March 31, 2011

David LaChapelle Photos Exhibition at Kestner, Hanover

Photo Exhibition: David LaChapelle 
Earth laughs in flowers 
Kestnergesellschaft, Hanover 
Through May 8, 2011

In the first institutional solo exhibition in Germany of work by the famous American photographer DAVID LACHAPELLE (b 1964), the Kestnergesellschaft presents a series of new photographs. The series Earth Laughs in Flowers, which was created this year, refers to art-historical visual traditions but never loses sight of LaChapelle’s own artistic language. 

David LaChapelle 
Decadence: the insufficiency of all things attainable 
Edition 5/7 
Digital C-Print on Corrugated Cardboard 
266.9 x 914.4 x 134.3 cm 
© David LaChapelle 
Courtesy Fred Torres Collaborations; Galerie Rafael Jablonka, Köln 

The large-format still lifes in this series, with titles such as The Lovers, Concerning the Soul, Risk, or  America, seamlessly take up the principle of exaggeration that characterized the portraits of celebrities like Madonna, Pamela Anderson, Michael Jackson, Björk or David Bowie through which David LaChapelle himself has become famous since the 1990s. The portraits always contained art-historical references, along with a fear of emptiness, a love of bad taste, an ugly beauty, but David LaChapelle’s recent works now show an explicit compositional affinity to Baroque floral still lifes (as we can see with the work Early Fall). Plants, fruits and objects, in place of human bodies, now bear witness to human pride, to the finiteness of life with its obsessions and compulsions, to pleasure and suffering. 

David LaChapelle 
Early Fall 
Chromogenic print 
190,5 x 127 cm 
© David LaChapelle 
Courtesy Fred Torres Collaborations; Galerie Rafael Jablonka, Köln 

The title of the exhibition can also be read in the sense of the vanitas portrayals of impermanence and futility: the quotation ‘Earth laughs in flowers’ comes from the poem ‘Hamatreya’ by Ralph Waldo Emerson in which flowers are the earth’s laughter at the arrogant attitude of human beings who believe they can own the earth, although they themselves are transient and must return to it. But the title also speaks of an affirmative and allencompassing attitude, as LaChapelle himself puts it and seeks to translate into his pop visual language. His works are intended to be inclusive and easy to understand, and they address a wide audience. 

This is achieved through strategies of heightened media staging – as in the portraits – but also through universal motifs that are culturally rooted – as in Jesus is My Homeboy (2003), which is also shown in the exhibition. In this series LaChapelle worked with people from the street to stage scenes from the life of Jesus that are astonishing in their true-to-life, contemporary realization. This series is complemented by two paintings from the State Gallery of the Lower Saxony State Museum. These two works, Christuskopf [Head of Christ] (1904) by Erich Brunkal and The Entombment of Christ, a copy after Raffael by Casabene, enable the new works by David LaChapelle to be compared with and referred to traditional Christian iconography. 

 David LaChapelle 
Intervention (from the series Jesus is My Homeboy
182.9 x 279.4 cm
© David LaChapelle
Courtesy Fred Torres Collaborations; Galerie Rafael Jablonka, Köln 

DAVID LACHAPELLE studied visual art at the North Carolina School of the Arts before moving to New York. There he studied at the Art Students League and the School of Visual Arts, and while still a student was invited by Andy Warhol to work for the magazine Interview. David LaChapelle has had solo exhibitions at the Tel Aviv Museum of Art, Kunst Haus Wien, the Fotografiska Museet Stockholm and elsewhere. His work has appeared in numerous group shows, for example at the Brooklyn Museum and the Helmut Newton Foundation.

Curator: Kristin Schrader

A catalogue in German and English was published in cooperation with DISTANZ-Verlag with  an introduction by Dr. Veit Görner and texts by Dr. Thomas Andratschke and Kristin Schrader. 38 Euros.

30159 Hanover 

Mona Hatoum recent works exhibit at Alexander and Bonin, NY + Hatoum's US upcoming exhibitions

Exhibition: Mona Hatoum: Bourj 
Alexander and Bonin, NY 
March 12 - April 28, 2011

An exhibition of recent works by MONA HATOUM, BOURJ, is on view at Alexander and Bonin through April 28. The works were created initially for exhibitions in Amman, Venice and Beirut. This is Hatoum’s fifth solo exhibition with Alexander and Bonin.

Bourj, the Arabic word for ‘tower,’ is the title of a work Hatoum created for a solo exhibition at the Beirut Art Center in 2010. This basic building structure is made up of stacked steel rectangular tube sections which have been subjected to cutting and burning giving it the appearance of a building scarred by war. This work utilizes an altered grid structure, which Hatoum has previously explored in seminal works such as Light Sentence (1992), Current Disturbance (1996), which is currently showing at the Whitechapel Gallery in London, as well as her 2008 Cube (9x 9 x9) recently on view in On Line at the Museum of Modern Art in New York. In the case of Bourj there is an underlying tone of irony as the work’s maquette-like scale suggests a future construction project in which signs of destruction are already present.

Featured in the exhibition is Interior/Exterior Landscape (2010), a room-size installation of altered household furniture. A bed frame threaded with long wiry hair remains bare save for a hair-embroidered pillow at the head that depicts flight routes between the artist’s most visited cities. Two circular wire hangers framing wall drawings of the Eastern and Western hemispheres and a market bag constructed from a cut-out print of a world map hang from a metal coat rack. A merged table and chair sit against a corner and a birdcage housing a single ball of hair hangs on the adjacent wall.

3-D Cities (2008-2009) consists of printed maps of the cities of Beirut, Baghdad and Kabul mounted on tables linked by wooden trestles. The surface of the maps have several delicately cut-out parts that create concave and convex areas referring to the cycle of destruction and rebuilding that these cities have gone (and still go) through. The recessed areas can be seen as a metaphor for bomb craters or construction sites and the protrusions can be a representation of explosions or architectural structures rising again from the rubble.

Mona Hatoum was born into a Palestinian family in Beirut and has lived and worked in London since 1975. Her video, drawings, sculpture and installation works have been widely exhibited throughout the world. Since 1994, there have been more than twenty solo museum and institutional exhibitions of her work, the largest and most comprehensive of which was a survey initiated by the Hamburger Kunsthalle that also traveled to Kunstmuseum Bonn, Magasin 3 Stockholm Konsthall, and the Sydney Museum of Contemporary Art (2004-2005). Hatoum was Artist-in-Residence on the DAAD program (Berliner Künstlerprogramm, Deutscher Akademischer Austrauschdienst) in 2003-2004 and has since divided her time between Berlin and London. Her work has also been shown in the Venice Biennale (1995 and 2005), the 1995 Istanbul Biennial, and Documenta XI in 2002. She was recently awarded the 2011 Joan Miró Prize, Barcelona. Concurrent with the Alexander and Bonin exhibition, White Cube presents two large installations by Mona Hatoum (February 4 - April 2) in Mason’s Yard, London.

