December 28, 2003

Visatec Solo Kit 384 Photo Studio

The Solo Kit 384 is based on the Visatec Solo 400 B and 800 B units. For the first time, Visatec is offering a complete kit including a SOLO 800 B as the main light and two Solo 400 B units as fill lights. Standard accessories include a Soloflex 60 x 60 cm softbox, an umbrella reflector with a silver umbrella, a standard reflector, barn doors, three honeycombs; and a synch cable.
The most striking features of Visatec Solo 400 B and 800 B are their light output, continuous 3 f-stop output control capability, proportional halogen modelling light and built-in photocell. With the patented bayonet mount, reflectors can be changed quickly and rotated 360°; it also accommodates the comprehensive selection of Visatec light shapers.
The case keeps everything neatly organized and prevents damage to its valuable contents, so the entire flash equipment is always ready to use in the studio or on location. The kit's contents can be adapted to each individual photographer's requirements and expanded at any time. The transport bag is no bigger than an ordinary travel bag.
Photo (c) Visatec / Bron Elektronik AG - All rights reserved -

December 27, 2003

Dali Collection Americaine Floride – Musée Salvador Dali de St. Petersburg



Centenaire de Dali
Une Collection Américaine

Musée Salvador Dali, St. Petersburg, Floride

09-01 > 26-09-2004

Le Salvador Dali Museum de St. Petersburg en Floride fête le centième anniversaire de la naissance de Dali avec une importante exposition " Dali Centenial: An American Collection ", présentée tout au long de la saison 2004, de janvier à septembre. Le musée de Saint Petersburg Florida entend ainsi souligner et expliquer, à nouveau, auprès du public américain, l'importance majeure de la place tenue par Salvador Dali dans l'histoire de l'art et, plus largement, dans l'histoire culturelle et sur le plan des idées. Le musée entend aussi rappeler l'importance de sa propre collection dans le cadre de Dali 2004 qui peut être l'occasion de toucher un public plus large.

L'exposition est présentée à la fois de façon chronologique et thématique. L'approche chronologique permet de bien mettre en lumière les différentes périodes dans l'évolution artistique de Dali. Les sections thématiques permettent quant à elles de montrer la récurrence de certains sujets ainsi que du symbolisme dans l'ensemble de l'oeuvre de l'artiste.

Le musée américain dédié à Salvador Dali possède une collection impressionnante d'oeuvres, ainsi que des archives, de l'artiste. C'est cette collection qui est exposée dans le cadre du centenaire avec une scénographie spécifique pour l'événement. L'exposition bénéficie également de prêts d'oeuvres de Dali provenant de deux autres musées : la Fondation Dali en Espagne et le musée d'art de Philadelphie.

En plus des peintures qui sont souvent exposées, le Salvador Dali Museum de Floride présente des oeuvres de sa collection qui sont moins souvent montrées au public, avec, entre autres, des sculptures et des oeuvres de joaillerie. En outre, certains documents de la collection, des archives ou de la bibliothèque du musée américain, faisant partie de l'exposition, ne sont que très rarement exposés et, pour certains d'entre eux, ne l'ont jamais été. Il s'agit en particulier de manuscrits originaux de Dali provenant de la succession d'André Breton, de documents importants sur l'histoire de la vie de Salvador Dali comme son certificat de naissance et des diplômes, de pages manuscrites, de contributions de Dali au magazine Studium, de livres de la bibliothèque personnelle de Dali, d'exemplaires rares de catalogues surréalistes pour lesquels Salvador Dali avait réalisé de superbes dessins ainsi que des brochures et catalogues soulignant la participation de Dali à de nombreuses expositions.

Une très importante exposition donc, par laquelle la Floride, au travers du Salvador Dali Museum de Saint Petersburg, célèbre le maître espagnol du surréalisme.

Mécénat : Progress Energy. Le musée a également bénéficié d'un soutien de l'Ambassade d'Espagne aux Etats-Unis.

Dali Centenial: An American Collection
9 janvier - 26 septembre 2004

Salvador Dali Museum
1000 Third Street South
St. Petersburg, Florida 33701

Site web :

December 10, 2003

Cindy Sherman, Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh

Cindy Sherman 
Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh 
6 December 2003 – 7 March 2004

The first ever solo exhibition of the work of internationally renowned artist Cindy Sherman in Scotland opens at the Scottish National Gallery of Modern Art. Organised by the Serpentine Gallery in London, this fascinating show is also Cindy Sherman’s first survey exhibition in the UK for a decade. Around fifty photographs are brought together in Cindy Sherman, spanning thirty years of the artist’s career and including her latest works.

Cindy Sherman (b.1954) is widely recognised as one of the leading artists of our time. Although never interested in making self-portraits, Sherman shapes her own image with a bewildering array of disguises, using make-up techniques, wigs, costumes and prosthetics to create the subjects of her photographs.

Cindy Sherman’s provocative and intriguing portraiture often explores the themes surrounding female identity and stereotype in Western culture. Her work has been hugely influential on a younger generation of photographic and performance artists, raising her to iconic status in contemporary art.

Cindy Sherman first came to prominence in the mid-1970s with her series Untitled Film Stills – black-and-white photographs in which she imitated both the performers and settings of Hollywood B-movies, combining the roles of director, photographer and leading actress. In the 1980s she began to work on a larger scale and in colour, making reference to art history, fashion photography, television, horror movies and pornography. Recently she has created a series of portraits of ‘ordinary’ women with extraordinary character. 

The exhibition also provides an opportunity to view Cindy Sherman’s latest works for the first time in Scotland. Turning her attention to clowns, she examines costume and pretence in its most exaggerated and caricatural form.

Richard Calvocoressi, Director of the Scottish National Gallery of Modern Art, says: “We are delighted to be continuing our relationship with the Serpentine Gallery by bringing this exhibition to Scotland, and her first Scottish audience. Cindy Sherman is an outstanding contemporary artist.”

The landmark exhibition is being extended to include a specially produced display of Cindy Sherman’s work at Omni, Greenside Place, Edinburgh. Originally seen in London, the series of ten large billboards were commissioned collaboratively by the Serpentine Gallery and London Underground’s public art programme ‘Platform for Art’. The Billboard Commission comprises specially produced versions of Sherman’s works made between 1983 and 2002 and will be on view at Omni from 7 January to 7 March 2003. 

Cindy Sherman launches a series of exhibitions and displays at the Scottish National Gallery of Modern Art – throughout 2004-5, ‘A Year of American Art’ features work by some of the giants of postwar and contemporary American art, including Jasper Johns and Andy Warhol.

