustrated chronology, and notes on Penn's printing by Hambourg, Rosenheim, and guest authors Alexandra Dennett, Philippe Garner, Adam Kirsch, Harald E.L. Prins, and Vasilios Zatse.

Metropolitan Museum of Art
1000 Fifth Avenue, New York, NY 10028
www.metmuseum.org

April 5, 2017

Art Paris Art Fair 2017 : Bilan

Art Paris Art Fair 2017
Un très bon cru pour l’édition 2017 d’Art Paris Art Fair avec l’Afrique invitée d’honneur

Art Paris Art Fair 2017


Succès pour Art Paris Art Fair 2017 qui a clos ses portes au Grand Palais, le 2 avril au soir avec une hausse de fréquentation de 3% et un total de 54 537 visiteurs venus de 53 pays.

L’Afrique invitée d’honneur a « énergisé » cette édition 2017 qui réunissait du 30 mars au 2 avril 139 galeries de 29 pays. L’engouement était perceptible dès le vernissage qui a accueilli 15640 personnes (une hausse de 10% par rapport à 2016) porté par l’effervescence d’évènements parisiens qui faisaient écho au focus de la foire.

La création contemporaine africaine, mise pour la première fois à l’honneur dans une foire d’art moderne et contemporain en Europe, a suscité l’enthousiasme des collectionneurs et des visiteurs occasionnant de nombreuses ventes. Le public a pu découvrir notamment une jeune génération talentueuse d’artistes rarement présentés en France : Billie Zangewa chez AFRONOVA GALLERY (qui a fait un sold-out avec des prix entre 30 000 et 40 000 euros), Mohau Modisakeng à la galerie WHATIFTHEWORLD qui représentera l’Afrique du Sud à la prochaine Biennale de Venise, Gareth Nyandoro chez Tiwani Contemporary qui bénéficiera d’une exposition au Palais de Tokyo en 2017, Patrick Tatcheda Yonkeu à la Galerie MAM/Fondation Donwahi dont le grand livre a été cédé pour 80 000 euros, Mario Macilau à la Galerie Ed Cross Fine Art ou encore Marion Boehm chez ARTCO Gallery dont les collages sur papier ont été vendus entre 8 000 et 15 000 euros. Les œuvres d’artistes connus comme El Anatsui (October Gallery), Seydou Keïta (Galerie Nathalie Obadia), Chéri Samba et Romuald Hazoumé (Magnin-A) ont également suscité l’intérêt de nombreux collectionneurs ainsi que le programme vidéo «Les territoires du Corps» qui mettait en avant une jeune génération d’artistes du continent africain et de ses diasporas.

Le secteur Promesses pour les jeunes galeries qui réunissait une sélection à 100% internationale a été particulièrement plébiscité : Espace L de Genève s’est défait d’une quinzaine d’œuvres de Julien Spiewak proposées entre 3 800 euros et 500 euros. Anna Marra Contemporanea de Rome a vendu 6 œuvres de Elvio Chiricozzi entre 12 000 euros et 2 000 euros. Art 21 de Lagos a cédé une dizaine de photographies de Namsa Leuba entre 7 500 euros et 2 000 euros...

Au sein du secteur général, les ventes ont été inégales avec cependant plusieurs «sold out» de la Galerie Claude Bernard avec son solo show de Gao Xingjian. Idem pour le solo show de la Galerie Mathias Coullaud dont toutes les toiles de Jérôme Borel ont trouvé preneur. La Galerie Michel Giraud a remporté un succès notable avec une quasi exposition monographique dédiée à l’américain Denis Oppenheim dont trois dessins sont partis chez de grands collectionneurs au prix affiché de 50 000 euros chacun.

Si la plupart des exposants se félicitait d’un bilan des ventes satisfaisant malgré une conjoncture maussade, tous ont souligné la qualité de nouveaux contacts effectués. Beaucoup de visiteurs interrogés ont applaudi la qualité de la foire et le positionnement original d’Art Paris Art Fair : une foire de découvertes au printemps qui fait la place à des scènes culturelles multiples et à la nouveauté. 

Plus de 750 journalistes venus des 4 coins du monde ont été accrédités sur la foire contre 550 l’an passé. De nombreuses personnalités du monde politique, de l’art, du spectacle et des affaires se sont succédées dans les allées : Keziah Jones, Robert Longo, Lilian Thuram, Aure Atika, Jean-Pierre Mocky, Stéphane Bern, Jean-Michel Ribes, Laure Adler, Laurent Fabius, Claude Chirac, Rick Owens et Michèle Lamy mais également les représentants des institutions parisiennes : Bernard Blistène et Catherine David pour le Centre Pompidou, Suzanne Pagé pour la Fondation Louis Vuitton, Laurent Le Bon pour le musée Picasso...

La foire a également accueilli de nombreux groupes d’amis de musées, 29 venus de France et 42 d’Europe ainsi que quelques cercles issus de la diaspora africaine. On peut citer notamment les Tate Patrons, Les Amis de 1.54, The American Friends of the Louvre, Uberblick (Pays-Bas, Espagne, US), The Friends of the Museum of Women in the Arts (Washington), the Friends of the Johannesburg Art Gallery, NKW Freundeskreis Vienne, les Musées royaux des Beaux-arts de Belgique, Collectors Club des MMK (Francfort), Amici del MAXXI (Rome), Kunstverein (Cologne), les Amis du Centre Pompidou Metz, ERSTE Foundation, (Vienne), The Independant Collectors (Berlin), The SMAK Patrons (Gand) etc...

82 visites décryptées ont été organisées pour les collectionneurs avec le concours de l’Observatoire de l’art contemporain.

L’édition 2017 a vu également le lancement du Prix L’art est vivant dont l’objectif est de soutenir à un moment clé de sa carrière un jeune talent exposé dans le secteur Promesses dédié aux galeries de moins de six ans d’existence. Celui-ci, d’une dotation de 5 000 euros, a été décerné, le jeudi 30 mars, à Dalila Dalléas Bouzar, née en 1974 et représentée par la Galerie Cécile Fakhoury (Abidjan).

Art Paris Art Fair a également accueilli Le prix Aurélie Nemours qui a été décerné à Jean-François Dubreuil (1946).

La prochaine édition d’Art Paris Art Fair, se tiendra au Grand Palais du 22 au 25 mars 2018.

ART PARIS ART FAIR
www.artparis.com