The Institute of Contemporary Art, Boston, will presented DANCE/DRAW: MONA HATOUM from October 7, 2011 through January 16, 2012. DANCE/DRAW: MONA HATOUM will also be exhibited at Grey Art Gallery at NYU from April 17 - July 14, 2012 and at Tang Museum at Skidmore, Saratoga Springs, New York, from August to December 2012.

132 Tenth Avenue
NY 10011

March 30, 2011

Expo Sabrina Biancuzi Le Crissement du temps - Centre Iris pour la photographie, Paris

Exposition : Sabrina Biancuzzi 
Le crissement du temps
Centre Iris pour la photographie, Paris 
31 mars - 11 juin 2011

Série Le Crissement du Temps, 2010 © Sabrina Biancuzzi

Sabrina Biancuzzi Le crissement du temps

Le temps, la mémoire et l’enfance ont, à diverses intensités, toujours été au cœur de l’œuvre de Sabrina Biancuzzi, dans la gravure comme dans la photographie. Si elle contnue à s’exprimer dans ces deux disciplines, c’est parce que leur frontère reste ténue, poreuse. Cette perméabilité afranchit Sabrina Biancuzzi des cadres qui bornent rêve et réalité.

Cete nouvelle expositon photographique, Le Crissement du Temps nous entraîne dans l’obsession en fligrane dans tout son travail, celle de la dispariton.

Série Le Crissement du Temps, 2010 © Sabrina Biancuzzi

« Un assourdissant silence »

Un univers sombre. De rares silhouetes humaines, plus fantomatques que réellement incarnées. Des espaces vides, expurgés de toute vie. Des objets abandonnés, en atente des protagonistes d’une pièce de théâtre qui n’aura pas ou plus lieu.

Le temps est paradoxe dans les images de Sabrina Biancuzzi : il semble à la fois avoir déserté les lieux représentés et fgé le vivant, comme gelé sous un inextricable glacis de gris. Le temps parait pourtant imperceptblement faire son office. Sournoisement et inexorablement en marche.

Les œuvres de Sabrina Biancuzzi deviennent sonores. Elles bruissent, grincent, soufent, râlent. Elles ponctuent l’existence de l’artste. Nous les contemplons alors à l’aune de nos propres destnées. Elles sont les comptables des heures qui s’égrènent et nous rapprochent un peu plus de l’heure ultme. Nul besoin des aiguilles de la pendule pour nous rappeler la fuite du temps. Les objets (chaises, lits, statues, poupées...) sont les vestges d’un passé, la trace d’une histoire, le symbole du trépas des êtres aimés. 

Série Le Crissement du Temps, 2010 © Sabrina Biancuzzi

Ce vide nous renvoie à notre propre dispariton, à notre conditon mortelle et éphémère. A cete enfance révolue dont les traces sont pourtant si profondes, gravées à jamais dans la mémoire. Les lieux (église, chambre, bois, chemins humides…) sont emplis d’un assourdissant silence, où viennent poindre des sons inquiétants, révélant les angoisses qui taraudent l’artste.

Le rendu des trages de Sabrina Biancuzzi, leur épaisseur, établissent un parallèle entre la  technique utlisée et l’expression fnale. Une fois les trages réalisés, les images sont recouvertes de pigments noirs et disparaissent complètement sous cete matère opaque, comme si Sabrina voulait les enfouir, les oublier. Puis ces souvenirs s’imposent à nouveau à elle, leur force dissout la noirceur qui les dissimule : la photographe doit retrer l’encre masquant les images. Ces dernières, désormais imprégnées d’un reliquat pigmentaire noir, révèlent une  vision crépusculaire.

Subtiles, ces images sollicitent plusieurs de nos sens : elles s’ofrent non seulement à notre vue, mais aiguisent aussi notre envie d’expérimenter cete matère photographique par le toucher. Enfn, elles crissent à nos oreilles. 

L’atmosphère onirique des compositons de Sabrina Biancuzzi laisse fltrer une peur que l’on percevait déjà dans ses séries antérieures : celle du temps qui passe.

Et donc la peur du temps qu’il reste.


Sabrina Biancuzzi, 32 ans, est née en Belgique. Elle vit et travaille à Paris, enseigne la photographie et anime des ateliers d’arts plastiques.

Spécialisée en photographie argentique et en procédés alternatifs, Sabrina Biancuzzi est à la fois photographe et graveur. Elle aime le travail de laboratoire et le grain des pellicules d’argent. Elle mélange souvent les techniques, joue des caractéristques de chaque médium car au-delà de la nécessité que l’image naisse, vient la recherche de matière, essentielle dans son expression.

Dans son travail elle laisse entrevoir l’intimité de ses voyages et rêves, mêlant ainsi le temps et les souvenirs.

Cette série de photographies est tirée sur papier baryte et peinture à l’huile
Format  des images : 30x30cm

238 rue Saint-Martin 
75003 PARIS

du mardi au samedi, de 14h à 19h
Entrée libre

March 29, 2011

Expo Photo Gérard Rancinan, Paris, Opera Gallery :

Exposition : Gérard Rancinan
Opera Gallery, Paris 
25 mars - 16 avril 2011 

Opera Gallery Paris présente une exposition de photographies dans laquelle la galerie d'art rend hommage à l’imaginaton visuelle du photographe GERARD RANCINAN en présentant trois de ses extraordinaires séries photographiques.

Gérard Rancinan, Ming in Red, 2007 
© Collection Studio Rancinan 
Courtesy Opera Gallery, Paris 

En dévoilant en exclusivité Décadence, sa dernière mise en scène visuelle, l’une des plus fantasmagoriques, Rancinan clôt la série des Métamorphoses, toutes réunies à cette occasion.

Cet ensemble de grands formats est un constat artistique et engagé des mutations qui secouent l’histoire contemporaine. En se référant à  huit chef-d’oeuvres de l’art pictural, Rancinan revient sur les plus anciens des grands enjeux humains pour réaliser qu’ils sont plus actuels que jamais. à travers Le Caravage, Bosch, De Vinci, Velasquez, Géricault, Delacroix, Matisse et le retable d’Issenheim, Gérard Rancinan dresse avec éclat et un état, forcément subjectif, mais puissamment symbolique des questionnements qui traversent toute la planète à l’heure de la mondialisaton accélérée : l’écologie, les mouvements migratoires, l’émancipaton des populations opprimées, les libertés et droits fondamentaux, la faim et la « malboufe », la génétique et la course contre le vieillissement, les guerres ethniques et économiques... 