A fully illustrated catalogue will be available to accompany the show, published by the Serpentine Gallery and priced at £14.95. 

Belford Road, Edinburgh

Inside-Out Portrait Photographs at the Whitney Museum

Portraiture is the subject of the exhibition Inside-Out: Portrait Photographs from the Permanent Collection of the Whitney Museum of American Art from February 7 through May 23, 2004. All recently acquired by the Whitney, these photographs explore the intricate dynamics involved in the relationship between subject and artist, examining issues such as vanity, comfort, and intimacy. The works, by such artists as Chuck Close, Nan Goldin, Sally Mann, Nicholas Nixon, Irving Penn, and Stephen Shore, assert photography’s capacity both to register a subject’s physical characteristics and to suggest the complexity within the subject’s emotional and psychological interior life.
Several artists, including Dawoud Bey, Chan Chao, and Melissa Pinney photograph unknown subjects within their environments. By contrast, Chuck Close, Nan Goldin, and Nicholas Nixon portray friends, family, or people with whom they have cultivated a relationship. More formal portraits describe an activity or commemorate an occasion, as in Paul Shambroom’s image of city council members at work, or in Irving Penn’s portrait of five esteemed American artists – Chuck Close, Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland, and Robert Rauschenberg.
When a subject and a photographer come together and agree that a likeness will be made, a complex dynamic is set in motion,” said Sylvia Wolf, the Sondra Gilman Curator of Photography at the Whitney. “In the most compelling portraits there is often a collision of wills, an exposure of vulnerability, a seduction, or surrender. The public face that the sitter wants to show the world is tempered by something deeper. Multiple layers of experience are brought to the surface and the inside is turned out for us to see.”
Whitney Museum of American Art [Click the link for more information]

Celebrating Contemporary Craft - Arkansas Arts Center's Exhibition

Celebrating Contemporary Craft 
Arkansas Arts Center, Little Rock, AR
December 5, 2003 - February 22, 2004

CELEBRATING CONTEMPORARY CRAFT is an exhibition organized by the Arkansas Arts Center to recognize the contributions of Alan DuBois, curator of decorative arts, who will retire in June 2004. Alan DuBois has selected approximately 100 contemporary craft pieces from the Arkansas Arts Center Collection. Works were chosen for their high quality and importance to the collection. A broad range of media including glass, basketry, wood and ceramics is on view.

The Arkansas Arts Center began collecting contemporary craft in 1968 and now houses over 600 works. In 1989, Alan DuBois joined the Arkansas Arts Center and has been instrumental in achieving national recognition and in doubling the size of contemporary craft collection.
ALAN DUBOIS said, "We are beginning to see the fruits of the decision made by the Arkansas Arts Center Board of Trustees and Foundation Board to collect contemporary craft pieces. The works are shared in exhibitions around the country and the museum and its unique collections have a national reputation." 
Arkansas Arts Center

December 5, 2003

Heat Transfer Material For Inkjet Printing

Roland DGA Corporation today introduced a new material that makes it easy to print and transfer inkjet graphics directly onto T-shirts, hats, jackets, gym bags and other apparel. Heat Transfer Material is the latest addition to Roland's Piezo Certified Media lineup. The material has been carefully tested, profiled and certified to yield accurate and consistent print results with all Roland pigment, dye and solvent inks. This means that all Roland inkjets - including the new VersaCAMM and Pro II EX Series - can now print heat transfer graphics.
"Combined with Roland ink, Heat Transfer Material represents an easy and reliable solution for decorating a wide variety of cloth apparel," said Laura Wilson, Roland Product Manager. "Colors really pop on both light and dark colored cotton and cotton blends."
Roland designed Heat Transfer Material to be print and cut without reversing the image. Simply peel the print-cut graphic from the backer and lay it on the garment. Then, cover graphic with a Teflon pad or silica sheet and transfer it with a heat press at 325 degrees Fahrenheit.
Heat Transfer Material, available in late December, costs about $1.50 per square foot. It has a list price of $154.95 for a 24"x50' roll and $264.95 for a 42"x50' roll.
Roland Digital Group America

November 29, 2003

Jacques Tourneur Une rétrospective au Centre Pompidou

Rétrospectivre Jacques Tourneur 
Centre Pompidou, Beaubourg, Paris 
3 décembre 2003 - 29 janvier 2004

Du 3 décembre 2003 au 19 janvier 2004, les Cinémas du Centre Pompidou présentent, pour la première fois en France, la rétrospective intégrale des films de Jacques Tourneur (1904-1977). Cet hommage rendu au réalisateur de La Féline (1942), permettra au public de (re)découvrir ce cinéaste franco-américain polymorphe, à travers films noirs thrillers, westerns, films de cape et d’épée, en passant par de véritables chefs-d’œuvre du film fantastique. Le travail sur la lumière, la concision du découpage, la maîtrise du hors-champ, une mise en scène suggestive du mystère et de la peur, une vision désenchantée et parfois mélancolique de l’existence ont contribué à faire de Jacques Tourneur l’un des cinéastes les plus modernes de Hollywood.

Près de 60 films seront présentés : les premiers réalisés lors de son retour en France entre 1929 et 1935 (Tout ça ne vaut pas l’amour (1931) avec Jean Gabin), les courts métrages, quelques épisodes de séries télévisées, et bien entendu les classiques hollywoodiens : La Féline (1942), L’Homme-léopard (1943),  Vaudou (1943), La Griffe du passé (1947), Nightfall (1956), Rendez-vous avec la peur (1957). Ce film inédit en France (titre anglais : Night of the Demon), présenté en copie neuve, est projeté à cette occasion. 

Les Editions du Centre Pompidou accompagnent cette rétrospective de la publication du premier livre en français sur le cinéaste, Jacques Tourneur ou la magie de la suggestion, par Michael Henry Wilson, réalisateur et historien du cinéma. 


A Hollywood, Tourneur fut l’un des « contrebandiers », peut-être le premier, qui ont subverti le récit classique de l’intérieur. Un explorateur de l’autre côté, en quête des «passages» qui ouvrent sur      d’autres dimensions. Un poète attentif à l’inquiétante étrangeté de notre décor quotidien lorsqu’il révèle ses fractures. Un promeneur  extraordinairement solitaire, poursuivant à l’insu de tous, protégé par son humilité même, une expérimentation qui a transformé le cinéma en profondeur. 

Né et éduqué à Paris, MICHAEL HENRY WILSON est un Français de Californie. Cinéaste, historien du cinéma, collaborateur de la revue Positif depuis trente ans, il a publié, notamment, Le Cinéma expressionniste allemand, Voyage de Martin Scorsese à travers le cinéma américain et Raoul Walsh, la saga du continent perdu. Ses deux passions, le cinéma et l’histoire, se marient dans ses scénarios (Investigating Sex d’Alan Rudolph) et ses réalisations (A la recherche de Kundun). Après le Voyage à travers le cinéma américain, sa collaboration avec Scorsese se poursuit avec un documentaire sur le cinéma britannique.

Relié sous jaquette
192 pages format 23 x 27 cm
150 illustrations en bichromie
prix : 39,90 euros

Editions du Centre Pompidou 
Date de parution : 3 décembre 2003

Mise à jour 05-2011

November 28, 2003

Garry Sollars at Walker Art Gallery, Liverpool

Gary Sollars

Walker Art Gallery, Liverpool

27 November - 7 December 2003

An oil painting by Liverpool-based artist Gary Sollars, My partner, Philip Munro. Died 13.1.89. Aged 34, is on display at Walker Art Gallery since 27 November through 7 December 2003 to coincide with World Aids Week.

This moving memorial painting represents the moment of death of the artist`s partner of 13 years from an Aids-related illness. It was painted five years after Philip Munro`s death and so has a stillness that has been achieved through the passage of time.

Gary Sollars not only depicts his partner`s death but also his attendance at his bedside. To the left, the picture is dominated by two naked men trailing a red ribbon – the figures symbolic of their relationship. The painting also features flowers and the grieving faces of Philip`s sister and Gary`s mother. Gary Sollars says: "This is a painting that should be shared by anyone who has lost somebody – not necessarily through Aids."

Originally from Chester, GARY SOLLARS lived in London and Brighton before moving to Liverpool three years ago. He showed work at both Liverpool Biennials and has also exhibited twice at the National Portrait Gallery. As well as painting, he produces installation and video work. Gary Sollars is planning projects for next year`s Biennial and is looking for a venue for a one-man show.

Walker Art Gallery
William Brown Street
L3 8EL

November 7, 2003

Roland Colorip 2.0 RIP Software

Roland DGA Corporation today introduced Roland Colorip 2.0 - the latest and most powerful version of its RIP software bundled with VersaCAMM, EX and Pro II Series inkjets. "Roland Colorip 2.0 will boost inkjet productivity for both expert printmakers and beginners," said Patrick Chen, Roland product manager. "Right out of the box, it makes printing fast and easy with enhanced production features and color controls."
In a single dialog box, Roland Colorip 2.0 now integrates complex output settings such as device selection, ink type, connection, media and print mode. A Master Queue window displays RIP and Print jobs for all four print configurations, making it easier to track the status of multiple jobs.
For Roland customers who demand complete color control, Roland Colorip 2.0 features a Color Transforms window that integrates all color controls. The new graphical feature makes it easy to edit all pertinent ICC Profiles, linearizations and ink limits. Roland Colorip 2.0 also offers RIP & Print capability, enhanced color management, contour cutting and several unique layout options. In addition to Postscript jobs, the RIP lets graphics professionals print directly from TIFF, JPEG, EPS, PS, PDF 1.4 and DCS 2.0 files.
COLORIP 2.0 Features Easy-to-use interface Print directly from TIFF, JPEG, EPS, PS, PDF 1.4 and DCS 2.0 files. ICC profiles for Roland coated and uncoated medias Full Adobe Postscript 3 compatibility CMYK plus LcLm and OrGr printing support Simultaneous RIP-and-Print capability Supports precision contour cutting Automatic or manual cropping, nesting and tiling Robust color management features Spot color replacement to fine tune custom colors Unlimited color databases to organize custom colors Built-in out-of-gamut alert
COLORIP 2.0 is currently shipping will all VersaCAMM, EX and Pro II Series inkjets. Beginning in December, current owners will be able to upgrade to the new bundled software free of charge.
Roland Digital Group America

October 29, 2003

Camescope numérique JVC GR-D200

Camescope numérique JVC GR-D200

(c) JVC

Quand on découvre le nouveau caméscope numérique à large bande JVC GR-D200, on se dit qu'il est vraiment mignon avec sa petite taille et son design tout en rondeur. Puis, quand on le met en marche, on est tout aussi surpris par ses belles performances… 

Equipé d'un CCD 1,33 mégapixels, il enregistre des images d'une qualité exceptionnelle, aidé par son processeur large bande qui pousse au maximum les possibilités du format DV, avec une résolution horizontale de 540 lignes. Non content d'enregistrer de magnifiques images animées, il peut aussi se transformer en appareil photo numérique et capturer des images fixes en quatre dimensions au choix, avec une qualité tout aussi exceptionnelle (il multiplie par 1,5 la résolution verticale par rapport aux images fixes classiques). Pourvu des dernières innovations en matière de multimédia, le JVC GR-D200 possède une interface Haute vitesse USB, qui décuple encore ses possibilités. Via un ordinateur, il propose ainsi de créer ses propres CD vidéo au format MPEG1, de réaliser ses clips vidéo au format MPEG4 pour les envoyer ensuite par e-mail, ou encore de l'utiliser comme une webcam… Convivial et performant,il est également simple d'utilisation. Son fonctionnement "Power-Link" lui permet de s'allumer automatiquement, que ce soit en tirant le viseur ou en ouvrant l'écran. Et pour filmer de nuit, son flash automatique est secondé par la technologie "Digital NightScope" qui pousse la sensibilité lumineuse pour obtenir une image claire et en couleur même si la lumière ambiante est insuffisante.

JVC France :

October 11, 2003

Exposition Botticelli au Musée du Luxembourg, Paris


Botticelli, de Laurent le Magnifique à Savonarole

Musée du Luxembourg, Paris

1er octobre 2003 - 22 février 2004

Palais Strozzi, Florence, 10 mars - 11 juillet 2004


Dans le cadre des grandes manifestations qu'il consacre à la Renaissance italienne, le Sénat présente au Musée du Luxembourg après Raphaël, Grâce et Beauté, une importante exposition consacrée à Sandro Botticelli. Fruit d'un accord international entre le Musée du Luxembourg et la Surintendance spéciale des Musées florentins, cette exposition situe l'art de Botticelli dans le contexte politique de Florence à la fin du Quattrocento.