Pour Décadence, Gérard Rancinan s’est inspiré de La Décadence des Romains de Thomas Couture. Il en fait une fresque baroque et actuelle, où incarnations du paganisme et du syncrétsme se livrent à la plus troublante des bacchanales.

La série de photographies Hypothèses, montrée pour la première fois, nous emporte au-delà de l’Histoire. Dans chaque image, une bulle enferme et protège ce qu’il reste des civilisatons, en évoquant les épreuves, les folies, les dérives mais aussi les espoirs du genre humain. Ces bulles capsules semblent se diriger vers un ailleurs, capsules qui permetront peut-être la construction d’un autre monde. Sera-t-il meilleur ? 

L’exposition est également l’occasion de découvrir les plus beaux portraits d’artistes réalisés par Gérard Rancinan. De Yan Pei Ming à Paul McCarty, de Lichtenstein à Opalka, en passant par Pierre et Gilles ou Gupta,  Rancinan s’est immergé dans l’univers créatif de chacun d’entre eux, en véritable communion. Il en résulte des « portraits-performances », tous révélateurs de l’intériorité de ses grands artistes, de leur force, de leur humanité.

D’abord photoreporter, Gérard Rancinan s’est confronté aux aspérités du monde qu’il continue de parcourir pour en révéler les enjeux, avec éclat et singularité, à travers le prisme d’une création visuelle sans cesse réinventée. Ratrapé par l’univers de l’art et célébré internationalement par les plus grands collectionneurs, les galeries et les institutions les plus prestigieuses, il est à ce jour le photographe français le mieux côté mondialement dans une vente aux enchères.

356, rue Saint-Honoré 
75001 PARIS

March 28, 2011

Itinéraires Photographes Voyageurs Bordeaux 2011 - 20e édition de ce festival bordelais dédié à la photographie d'auteur autour du voyage

Expos Photos 
20e Festival Itinéraires des Photographes Voyageurs 2011

Ville de Bordeaux 
1er - 30 avril 2011

En avril, à Bordeaux, le FESTIVAL ITINERAIRES DES PHOTOGRAPHES VOYAGEURS invitent le public à découvrir dans les principaux lieux culturels et artistiques de la ville, des expositions photographiques sur le thème du voyage. Ce festival propose aux visiteurs de s’inventer un itinéraire au fil des expositions et de découvrir ainsi le travail de photographes confirmés ou issus de nouvelle génération.

Photographie de PHILIPPE LEROUX 
Exposition Réminiscence 
Voyageurs du Monde, Bordeaux, 28 rue Mably 
Photo © Philippe Leroux, Courtesy de l'artiste

Il y a vingt ans en 1991, Nathalie Lamire Fabre organisait la première exposition d’Ella Maillart en France, à Bordeaux. A l’origine de ce festival, l’histoire d’une rencontre avec cette femme aventurière et singulière qui avait pour seule ambition de bourlinguer sans jamais raisonnablement songer à mener une vie rangée. Une rencontre passionnante au-delà de ses écrits et de son anticonformisme.
« A partir de là, j’ai eu envie de continuer de rencontrer d’autres personnages, pas forcément illustres ou haut en couleur, mais des voyageurs. »
Vingt ans que le public est invité à découvrir dans les principaux lieux culturels des expositions photographiques. La ville de Bordeaux a accueilli 225 expositions du Festival. 

Photographie de LUCILLE REYBOZ 
Exposition Chroniques Japonaises 
Arrêt sur l'Image Galerie, Bordeaux, Hangar G2, Quai Armand Lalande 
Photo © Lucille Reyboz, Courtesy de l'artiste 

De lieu en lieu bordelais, les visiteurs peuvent conjuguer les territoires au pluriel et souligner à la fois la différence et les résonances qui habitent les photographes. Leurs travaux intègrent une démarche intellectuelle au long cours soit à travers le choix d’une technique, d’une géographie ou d’un traitement. Le rôle de cette photographie de voyage est de montrer autre chose, des pays traversés, explorés, vécus et ressentis. Ils n’intègrent pas l’actualité, ils ne sont pas non plus sur le front des grands événements, mais ils s’impliquent dans des démarches longues pour s’engager dans un lieu ou dans des rencontres, pour prendre du recul, s’y mettre en délicatesse, faire connaissance, partir, revenir, puis repartir afin de construire un cadre de lecture pour eux-mêmes et pour les lecteurs de photographies. 

Photographie de ANNE LEROY, Exposition Souvenirs 2009 
Cour Mably et salle Capitulaire, Bordeaux, 3 rue Mably 
Photo © Anne Leroy, Courtesy de l'artiste


Almalé-BondiaInfranqueable limites y fronteras, Institut Cervantès
Brown's EarthWestern cavalcade, Espace Saint Rémi
Ann Cantat-CorsiniLa noche de los muertos, Pola
Marc ChatelardSummer memories, Musée des Arts décoratifs
Maxime CouturierTziganie arena, Espace 29
Faustine FerhminPachacuti, Espace Saint-Rémi
Nadia Ferroukhi, Jumelage photographique : Marseille-Alger, Conseil général de la Gironde
Valérie GondranDe moment en moment, Cour Mably et salle Capitulaire
Benoît GrimaltDo you know Syd Barrett ?, Le Rocher de Palmer
Gaëlle Hamalian-TestudAnh doi (images de vie), Musée d'Aquitaine
David HelmanPais tropical, Atelier Dartois
Fred JourdaPaysages, Cour Mably et salle Capitulaire
Yannick Lavigne, National 10 - Eldorado, Porte 44 MC2A
Philippe LerouxRéminiscence, Voyageurs du Monde
Anne LeroySouvenirs 2009, Cour Mably et salle Capitulaire
Lilly LulayMindscapes, Galerie Ilka Bree
Ella MaillartSur les routes de l'Orient, Base sous marine
Marc MontméatLa cage de fer, NY, Musée national des douanes
Lucille ReybozChroniques japonaises, Arrêt sur l'image Galerie
Chantal Russel Le RouxA Glance, Galerie Tinbox
Adrià Goula SardàVietnam 2007, Atelier Dartois
Marie SommerTeufelsberg, Eponyme Galerie
Label expositions, Carte blanche à 9 photographes, Bibliothèque municipale de Bordeaux

Ville de Bordeaux 
20eme Festival Itinéraires des Photographes Voyageurs
Direction artistique : Nathalie Lamire Fabre

Nuit européenne des musées 2011 : C'est le 14 mai 2011

Une nouvelle date à noter dans vos agendas : le 14 mai 2011

Evénement culturel d’envergure européenne, cette Nuit rassemble un nombre toujours plus important de musées. Créé en 2005 par le Ministère de la Culture et de la Communication, cette soirée dédiée à la culture et à l'art est l’occasion pour les musées de France et d’Europe de mettre les projecteurs sur la richesse de  leurs collections, lors d’une nocturne exceptionnelle. La Nuit européenne des musées 2010 a rencontré un beau succès en mobilisant près de 2 millions de visiteurs dans toute la France. 3000 musées dans 40 pays européens, dont 1300 en France, ont participé à la manifestation. La Nuit européenne des musées 2011 devrait attirer encore davantage de visiteurs dans un nombre croissant de lieux. A noter dans vos agendas donc, pour ceux que cela intéresse.  

La Nuit européenne des musées est organisée par le Ministère de la Culture et de la Communication, la direction générale des patrimoines (DGPAT) et les directions régionales des affaires culturelles (DRAC) avec le concours de la Réunion des musées nationaux (RMN). Elle bénéficie du soutien de Neuflize OBC et de Neuflize Vie. Cette manifestation sera placée sous le haut patronage de l’ICOM (Conseil international des musées), du Conseil de l’Europe et de l'UNESCO affirmant ainsi la dimension européenne et internationale de cette manifestation.

Perrier-Jouët Champagne bicentenary celebrated in the Ecole des Beaux Arts in Paris

Monday March 21, the Champagne House Perrier-Jouët celebrate its bicentenary with the unveiling of Bi-Centenaire—the very first Living Legacy champagne designed to be passed on to future generations.

PJ 200 ans, Perrier-Jouët Champagne house bicentenary 
Photo by Jean Picon

An exclusive guest list gathered for the unveiling of a new kind of Champagne experience by the house renowned globally for its Belle Époque Cuvée. Guests were also treated to the unveiling of a new work of art commissioned from American artist Daniel Arsham, designed to embody the spirit of Bi-Centenaire. 

Perrier-Jouët is one of the most prestigious House of Champagne whose heritage dates back from 1811. Part of Pernod Ricard portfolio, co-leader in Spirit & Wine in the world, Perrier-Jouët is the number 3 best-selling Cuvée in the US and number 2 prestige Cuvée in Japan. 

Perrier-Jouët Bi-Centenaire tells the unexpected tale of a great vintage wine with two stories. The first takes place today: a champagne-lover treats himself to a magnum of Perrier-Jouët Belle Epoque 1998. Many years later, a descendant in turn enjoys a magnum of Belle Epoque 1998, passed down through the generations, preciously stored in a private cellar in Perrier-Jouët for up to 100 years.

To achieve this elegant defiance of time, the vintage has been carefully chosen for its exceptional ageing capacity by current Cellar Master Hervé Deschamps, the only seventh cellar master in the house’s 200 year-history.

Just 200 guests from 10 countries attended the private launch, set in the stunning glass courtyard of the iconic Ecole des Beaux Arts in Paris, symbolizing Perrier-Jouët’s passionate family spirit for passing on artisanal and artistic craftsmanship. 

Celebrity Studio Harcourt Portraits 

Guests enjoyed a unique exhibition of photographic portraits by legendary Studio Harcourt, showcasing iconic examples of family legacy including French Movie Stars Alain Delon and daughter Anouchka, Catherine Deneuve and son Christian Vadim, American model and actress Jerry Hall and daughter Georgia May Jagger, French artists Jean-Charles de Castelbajac and son Louis-Marie, the world’s oldest Circus dynasty Patriarch Sampion Bouglione and son Francesco, France’s oldest Jeweller Olivier Mellerio and daughter Emilie and Italian legendary wine maker Marquis Antinori and daughter Alegra. 

Alain Delon & Anouchka Delon Portrait by Harcourt

Catherine Deneuve & Christian Vadim Portrait by Harcourt

For over 70 years, portraits by Harcourt have been a part of the collective memory and have become an institution. Founded in Paris in 1934 the studio Harcourt’s archives includes 5 million prints, having portraying more than 1500 celebrities and over 500 000 people. 


A sumptuous champagne-paired celebratory dinner followed, orchestrated by notorious French Chef Jean-Louis Nomicos who reinterpreted the 1911 Perrier-Jouët Centenary menu paired with Perrier-Jouët Belle Epoque Cuvées, including the exceptional Cuvée Belle Epoque 1998 in magnum. 

Celebratory Dinner 
Photo by Jean Picon

Speaking on the night, Chairman & CEO of Martell Mumm Perrier-Jouët Lionel Breton: "We are very proud to celebrate tonight the bicentenary of Perrier-Jouët with this unique champagne experience as a real tribute to the house’s remarkable craftsmanship and passion for passing on a sense of French art de vivre to future generations."

Amongst the other VIP guests were also Spanish choreographer and dancer Blanca Li, English designer and restaurateur Sir Terence Conran and Daughter Sophie designer, Noë Duchaufour-Lawrance, French TV presenter Stephane Bern, Japanese art photographer Makiko Takehara, Spanish Fashion Designer Isaac Reina, Michelin star Chefs Albert & Alain Roux. 

Makiko Takehara 
with Hervé Deschamps and Miles Cockfield
Photo by Bertrand Rindoff 

Perrier-Jouët Bi-Centenaire diptych sculpture by Daniel Arsham 

The evening concluded with the unveiling of Daniel Arsham’s unique diptych sculpture, revealing glimpses of the bottles through an original and distinctive architecture, designed to express the philosophy of this champagne. Daniel Arsham: "It was this spirit of Perrier-Jouët continuity that I wanted to illustrate by creating a diptych that combined both the essence of Perrier-Jouët and my universe. My initial inspiration came from Perrier-Jouët’s vines and its cellars, the detail of Emile Gallé’s anemone flower." 

A rising star in the international art world, Daniel Arsham blurs the boundaries between art, architecture and the performing arts, working with Merce Cunningham, for whose last work he designed the scenography. Arsham has also teamed with choreographer Jonah Bokaer and made special projets with fashion designer like Hedi Slimane and recently Richard Chai. He has been represented by Galerie Emmanuel Perrotin since 2003. 

Perrier-Jouët Bi-Centenaire diptych sculpture 
Photo by Studio Harcourt, Paris

Daniel Arsham 
Photo by Bertrand Rindoff

Perrier-Jouët Bi-Centenaire Champagne dedicaced ceilar 
Photo by Camille Malissen

Perrier-Jouët Bi-Centenaire is available in very limited quantities (100 pieces only) at the Champagne House’s Boutique in Epernay and by appointment only including a privileged hospitality experience. It is also available through the exclusive Pernod Ricard network for an average RSP of 10.000 euros.