L'exposition réunit plus d'une vingtaine de peintures de Botticelli. Provenant de différents musées et collections privées, elles sont pour la première fois rassemblées et certaines sont montrées pour la première fois au public. Sont aussi exposés des dessins importants. Il s'agit pour l'essentiel de chef d'œuvres à destination privée, réalisés pour des familles et des personnages importants de la cour des Médicis et dont l'exposition montre qu'ils développent un propos en relation avec les événements de l'époque. L'exposition comprend également, à titre de comparaison, un petit ensemble de peintures et de dessins exécutés par d'autres protagonistes de la scène artistique florentine contemporaine : Léonard de Vinci, Piero di Cosimo et Filippino Lippi.

Le parcours de l'exposition se fonde sur les résultats des travaux historiques les plus récents pour proposer une relecture approfondie de l'œuvre et de la personnalité de Botticelli. Fruit d'une recherche formelle systématique et inspiré par des « stratégies figuratives » qui attribuent à l'image une fonction polyvalente, à la fois esthétique et symbolique, son langage artistique n'ignore jamais la destination des œuvres. Dans l'atmosphère particulière de Florence au cours des trente dernières années du siècle, alimentée d'abord par l'humanisme intellectuel médicéen avant d'être agitée par les inquiétudes suscitées par les prédications de Savonarole, Botticelli atteint des sommets de raffinement linéaire et chromatique, aussi bien dans les thèmes mythologiques et littéraires que dans la méditation douloureuse sur le thème chrétien.

Outre diverses versions de la Vierge à l'Enfant, sont présentées quelques Annonciations dont la tension dramatique et spirituelle est exemplaire de l'artiste. Sont également présentes des peintures narratives inspirées par la littérature romanesque ou hagiographique, quelques-unes des mythologies et des allégories les plus célèbres, comme la Calomnie, des oeuvres religieuses de la dernière période, les cercles de l'enfer de la Divine Comédie de Dante, ainsi qu'une tapisserie et une broderie exécutées sur des dessins de Botticelli et des panneaux décoratifs de coffres de mariage.

Né à Florence en 1445, Alessandro Filipepi aurait, selon la tradition, reçu sa première formation artistique chez un orfèvre appelé « Botticello », auquel il aurait dû son surnom. L'hypothèse n'est plus acceptée par la critique, mais on peut la rapporter à son frère Giovanni, dont un document de 1458 note qu'il pratiquait la profession d'orfèvre. Il est probable que Sandro ait fait un bref apprentissage dans l'atelier de son frère, dont il a hérité le surnom. Comme dans le cas de Pollaiolo et de Verrocchio, cette expérience d'orfèvre, même limitée, laissera une marque reconnaissable dans la linéarité rapide et nerveuse des premières oeuvres. Mais c'est à l'école du frère dominicain, et peintre affirmé, Filippo Lippi que Botticelli a reçu sa véritable formation artistique.

Sa première commande publique lui est confiée par le Tribunal de l'Arte della Mercanzia (Guilde des Marchands) en 1470 – date à laquelle le nom de Botticelli figure parmi ceux des maîtres d'atelier. Il s'agit d'un panneau (La Force, conservée aux Offices) qui devait compléter une série de représentations des sept Vertus théologales et cardinales (Foi, Espérance, Charité, Force, Justice, Prudence et Tempérance).

Entre 1481 et 1482, l'artiste séjourne à Rome, et, avec d'autres peintres florentins comme Cosimo Rosselli et Domenico Ghirlandaio, il travaille à la décoration des murs de la Chapelle Sixtine, construite entre 1475 et 1477 par le pape Sixte IV à l'image du Temple de Salomon. Tout de suite après cette expérience romaine, il réalise d'affilée quelques-unes de ses plus belles peintures de thèmes mythologiques et poétiques, toutes liées d'une manière ou d'une autre au mécénat médicéen : les quatre panneaux peints à la détrempe représentant la nouvelle de Boccace, Nastagio degli Onesti, le célèbre Printemps, Pallas et le Centaure et La Naissance de Vénus.

Un climat d'insécurité générale pèse sur Florence après le départ des Médicis, chassés de la ville en 1494, tandis que leurs adversaires accèdent au pouvoir et que les prédications de Savonarole minent les valeurs morales et la conception même de la vie auxquelles on avait cru. Dans cette phase tardive, à partir des années 1490, les peintures de Botticelli sont animées par des figures emportées par une tension spirituelle croissante, qui traduisent l'inquiétude de cette fin de siècle à Florence. Mais cette transformation est perçue comme une opposition à la modernité et aux développements formels apportés par Léonard de Vinci et Michel-Ange. Ce dernier le critique en particulier pour sa conception des utilisations de la perspective. Les diverses versions de la Pietà et de la Nativité reflètent cette ultime phase de tourment spirituel.

Botticelli meurt à Florence en 1510.

Commissaires de l'exposition :
Daniel Arasse, Directeur d'Etudes à l'EHESS, Paris.
Pierluigi De Vecchi, Professeur d'iconografie d'iconologie à la Facoltà di Lettere dell'Università degli Studi di Milano.

Un catalogue de 250 pages sera édité par Skira avec des reproductions en couleur de toutes les oeuvres de l'exposition.


Musée du Luxembourg
19, rue de Vaugirard
75006 Paris

Horaires de l'exposition
Vendredi, samedi, dimanche, lundi 11h - 22h30 (nocturnes)
Mardi, mercredi, jeudi 11 h - 19 h

October 5, 2003

Laura Owens at Milwaukee Art Museum

Laura Owens 
Milwaukee Art Museum
October 18, 2003 - January 18, 2004 

Los Angeles-based artist Laura Owens is one of the most highly regarded young painters working today. The exhibition Laura Owens, on view in the Milwaukee Art Museum's Vogel/Helfaer Contemporary Galleries is the first major monographic survey of the artist's work and traces her development from 1997 to the present. Incorporating a wide and imaginative range of subjects and techniques, her work moves with ease between high and low, personal and social, figuration and abstraction. The exhibition, Laura Owens' most significant presentation to date, features approximately 20 paintings and several drawings, including a group of new large-scale works created for this presentation. 

Laura Owens is part of an international movement of emerging painters who investigate the formal issues of the medium through a highly personal blend of abstract and representational imagery. Her work incorporates an eclectic range of visual references, including English embroidery, Chinese and Japanese landscape painting, European and American modernism, and her own photography. Her unique style moves from landscape to abstraction with energetic, thick brushstrokes, fanciful childlike doodles, whimsical collage and sophisticated fine line drawings. 

"Laura Owens is one of the most important painters to emerge in the past decade," said Margaret Andera, exhibition coordinator at MAM and associate curator. "We are happy to be able to have her work on view for Milwaukeeans and visitors to enjoy." 