21 June 2011 Update

As part of its 200th anniversary festivities, the House of Perrier-Jouët welcomed on the 16 and 17 June some of the world’s leading champagne experts for an exclusive vertical tasting of its prestigious cuvee Belle Epoque in the most celebratory of formats: the Jeroboam. 

Following Perrier-Jouët’s historic 2009 tasting which included the world’s oldest champagne Perrier-Jouët 1825 Vintage, Chef de Caves Hervé Deschamps was keen to explore a different dimension of the House’s cellars through a jeroboam tasting of 9 outstanding House vintages  dating back to 1975, the year Perrier-Jouët introduced vintage champagne in jeroboam.

Hervé Deschamps explains: “the jeroboam is the traditional symbol of celebration in Champagne and our 200th anniversary was the perfect occasion to explore how these great vintages have evolved in larger bottles. Jeroboams offer an exceptional but slightly different experience from standard bottles, as a lower pressure together with a longer ageing on the lees gives rise to a more intense and richer aromatic wine”.

Photo Courtesy Perrier-Jouët

After toasting the Perrier-Jouët ‘s bicentenary with a glass of the legendary 1911 vintage in magnum, guests were served jeroboams of Belle Epoque 1998, 1996, 1995, 1990, 1989, 1985, 1982, 1978, and 1975. The blend of these Cuvees remained the same, true to the Perrier-Jouët’s signature style, made of 50% Chardonnay from Grands Crus as Cramant & Avize, 45% of Pinot Noir from Mailly, Verzy, Verzenay and 5% Pinot Meunier from Dizy.

British wine expert Serena Sutcliffe MW commented: “I was in heaven, I love matured wines and some of them in jeroboam format still have a great future ahead of them” whilst French wine author Michel Bettane explained : “What’s interesting with Jeroboams is that the wine presents better, as the senses are less dominated by the carbonic gas. One finds more ‘vinosity’ and greater roundness: I was delighted to discover the wine itself.”

Perrier-Jouët ‘s bicentenary tasting 2011: Wine Experts Photo 
Photograph Courtesy Perrier-Jouët

The 1985 and 1975 vintages were hailed as highlights; with the jeroboam of Belle Epoque 1985 recorded by one expert as “simply sensational with a long life ahead” and the 1975 vintage described as “the ultimate expression and achievement of Belle Epoque; mellow, harmonious, and with an incredible sweetness.”

During the course of the two-day private event, guests were also treated to a sumptuous champagne-paired gala dinner, devised by acclaimed French chef Jean-Louis Nomicos and Michel Dubois, chef of the prestigious Maison Belle Epoque, who together recreated the 1911 Perrier-Jouët Centenary Menu to complement a range of more recent Perrier-Jouët gems. These included the exceptional Belle Epoque 1998 in magnum, the cuvee de grande garde at the heart Perrier-Jouët Bi-Centenaire, the world’s first “Living Legacy Champagne,” which was unveiled in Paris this March.

André Baveret and Hervé Deschamps 
Photograph by Harcourt Studio Paris

All the champagnes tasted were the creation of André Baveret and Hervé Deschamps, only the sixth and seventh cellar masters respectively in the 200-year history of Perrier-Jouët and their achievement in balancing perfectly the diversity of each vintage’s individual character with Perrier-Jouët signature style, as a tribute of an expertise passed on over two centuries.

Please drink responsibly. 

Perrier-Jouët website:

March 26, 2011

Exposition Gallimard, BnF Paris - L'expo célèbre un siècle d'histoire des Editions Gallimard, 1911-2011

Exposition Gallimard, 1911-2011 : 
un siècle d'édition 
BnF - Bibliothèque nationale de France, Paris 
Commissaires : Virginie Meyer, Alban Cerisier 
Jusqu'au 3 juillet 2011

Sur l'affiche de l'exposition Gallimard à la Bnf, 
une photographie de Gaston Gallimard en 1911, 
année de la création des Editions Gallimard 
Photographie © Photo Archives Gallimard - Courtesy Gallimard

Avec cette exposition, la BnF célèbre le centenaire des Editions Gallimard. S’appuyant sur des pièces exceptionnelles et des documents largement inédits - manuscrits, photographies, correspondances, fiches de lecture, affiches et archives audiovisuelles - l’exposition parcourt un siècle d’histoire intellectuelle à travers l’itinéraire d’une des plus prestigieuses maisons d’édition françaises. 

Gide, Claudel, Aragon, Breton, Malraux, Joyce, Faulkner, Saint-Exupéry, Michaux, Sartre, Queneau, Ionesco, Pinter, Camus, Yourcenar, Duras, Kerouac, Modiano, Le Clézio, Kundera, Tournier... on pourrait écrire sans effort une histoire de la littérature et des idées au XXe siècle à la lecture du seul catalogue des Editions Gallimard. Derrière la célèbre couverture blanche aux filets rouge et noir siglée NRF se cache la richesse d’un catalogue aux multiples facettes, de la « Pléiade » à la « Série noire », du livre pour enfants aux collections de sciences humaines. Cent ans après leur création, les Editions Gallimard demeurent aujourd’hui la plus grande maison d’édition française indépendante, dotée d’un catalogue de quelque 40.000 titres.

Gaston Gallimard, portrait de Roger Parry,
à l’occasion de l’un des fameux cocktails de la NRF 
dans les jardins de la rue Sébastien Bottin en 1953
© Photo Archives Gallimard

Antoine et Claude Gallimard au cours d’un cocktail en 1986
© Photo Archives Gallimard

Antoine Gallimard, actuel PDG des Éditions Gallimard
© Photo Archives Gallimard

L’exposition s’appuie sur les archives très riches et largement inédites de l’éditeur, sur les collections de la BnF et d’autres bibliothèques françaises ou étrangères, ainsi que sur les ressources de l’Ina (voir plus bas).

Le premier temps du parcours donne toute sa portée à la diversité exemplaire du catalogue. Les visages et les voix des auteurs majeurs du XXe siècle, comme Louis-Ferdinand Céline ou Jorge Luis Borges, viennent donner vie à un choix exceptionnel de manuscrits, de Paul Claudel à Jonathan Littell, en passant par La Condition humaine ou Le Deuxième Sexe. Il s’agit de suggérer le parcours des œuvres, depuis leur création jusqu’à leur publication. Les étapes de cette « alchimie » sont évoquées à travers des fiches de lecture (signées par de grands auteurs de la maison d'édition comme Jean Paulhan, Raymond Queneau ou Albert Camus) ou des correspondances dévoilant le dialogue entre l’auteur et son éditeur.