The Milwaukee Art Museum's presentation of Laura Owens allows viewers to track the artist's development and to forge links between works that, in many cases, have never been shown together. Laura Owens is creating significant new, large-scale paintings for the exhibition. Among them is Untitled (2002), a spacious desert landscape comprised of washes of color, strange sponge effects, and cacti drawn in outline with paint squeezed from a tube. 

Laura Owens' paintings, which challenge traditional concepts of painting, are often grandly scaled. They envelop the viewer and incorporate the walls and floors of the room in which they were made or exhibited. Her practice takes the exhibition site into account and she frequently plays with the installation of works to enhance their meaning. Installed on one wall but spaced apart, her two-panel painting Untitled (1999) features monkeys who beckon to each other across the blank space between them. The viewer who stands between the two canvases ends up occupying the virtual space of the work of art. Another work, Untitled (2000) is one of a pair of works created for an installation at Inverleith House in Edinburgh; it was both inspired by and made to compete with the view from the gallery windows of the surrounding botanical garden. 

Laura Owens' work has been included in the most important surveys of new painting, including Examining Pictures (Whitechapel Art Gallery, London and Museum of Contemporary Art, Chicago, 1999), Painting at the End of the World (Walker Art Center, 2001), Painting on the Move (Kunstmuseum, Kunsthalle, and Museum für Gegenwartkunst, Basel, 2002), as well as the 1999-2000 Carnegie International and Drawing Now: Eight Propositions (The Museum of Modern Art, 2002-03). 

Born in 1970 in Euclid, Ohio, Laura Owens is a graduate of the Rhode Island School of Design, Providence; Skowhegan School of Painting and Sculpture, Maine; and the California Institute of Arts, Valencia. She currently lives and works in Los Angeles. Since her first solo show in 1995, Laura Owens has exhibited extensively and has enjoyed wide international exposure and substantial critical acclaim. Her works are in the collections of MOCA, the Centre Georges Pompidou in Paris, and the Guggenheim Museum in New York. 

The exhibition is organized by the Museum of Contemporary Art, Los Angeles and coordinated at MAM by Margaret Andera, associate curator. The exhibition is accompanied by a major catalogue, with essays by exhibition curator Paul Schimmel and art historian Thomas Lawson. Nationally, Laura Owens is made possible by the generous support of Mark S. Siegel, The Pasadena Art Alliance, Kathi and Gary Cypres, David Hockney and Betye Monell Burton. 

The exhibition comes to the Milwaukee Art Museum after its debut at MOCA and showing at the Aspen Art Museum (August 2 - September 28, 2003). After MAM, the exhibition travels to the Museum of Contemporary Art, North Miami (March 4 - May 9, 2004).

700 N. Art Museum Drive, Milwaukee, WI 53202

Updated 02.07.2019

September 23, 2003

Sanyo XACTI C1 Dual Shot Function

This is a cross-over product unites the digital camera and digital camcorder in a single device. Thanks to its ergonomic form, the stylish aluminum housing of Sanyo's latest ultra-compact fits your hand perfectly.

With 3.2 Megapixels, the XACTI can deliver colorful photos and entertaining movie clips with true VGA resolution. The proven SD card storage medium eliminates costly drive mechanisms. The result: A camera with a small and robust construction.

A true innovation: The digital data is stored in MPEG4 format. With a 512 MB storage card, the Digital Movie C1 can record 31 minutes of video in TV mode (640x480 resolution at 30 frames/sec.). Despite its limited storage space requirements, the MPEG4 standard delivers dazzling, high-resolution recordings – with rich 16-bit stereo sound at all times.

The data recorded in the MPEG4 format is transferred to a computer, television or DVD recorder using the supplied accessories: Either the Docking Station or USB/AV cable. Thanks to the ultra-fast USB 2.0 port, captured images and video can be transferred to computers or hi-fi units in no time at all. Because the MPEG4 format is already recognized and reproduced by numerous devices, the recorded films can be stored on other storage media directly – without time-consuming conversions to other file formats.

The "Dual Shot Function" is truly a world's first: Individual images can be taken in full 3.2 Megapixel resolution even while recording video.

Like all SANYO products, camera operation is simple and well-designed. All of the camera's functions are easily controlled with your right thumb. Thanks to the clear, ergonomic layout of the control options, users can focus completely on their subject. With the intuitive jog dial, users can "flip" through the entire menu quickly and comfortably.

The XACTI Digital Movie C1 is the ideal partner for discriminating users who want a high-quality camera with powerful digital camcorder functions. No matter whether you want to present something in your business or quickly record a family video, the ultra-compact housing and innovative features like MPEG4 recording, Dual Shot, and USB 2.0 interface will open up a new dimension in photography and video.

Standard Accessories

Docking Station for Charging and Data Transfer Lithium-ion Rechargeable Battery Soft Case Wrist Strap Lens Cover Comprehensive Software Package Remote Control USB Cable, AV Cable plus Adapter Power Adapter 128 MB SD Card

Price: EUR 699,- (SRP) incl. VAT -- Availability: End of November 2003

September 19, 2003

Le monde selon François Dubois au Musée des Beaux Arts de Lausanne

Le monde selon François Dubois
Musée des Beaux-Arts, Lausanne
19 septembre 2003 - 4 janvier 2004

L’exposition Le monde selon François Dubois, conçue par Ralf Beil, trouve son point de départ ainsi que son centre de gravité dans une des œuvres les plus célèbres de la collection lausannoise: Le Massacre de la Saint-Barthélemy, tableau d'histoire peint vers 1572-1584 par François Dubois. Les thèmes inhérents au tableau - religion, cruauté, mort et mémoire - seront déployés dans une présentation d’envergure, mêlant librement l'art de tous les siècles. Le monde selon François Dubois englobe les expressions artistiques les plus diverses, d’une statuette égyptienne d’Isis lactans à la World Map 2001 de l’artiste écossaise Louise Hopkins, en passant par des œuvres clefs de Matthias Stomer, Charles Gleyre, Ernest Biéler, Marcel Broodthaers, Christian Boltanski ou Ugo Rondinone.

Catalogue : A l’occasion de cette exposition paraît le 13ème numéro de la série des Cahiers du Musée des Beaux-Arts de Lausanne, catalogue publié sous la direction de Ralf Beil.

3 octobre à 19h, rencontre avec Luc et Christian Boltanski à propos de la parution d'A l'instant, ouvrage composé à quatre mains. En collaboration avec la Bibliothèque Cantonale et Universitaire de Lausanne.

20 novembre à 18h30, "L'imaginaire du massacre et la conscience moderne: autour de la Saint-Barthélemy", conférence par Biancamaria Fontana, professeur à l'Institut d'Etudes Politiques et Internationales de Lausanne.

La Nuit des Musées au musée des Beaux-Arts
Projections vidéo de la collection du Kunsthaus de Zurich
27 septembre 2003, 14h00-2h00

Après la présentation de sa propre collection d’art vidéo en 2001, puis celle du Centre pour l’Image Contemporaine de Saint-Gervais, Genève, en 2002, le Musée cantonal des Beaux-Arts invite cette année le Kunsthaus de Zurich qui joue un  rôle de premier plan dans la présentation et la conservation de l’art vidéo qu’il collectionne depuis 1979 et dont il possède aujourd’hui environ 600 oeuvres.

Conçue spécialement pour la Nuit des musées, la programmation dialogue avec les oeuvres de l’exposition Le monde selon François Dubois et répond aux thématiques évoquées dans les différentes salles du musée : la religion, la cruauté, la mort, et la mémoire. Des pionniers de l’art vidéo des années 1960 à la vidéo contemporaine, cette programmation offre un panorama d’artistes de renommée internationale et une sélection affinée de la production suisse : Vito Acconci, Emanuelle Antille, Michel Auder, John Baldessari, Stefan Banz, Biefer/Zgraggen, Christoph Büchel, Sophie Calle, Christoph Draeger, Dan Graham, Fabrice Gygi, Masuyama Hiroyouki, Alexej Koschkarow, Zilla Leutenegger, Christian Marclay, Bruce Nauman, Yves Netzhammer, Arnulf Rainer/Dieter Roth, Pipilotti Rist, Carolee Schneemann, Smith/Stewart.

Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne
Palais de Rumine
6, place de la Riponne
CH - 1000 Lausanne 17
ma-me,11h-18h / je, 11h-20h / ve-di, 11h-17h
les 24 et 31 décembre, 11h-17h
fermé le lundi du Jeûne, le 25 décembre 2003 et le 1er janvier 2004

September 12, 2003

John Margolies Seattle Art Museum

John Margolies Lecture at Seattle Art Museum (SAM) About the Evolution of the American Movie Theatre

JOHN MARGOLIES, an author and photographer who immortalizes American roadside culture and vernacular architecture, spoken on the evolution of the American movie theatre at the Seattle Art Museum.

Movie theatres, with giant awnings and larger-than-life marquis, once dominated Main Street. John Margolies discussed their beginnings as ramshackle storefronts that transformed into grandiose buildings that offered the magic and fantasy of film. The demise of these pleasure palaces became inevitable as the concept of Main Street withered away.

John Margolies is an author, photographer and lecturer fascinated by the dying culture of teapot-shaped gas stations and themed resort getaways. His images capture nearly extinct commercial architecture and designs that sprung up along Main Street and highways and paved a new landscape catering to the automobile culture. Roadside lodging, drive-ins, gas stations and miniature golf courses enticed drivers with kitschy designs and flashy lights.

He has traveled approximately 100,000 miles over the past 30 years while gathering his extensive collection of photos. His prolific body of work includes images of over 15,000 buildings, signs and other forms of commercial construction, which document the demise of the individualistic “mom and pop” tradition. He has authored 10 books, including See the USA (2000) Chronicle Books, which he co-authored with Eric Baker, and Fun Along the Road (1998) Bulfinch Press. He has also taught at the Universities of California at Los Angeles and Santa Barbara, the California Institute of the Arts and Pratt Institute.


Seattle Art Museum
On September 18, 2003

August 31, 2003

Camescope numérique JVC GR-DVL867EG

JVC GR-DVL867EG : Caméscope numérique "Large Bande"

(c) JVC

Avec sa haute qualité d'image et de son, sa convivialité et sa créativité de niveau professionnel, le JVC GR-DVL867EG va vous étonner par ses multiples possibilités... 

Il intègre un capteur CCD de 1,02 Mégapixels, un super processeur large bande à résolution de 530 lignes, un écran LCD couleur 8,9 cm et une fonction "Digital NightScope" qui utilise les vitesses d'obturation lentes pour filmer même dans les pires conditions d'éclairage. Avec le stabilisateur d'image et le son numérique PCM, les atouts sont réunis pour obtenir une image optimale. La fonction appareil photo numérique permet de réaliser des images de haute qualité (jusqu'à 1 280 x 960 pixels). 

Côté créativité, vous pouvez compter sur la précision du super zoom numérique x500 avec lissage par interpolation, utiliser les transitions de scènes numériques et puiser dans les nombreux effets spéciaux. Vous disposez d'un zoom numérique à la lecture et du montage par assemblage avec mémorisation de séquences. Et vous pouvez utiliser la nouvelle fonction clips vidéo au format MPEG4 pour envoyer vos créations via le courrier électronique. 

Doté d'une fonction Webcam, fourni avec de nombreux logiciels, le JVC GR-DVL867EG possède une carte mémoire MultiMédiaCard 8 Mo fournie d'origine, une interface haute vitesse USB, une entrée/sortie DV (i.Link). Et pour rendre son utilisation encore plus pratique, ce caméscope intègre une torche automatique, une télécommande multimarque, des connecteurs de sortie S-vidéo et A/V et peut être utilisé en mode longue durée pour enregistrer 120 mn sur une seule cassette. 

JVC France :

August 25, 2003

Appareil photo numérique JVC GC-A50

Appareil photo numérique JVC GC-A50 

(c) JVC

Avec le GC-A50, JVC devient incontournable sur le marché de la photo numérique. Ultra compact et très performant, ce produit fait non seulement office d'appareil photo numérique mais est aussi doté de la fonction webcam.

Le point fort de ce concentré de technologie ? On l'emmène partout avec soi. Grâce à son poids extrêmement léger (60g, batterie incluse) et son ergonomie unique (60 x 48 x 20 mm), on peut le glisser dans sa poche en toute discrétion ou le tenir dans le creux de sa main. Il est par ailleurs pourvu d'une esthétique très soignée, grâce à un habillage aluminium classique, et se veut très simple d'utilisation.

En mode photo, le GC-A50 propose deux résolutions de prises de vue : SXGA (1 280 x 1 024) et VGA (640 x 480), chacune en deux niveaux de compression Jpeg. De plus, les 8 Mo de mémoire interne suffisent à capturer vingt images en résolution maximale (et jusqu'à 140 images au total). De plus, le capteur permet de faire des petits fichiers vidéo de 2 minutes (avi : 160 x 120). Les cinq lentilles limitent les reflets parasites ; il en résulte une image très nette et lumineuse. 