Le deuxième temps du parcours retrace les grandes étapes de l’histoire de l’entreprise tout en donnant des coups de projecteur sur des enjeux particuliers de la « fabrique éditoriale » : comment faire vivre le fonds par l’intermédiaire de collections comme « Folio », « L’Imaginaire » ou la « Pléiade » ? Comment choisir le graphisme de la couverture d’un « Découvertes » ? Comment assurer la promotion d’un livre ? Des éditions de luxe à la littérature populaire, des revues d’avant-garde à la grande presse, l’ambition reste la même : se donner les moyens de mener, en toute indépendance, et durablement, une politique d’auteurs et de collections. Sans oublier les erreurs d’appréciation, les échecs ou les repentirs à l’égard de certains auteurs (Proust, Giraudoux, Montherlant ou Céline…), les concurrences entre éditeurs, les débats et polémiques animant l’histoire de la profession (prix littéraires, censures) et quelques excursions dans le domaine du théâtre avec l’aventure du Vieux Colombier, du cinéma ou de la musique. 

Affiches, maquettes et illustrations originales (de La Belle Lisse Poire du Prince de Motordu à Harry Potter) viennent illustrer cette histoire familiale, commerciale et culturelle qui est aussi celle d’une profession. 

Commissaires de l'exposition
Virginie Meyer, conservateur, département Littérature et art, BnF
Alban Cerisier, Editions Gallimard

BnF François-Mitterrand
Galerie François Ier
Quai François- Mauriac
75013 Paris

GALLIMARD, 1911 - 2011 

Sous la direction d’Alban Cerisier et Pascal Fouché.
Avec les contributions d’Olivier Bessard-Banquy, 
Alban Cerisier, Pascal Fouché, Virginie Meyer, 
Gisèle Sapiro, Hervé Serry et Anne Simonin.
Coédition Editions Gallimard / BNF
Relié, 250 x 250 mm 
408 pages, environ 350 illustrations couleur
Prix : 49 euros

On retrouve dans cet ouvrage - catalogue de l'exposition le siècle d'histoire de Gallimard présenté au travers de textes de spécialistes et d'une très riche iconographie, échos de la richesse des différents documents présentés à l'exposition.



L’exposition virtuelle est accessible depuis le site de la BnF et celui des Editions Gallimard. 

La visite guidée par les commissaires de l'exposition en téléchargement 
On peut télécharger sur son téléphone ou son MP3 les commentaires sur l’exposition avec des zooms sur les principaux documents. 

L’exposition en images
L'exposition virtuelle invite à découvrir un siècle d'édition en cinq étapes : 
1909-1919 La littérature au comptoir 
1919-1939 La double enseigne
1939-1945 Les Années sombres  
1946-1970 D'un Gallimard l'autre
1970-2010 Une nouvelle donne

Le dossier propose des textes d’Alban Cerisier accompagnés de documents d’archives et s’enrichit d’un important volet sur la littérature étrangère. 

Un dossier pédagogique sur le thème "lire, écrire, publier", au programme des lycées, permet de suivre toutes les étapes du livre. Les fonctions du brouillon dans l'écriture, le rapport de l'écrivain avec son premier lecteur, les corrections, la réécriture, le choix du titre, de la couverture, la publicité et la promotion, les rééditions… : à chaque étape, des études de cas sont proposées.

Pages lues
Lecture à voix haute de nombreuses pages manuscrites, de fiches de lecture et de correspondances.

Un certain nombre de repères sont proposés : chronologie, prix littéraires, membres successifs du comité de lecture.

Parcours enfants
Un parcours ludique à travers une sélection de livres pour la jeunesse est proposé aux plus jeunes.

L’Ina partenaire de 
l’exposition Gallimard à la BnF 

« Je suis lié à Monsieur Gallimard par certains engagements qui me permettent de lui demander des avances que nous avons. Et il se fatigue de donner des avances s’il ne vend pas. Et pour vendre, il compte sur la publicité. Et si je me refuse à cet effort de publicité, évidemment il ne me donnera plus d’avances. C’est assez simple. »  
Dès 1958, Louis-Ferdinand Céline, interviewé par André Parinaud dans l’émission Voyons un peu,  pose la question de la relation entre la télévision et la littérature, toujours d’actualité aujourd’hui.

Mais qu’importe qu’il s’agisse de promotion. Grâce à la télévision et aux archives de l’Ina, tous les courants de pensée du XXe siècle sont représentés à travers 60 ans d’entretiens avec des écrivains et des intellectuels. 

La richesse de ce patrimoine audiovisuel et sonore explique que l’Ina soit partenaire de la Bibliothèque nationale de France et des Editions Gallimard pour la célébration du centenaire de la maison d’édition en incarnant les écrivains du catalogue. Milan Kundera explique comment son éducation musicale a influencé sa façon de construire un roman ; Georges Bataille estime que « la littérature nous permet de voir le pire et de savoir lui faire face » ; Albert Cohen décrit l’écriture comme un acte d’amour, au sens physique du terme ; Simone de Beauvoir s’explique sur sa célèbre formule « on ne naît pas femme, on le devient » et Elisabeth Badinter analyse l’importance du Deuxième sexe qui a permis que « la liberté s’énonce aussi au féminin » ;  Michel Foucault, interviewé par Pierre Dumayet à propos de son livre Les mots et les choses pour Lectures pour tous , explique qu’il a voulu traiter d’un point de vue ethnologique le savoir occidental. 

Au fil des images, ils transmettent leurs idées, témoignent de la création de la maison d’édition, de la Nouvelle revue française (NRF), des séances de lecture... Ces images apportent également un éclairage sur les relations entre les éditeurs et les auteurs.

Tout sujet confondu, l'Ina conserve plus de 3 500 000 heures de programmes télé et radio et plus d’un million de documents photographiques. Avec sa politique d’édition, son site internet et comme partenaire d’événements culturels et éducatifs, comme l'exposition Gallimard, l’Ina favorise la diffusion de ses images et de ses sons. Parmi les 100 000 émissions de télévision ou de radio à visionner ou télécharger sur, sont réunies les emblématiques Lectures pour tous, Apostrophes ou Le Masque et la plume. Un catalogue d’éditions audio et vidéo rassemble les grandes voix des écrivains du XXe siècle. Citons notamment Colette, Jean Giono, Marguerite Duras … édités dans la collection audio Ina Mémoire vive, Samuel Beckett et Georges Perec ou les entretiens de Bernard Pivot, avec Gallimard, édités en DVD.

Lien : 

Brian Griffin Exhibition Black Country at The New Art Gallery Walsall, UK

Exhibition: Brian Griffin         
The Black Country                       
The New Art Gallery Walsall       
8 April - 19 June 2011

Growing up in the Black Country was the best thing that ever happened to me’. Brian Griffin, 2010

Brian Griffin, Woman Chainmaker, 2010. 
Archival pigment print, Courtesy of the artist.