En mode webcam, l'appareil fonctionne en 320 x 240 à 15 images par seconde ou en 640 x 480 à 3 images par seconde. Cette fonction permet de tenir des réunions à distance, pendant lesquelles les interlocuteurs peuvent se voir et se transmettre des images sur Internet. 

JVC France :

August 20, 2003

Alors la Chine ? Centre Pompidou - Expo d'artistes contemporains Chinois

Exposition d'art contemporain " Alors la Chine ? "
Centre Pompidou, Paris
25 juin - 13 octobre 2003

En 1989, le Centre Georges Pompidou expose pour la première fois trois artistes chinois, vivant encore en Chine, dans le cadre de l'exposition Les Magiciens de la Terre. En 2003, la Chine participe maintenant à de grands événements artistiques internationaux. L'ouverture du pays sur l'extérieur permet davantage de circulation de l'art contemporain. Et la France va fêter culturellement l'année de la Chine, dans le cadre de laquelle cette exposition s'inscrit. C'est la vitalité de la scène artistique chinoise dont souhaite rendre compte le Centre Pompidou dans l'exposition Alors la Chine ?

Quinze années ont passées depuis 1989 et ce ne sont plus trois mais plus de 50 artistes vivant en Chine dont des oeuvres sont présentées. Il faut dire que l'exposition présente différents champs de l'activité artistique : arts plastiques, architecture, cinéma et musique. Ce choix de la pluridisciplinarité, mais aussi de la diversité, ne peut que nous réjouir. En outre, les oeuvres sont récentes puisque la majorité d'entre elles datent des cinq dernières années.

Les arts plastiques constituent un large terrain d'expression des changements à l'oeuvre et du dynamisme dans la Chine de la fin du XXe siècle. L'exposition du Centre Pompidou en présente les différentes formes d'expression qu'il s'agisse de peinture à l'huile, à l'encre, d'installations, de sculptures, de performances, de photographies ou encore de vidéos. Ces dernières ayant connus un engouement certain de la part des artistes chinois, l'exposition en offre une large et très intéressante présentation. On doit à Michel Nuridsany d'avoir effectué le délicat travail de sélection des vidéos présentées à Paris. Ces vidéos sont les oeuvres de CUI Xiuwen, KAN Xuan, LI Yongbin, WANG Jianwei, YANG Fudong, YANG Zhenzhong, ZHANG Peili et ZHU Jia.

Voici la liste des autres artistes plasticiens chinois représentés dans cette exposition du centre Pompidou : BAI Yiluo, CHANG Yung Ho, Chen Lingyang, FANG Lijun , FENG Mengbo, GENG Jianyi , HE Jialin, HONG Lei , LIU Jianhua, LIU Xiaodong , LU Hao, LU Qing, MU Chen & SHAO Yinong, SHI Hui, SHI Jinsong, SONG Dong, WANG Guangyi, WENG Peijun (Weng Fen), XIAO Yu, XING Danwen, XU Tan, YAN Lei, YANG Maoyuan, ZHOU Tiehai & ZHAO Lin, ZHOU Chunya, ZHUANG Hui.

L'exposition présente en outre trois objets anciens provenant du Musée de Shanghai ainsi qu'une sélection d'objets d'art populaire provenant de la collection de François Dautresme

Commissariat de l'exposition
Commissaires généraux : Alfred Pacquement, directeur du Musée national d’art moderne, Centre Pompidou
Fan Di’an, vice-président de l’Académie centrale des beaux-arts de Pékin
Commissaires : Chantal Béret, conservateur au Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, assistée de Chao-Ling Kuo ; Laurent Le Bon, conservateur au Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle ; Alain Sayag, conservateur au Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle ; Marion Bertagna, commissaire associée ; Pi Li, commissaire associé, chercheur à l’Académie centrale des beaux-arts de Pékin.