The New Art Gallery Walsall presents the first UK showing of THE BLACK COUNTRY, a new body of work by renowned photographer Brian Griffin.

BRIAN GRIFFIN was born in Birmingham in 1948 but spent his childhood in Lye, in the Black Country before departing for Manchester College of Art in 1969 to study photography. He has since gone on to become one of the UK’s most established photographers and is renowned for his portraits of musicians, actors, political figures and the business community. However, growing up in the 50s and 60s in the Black Country, surrounded by industry, has left an indelible impression on the artist, to such an extent, that a new body of work restages his childhood memories of living amongst the factories on Stocking Street, Lye. 
‘’Factories were everywhere, even surrounding my school. I was determined not to end up in one but in 1964 I did. Forced out of school by my parents, being an only child, the family needed money and I was a source.  I never realised at the time – wanting to stay on at school to do my A levels – but working in a factory would turn out to be my salvation.’’
The photographic series predominantly focuses on the factory worker, a role he played himself after leaving school at 16, and one both his parents occupied throughout their working lives. Other works depict the Black Country as seen through a child’s eyes. The photographs reveal how the factories, its workers, the surrounding landscape and local traditions, spurred Griffin’s imagination from an early age.
‘’If I opened my bedroom net curtains, sometimes the night sky would be glowing red from the furnaces of Round Oak Steelworks in Brierley Hill. Beyond the steelworks was Dudley Castle the former home of the Earls of Dudley.  Mom and Dad used to say that everything was the Earl of Dudley’s.’’
The Earl of Dudley, Black Country Food, Speedway racing, The Lone Ranger, Davy Crockett, the local pub, the family cat and his early years as a choir boy are also celebrated in the series. Family photographs and Brian Griffin’s written accounts of childhood also accompany the photographs.

Each of the images within The Black Country brings together a careful composition of nostalgia, tenderness and absurdity. Inspired by a range of influences including Caravaggio, Stanley Spencer, Joseph Wright of Derby and religious art, his theatrical scenarios place his life story on centre stage.  

Griffin’s artistic influences will also be explored through a display of works from The New Art Gallery Walsall’s collection. The accompanying exhibition curated by Griffin, will include works by Jacob Epstein, Odilon Redon and Georges Rouault.

Also showing: Toby Ziegler, The Alienation of Objects, 8 April - 19 June 2011

Floor 3, Gallery 1
Admission is free

March 25, 2011

Salon Antiquaires Antibes 2011

39e Salon des Antiquaires, Antibes 
Port Vauban 
16 avril - 2 mai 2011

Depuis près de 40 ans (anniversaire en 2012), le Salon d'Antiquités-Brocante du Vieil-Antibes est l'un des évènements organisé sur la Cote d'Azur pour les collectionneurs et amateurs de meubles, objets d'art, bijoux, peintures, tapis, luminaires... de tous les styles et de toutes les époques, de l'antiquité au XXe siècle avec des grands noms de l'art des plus classiques aux plus modernes (Art nouveau, Art Déco, Art Moderne, Années 50…), du mobilier design vintage avec de grands créateurs, des peintures de grands maîtres signées Buffet, Dufy, Tapiès, Dali, Zadkine... et maintenant également des créations contemporaines.

Chaque année, il réunit une centaine d'exposants et accueille plus de 20000 visiteurs sur le port Vauban d'Antibes en même temps que la brocante du boulevard d'Aguillon.

Organisateur : 
32, bd d'Aguillon 

Président : Gérard Fantino

ACAW 2011 NYC Asian Art Celebration

Asian Contemporary Art Week 2011
New York City 
March 21 - 31, 2011 

Now in its seventh year, Asian Contemporary Art Week celebrates and promotes Asian contemporary art through artist conversations, panels, screenings, book launches, exhibitions, and curator tours at over 35 museums and galleries. This year, ACAW take place throughout New York City, and opened on the first day of spring: March 21, also celebrated as the New Year in many countries of Central Asia. Events take place at various locations around NYC for ten days, ending on March 31. 

Rashid Rana, Aar Paar. 2000-2004. 
Collaborative project by Shilpa Gupta and Huma Mulji in Karachi.

“Asian Contemporary Art Week highlights the latest trends in contemporary art while recognizing that contemporary art in Asia doesn’t come out of nowhere,” says Asia Society Museum Director Melissa Chiu. “This year’s program showcases emerging artists and work never seen in the U.S., and also recognizes the enduring importance of influential artists such as M.F. Husain and Monir Shahroudy Farmanfarmaian, both participants in our series of artist discussions.” 
As part of its mission to educate the public and to increase the visibility of artists, ACAW 2011 features DIALOGUES IN ASIAN CONTEMPORARY ART, a series of talks with more than 25 leading artists and professionals in the field. “Over the course of the week, ACAW Dialogues will strive to disseminate broader, more thorough knowledge of art communities and artists’ activities within and outside of Asia,” notes ACAW director Leeza Ahmady. “Enthusiasm for this project continues to build and expand, with a U.S. West Coast-based consortium now coming together to plan similar initiatives in San Francisco.” 

With numerous exhibitions and artist dialogues, ACAW 2011 includes artists from the US and Asia. Among the countries represented are Afghanistan, Bangladesh, Burma, China, India, Indonesia, Iran, Japan, Kazakhstan and Pakistan. 

Monir Farmanfarmaian, Untitled, 2010. 
Mirror mosaic, reverse glass painting, 210 x 130 cm. 
Courtesy of the artist and Haines Gallery San Francisco 

HIGHLIGHTS OF THE ACAW DIALOGUES include: a discussion with Mariam Ghani at the Museum of Modern Art (March 21); Rashid Rana and Pooja Sood at Sotheby’s (March 22); M.F. Husain  and Monir Shahroudy Farmanfarmaian at Asia Society Museum (March 23); David Elliott, Massimiliano Gioni and Suzanne Cotter at the Guggenheim Museum (March 25); Ushio Shinohara and Tomokazu Matsuyama at Asia Society Museum (March 28); Liu Xiaodong at the Guggenheim Museum (March 29); Xie Xiaoze interviewed by Robert Hobbs at China Institute (March 29); a discussion with Asian Cultural Council 2011 grantees/contemporary artists Rahraw and Manizhah Omarzad, Firoz Mahmud, Chaw Ei Thein, and Fong Wah Phoebe Hui led by Leeza Ahmady at Location One (March 29); Yang Jiechang and Zheng Shengtian in conversation with Jane DeBevoise at Museum of Chinese in the Americas (March 31) and Almagul Menlibayeva at Priska C. Juschka Fine Art (March 31). Another highlight is a dramatic installation by New York-based Korean artist ATTA KIM, who will create a 5 and 1/2-ft-tall, 1,300 pound ice sculpture of a seated Buddha that will slowly melt in Rubin Museum of Art’s spiral lobby, from March 25 through 27. ACAW Dialogues program is sponsored by Asian Cultural Council, New York.  

ACAW 2011 PARTICIPATING VENUES include: Aperture Gallery; Asia Art Archive; Asian Cultural Council; Asia Society and Museum; Bose Pacia; China Institute Chambers Fine Art; Ethan Cohen Fine Arts; Gallery Korea/Korean Cultural Service; Indo-American Arts Council; Jack Shainman Gallery; Japan Society; Leila Taghinia-Milani Heller Gallery; Location One; Meulensteen; Museum of Chinese in America (MOCA); Museum of Modern Art; Priska C. Juschka Fine Art; Queens Museum of Art; Rubin Museum of Art; sepia EYE; Sotheby’s; Solomon R. Guggenheim Museum; Sundaram Tagore Gallery; Taipei Cultural Center; Tally Beck Contemporary; Thomas Erben Gallery; Tyler Rollins Fine Art; and Zürcher Studio. 

Asian Contemporary Art Week is an initiative of the Asian Contemporary Art Consortium, which includes: Melissa Chiu and Miwako Tezuka, Asia Society Museum; Steve Pacia and Shumita Bose, Bose Pacia; Agnes Hsu, China Institute; Ethan Cohen, Ethan Cohen Fine Arts; Jean Kim, Gana Art Gallery; Jack Shainman, Jack Shainman Gallery; Joe Earle, Japan Society; Leila Heller, Leila Taghinia-Milani Heller Gallery; Esa Epstein, sepia EYE;  Alexandra Munroe and Sandhini Poddar, Solomon R. Guggenheim Museum; Barbara London, The Museum of Modern Art; Thomas Erben, Thomas Erben Gallery; Tyler Rollins, Tyler Rollins Fine Arts; Jack and Susy Wadsworth, Collectors; Xiaoming Zhang, Private Art Consultant; and Leeza Ahmady, ACAW Director (Independent Curator).

ACAW web site :

March 24, 2011

Stanley Kubrick - Rétrospective Cinémathèque francaise

En même temps que l'exposition qu'elle consacre à Stanley Kubrick, la Cinémathèque française présente une rétrospective intégrale de ses films ainsi qu'une rétrospective autour de Stanley Kubrick. L'exposition ayant été présenté dans le message précédent (lien ci-dessous), voici une présentation de la rétrospective ainsi que la filmographie complète de Stanley Kubrick. 

Jusqu'au 18 avril 2011 

La Cinémathèque française présente l’intégralité de ses films. Grand démiurge du cinéma, Stanley Kubrick a construit une œuvre qui semble à première vue composée d’éléments hétérogènes : film noir (L’Ultime Razzia), science-fiction (2001 : l’Odyssée de l’espace), anticipation sociale (Orange mécanique), reconstitution historique (Barry Lyndon), épouvante (Shining), film de guerre (Full Metal Jacket). Mais tous ces titres, quel que soit leur genre d’appartenance, constituent une réflexion visionnaire,  profonde et désabusée, sur l’Homme, ses rapports avec la science et la technique, son évolution et son identité même. 

Marisa Berenson dans Barry Lyndon (GB/USA 1973-75). 
© Warner Bros. Entertainment Inc. 


Day of the Fight (USA/1950-1951/16’) 
Flying Padre (USA/1950-1951/9’) 
Fear and Desire (USA/1951-1953/68’) [*] 
Mr. Lincoln (TV) (USA/1952/Second Unit Director). 
The Seafarers (USA/1953/30’) 
Le Baiser du tueur (Killer‘s Kiss) (USA/1955/67’) 
L’Ultime Razzia (The Killing) (USA/1955-1956/84’) 
Les Sentiers de la gloire (Paths of Glory) (USA/1957/87’) 
Spartacus (USA/1959-1960/184’) 
Lolita (UK-USA/1960-1962/152’) 
Docteur Folamour (Dr. Strangelove or: How I learned to stop worrying and love the Bomb) (UK-USA/1963-1964/95’) 
2001, L’Odyssée de l’espace (2001: A Space Odyssey) (UK-USA/1968/160’) 
Orange mécanique (A Clockwork Orange) (UK-USA/1971/137’) 
Barry Lyndon (UK-USA/1975/187’) 
Shining  (The Shining)  (UK-USA/1980/Version longue exploitée aux Etats-Unis 146’/Version internationale 119’) 
Full Metal Jacket (UK-USA/1987/116’) 
Eyes Wide Shut (UK-USA/1999/159’)  

[*] Stanley Kubrick, de son vivant, souhaitait que son premier long métrage, Fear and Desire, ne soit plus diffusé. La Cinémathèque française respecte sa volonté.

STANLEY KUBRICK, Docteur Folamour

 Docteur Folamour 
Dr. Strangelove or: 
How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb 
GB/USA 1963-64 
© Columbia Pictures Industries Inc. 

Rétrospective AUTOUR DE KUBRICK 
du 20 avril au 2 mai 2011

Il peut paraître paradoxal, voire totalement illusoire, de penser que le cinéma de Kubrick a engendré une descendance digne de ce nom. Chacun de ses films semble plutôt avoir constitué le moment ultime, indépassable, d’un genre dont il aurait désormais clos l’évolution.

Tout ne s’est-il pas passé comme si chaque titre signé Kubrick avait démontré, par ailleurs, une manière de sortir de sa propre catégorie, d’échapper aux déterminations de sa propre nature ? 2001: A Space Odyssey (2001, L’Odyssée de l’Espace) n’a-t-il pas rendu dérisoire, en 1968, le cinéma de science-fiction ? Full Metal Jacket en 1987, n’a-t-il pas achevé, à l’époque, les multiples tentatives cinématographiques de représentation de la guerre du Vietnam ? Shining n’a-t-il pas fait le tour d’un cinéma de la peur dont Psychose, en 1960, avait posé les fondements ? Que peut être la descendance d’une œuvre dont on soupçonne l’auteur d’avoir eu l’ambition d’en finir avec toute idée de descendance ?

Il ne s’agira donc pas de valider l’existence d’un cinéma « kubrickien », pendant ou après Kubrick, mais plus modestement de supposer que l’œuvre de l’auteur de Shining a pu imprégner subtilement certains films, a finement déterminé l’évolution de certains cinéastes marqués par les images ou la philosophie personnelle du réalisateur, a, plus modestement, dialogué avec d’autres films. De voir  aussi comment certains motifs ou certaines obsessions attachées à l’œuvre de Kubrick se sont, après lui, cinématographiquement incarnés ?

La War Room de Docteur Folamour 
dessinée par le décorateur du film Ken Adam