Centre Georges Pompidou Galerie sud, niveau 1
25 juin - 13 octobre 2003

August 19, 2003

Compact numerique Ricoh Caplio G4wide

Avec le Caplio G4wide de 3,24 mégapixels, Ricoh entend se démarquer en matière d'objectif pour compact et en terme de vitesse de prise de vue
L'objectif à foyer réglable 3x du Caplio G4wide possède une capacité de focalisation de 28mm à 85mm (équivalent à un appareil 35mm). L'optique bénéficie de lentilles asphériques peu dispersives à réfraction élevée qui doivent lui permettre, selon Ricoh, de fonctionner au même niveau que les appareils 35mm traditionnels. Ce serait alors un pas non négligeable dans l'évolution des appareils compacts numériques.
Concernant la vitesse, avec une réaction de déclenchement de 0,14 secondes, il rivalise avec la vitesse d'un appareil 35mm traditionnel. Ricoh met en avant le fait que le temps de réaction du déclencheur du Caplio G4wide est le plus court au monde dans sa catégorie (données au 19 Août 2003 pour tous les appareils photo numériques à mise au point automatique avec un temps de réaction mesuré entre la pression du déclencheur et le début de l'exposition avec fonction de mise au point automatique sans utilisation de mise au point fixe). Le temps de mise en route est également court puisqu'il est seulement de 1,8 secondes. Le temps de réaction rapide de l'appareil doit ainsi permettre au photographe la saisie d'une image désirée avec un minimum de décalage.
Un bouton de réglage permet à l'utilisateur de régler facilement l'exposition, la balance de blancs et la sensibilité ISO sans enter dans le Menu. De plus, le logiciel d'imagerie accompagnant l'appareil facilite et accélère les transferts de photos instantanés entre le Caplio G4wide et les ordinateurs équipés d'un câble USB.
Pour alimenter l'appareil, les utilisateurs ont le choix entre un accumulateur lithium-ions à longue durée disponible en option, qui permet la prise de centaines de photos entre les charges, deux piles alcalines manganèse ou d'accumulateurs NiMH (petites piles rondes) pratiques ou un bloc d'alimentation raccordable à une prise.
Six modes scène pratiques sont disponibles : portrait, sports, paysage, nocturne, texte, et haute sensibilité. Avec ce dernier mode, l'écran éclaircit automatiquement les objets afin d'obtenir un meilleur cadrage de l'image dans des environnements sous-éclairés.
Caractéristiques principales
Ricoh - Communiqué de presse - 19.08.2008
Objectif à foyer réglable innovateur
Les objectifs à foyer réglable pour les appareils numériques ne sont bien sûr pas comparables à ceux des appareils 35mm traditionnels. La raison principale à ce fait est que les objectifs d'appareils numériques nécessitent plus de lumière périphérique. Ricoh a pu surmonter ce handicap avec un dispositif de huit éléments d'objectif réunis en trois groupes. Le premier groupe, le plus important pour la réalisation d'un objectif plus large, comprend trois lentilles, dont l'une est un ménisque asphérique fait de verre peu dispersif avec un indice de réfraction élevé.
Avec le Caplio G4wide, les utilisateurs n'ont plus besoin de sacrifier la fonction zoom pour bénéficier du confort d'un appareil numérique.
Retard de déclenchement le plus court au monde
La photographie d'action devient instantanée grâce au retard de déclenchement le plus court au monde de 0,14 secondes. Cette vitesse élimine efficacement le problème de lenteur de déclenchement que l'on peut trouver auprès de la grande majorité des appareils photo numériques actuels. Le Caplio G4wide atteint une telle vitesse grâce à son système de mise au point automatique hybride qui combine une mise au point externe et une mise au point par l'objectif. De l'incroyable 1/2000ème de seconde jusqu'à une exposition longue de 8 secondes, la vitesse de déclenchement offre à l'utilisateur une large gamme de possibilités de prises de vues.
1.8-secondes de mise en route
La lenteur des mises en routes frustrantes est à oublier pour les utilisateurs du Caplio G4wide. L'appareil photo est prêt à l'utilisation en seulement 1,8 secondes.
Bouton de réglage
Grâce à ce bouton, l'utilisateur peut régler l'exposition (+2 à –2), la balance des blancs ou la sensibilité ISO(125-800) sans entrer dans le Menu.
Des sources d'alimentation pratiques et de grande fiabilité
Avec l'utilisation de l'accumulateur lithium-ions optionnel, le Caplio G4wide peut assurer 4,300 prises de vue* entre les recharges de piles. Un bloc d'alimentation raccordable à une prise de courant proposé en option est disponible pour ceux qui désirent profiter de la proximité d'une prise de courant. L'appareil possède également la rare possibilité de passer à une alimentation par deux piles alcalines-manganèses ou accumulateurs nickel-méthalhydride.
*Un maximum de 4300 prises en mode d'économie de courant (flash désactivé, sans fonction zoom, LCD désactivé, avec VGA); jusqu'à 400 prises dans des conditions d'utilisation normales (avec utilisation du flash et de la fonction zoom à 50%, LCD activé, 30 secondes entre les prises, visualisation de toutes les photos).
Macrophotographie à une distance d' 1 cm ; télémacrophotographie à 4cm
Le Caplio G4 permet une macrophotographie à 1 cm de l'objet, Ce qui permet au photographe de saisir les moindres détails : des fleurs, la surface d'une pierre précieuse, jusqu'aux détails virtuellement invisibles à l'oeil nu.
Le photographe peut également mettre à profit la fonction télémacro, qui fournit le même agrandissement mais permet de déplacer la caméra de 4cm afin d'éviter que l'ombre de l'appareil ne se reporte sur la photo.
Six modes scène différents
Portrait, sports, paysage, nocturne, texte et haute sensibilité. Tous ces modes permettent d'optimiser les résultats de prises de vue dans des situations variées.
Mode rafale multi-shot
En Mode M-continuous, avec le déclencheur maintenu en position basse, l'appareil mémorise dans un fichier les 16 dernières photos, effectuées à 0,13 secondes d'intervalle. Ceci est relativement pratique pour les utilisateurs qui ne sont pas sûrs du déroulement d'un mouvement particulier dans le temps.
En mode S-continuous, il est possible de mémoriser une série de 16 photos – à 0,13 secondes d'intervalle, pour deux secondes de métrage – dans un fichier avec une simple pression du déclencheur. Lors de la visualisation des 16 prises, chaque prise de vue peut être agrandie individuellement et feuilletée rapidement en avant ou en arrière, créant ainsi une impression de séquence animée.
Tout ceci fait du Caplio G4 un outil utile et agréable pour analyser un mouvement de golf et d'autres séquences d'action. La fonction standard des images en série permet de réaliser des photos normales à des intervalles de 0,3 secondes en maintenant le déclencheur appuyé.
Options d'exposition pratiques
Un senseur de lumière à 256 endroits scanne le champ de l'objet afin de fixer les réglages pour une exposition optimale; les réglages d'exposition sont le poids central et la mesure sélective (spot); Dans les situations difficiles, des séries d'exposition peuvent être prises.
Des visualisations rapides en une touche
Avec la plupart des appareils photo, les utilisateurs doivent changer de mode s'ils désirent visualiser leurs photos. Avec le Caplio G4wide, les utilisateurs peuvent profiter de la fonction Quick review dans n'importe quel mode de photographie. Il leur suffit juste d'appuyer sur un bouton pour visualiser la photo la plus récente.
Visualisation haute sensibilité
Le mode haute sensibilité fournit une visibilité supérieure dans des environnements sombres, permettant le cadrage et la prise de photo avec des objets éclaircis.
Face aluminium
La partie frontale de l'appareil est revêtue d'aluminium pour une apparence et un toucher élégants et sophistiqués.
Mise en circuit synchronisée du moniteur
Avec ce mode, l'appareil conserve son alimentation tout en laissant le moniteur éteint avant de prendre la photo. Le moniteur se met en route lorsque l'on appuie sur le déclencheur pour prévisualiser une photo ou lorsque le zoom est activé, et il reste activé pendant plusieurs secondes après la prise de vue.
Compatible avec les cartes mémoire Secure Digital
Le Caplio G4wide possède 8Mo de mémoire interne et peut également utiliser des cartes mémoire SD optionnelles. Ces cartes de mémorisation exceptionnellement compactes n'ont pas besoin d'une alimentation en tension pour mémoriser des informations et permet des téléchargements de données d'image rapides et simples. L'appareil est également compatible avec des cartes Multimédia.
Des transferts d'images simples
Après avoir installé le logiciel RICOH GATE L sur un PC Windows ou un ordinateur Mac OS, il suffit à l'utilisateur d'éteindre l'appareil et de le relier via un câble USB. L'ordinateur commence alors instantanément à télécharger des fichiers à la vitesse impressionnante de 3 Mo par seconde. Les utilisateurs de Mac OS X peuvent importer des images avec iPhoto, tandis que pour les utilisateurs de Windows XP "Windows Image Acquisition" s'avère très utile.
Fonction enregistrement vidéo et audio
L'une des caractéristiques les plus attrayantes du Caplio G4wide est sa capacité d'enregistrement des films de 120 secondes, avec son, dans le format AVI. L'appareil peut également enregistrer des voix, et permet à l'utilisateur d'accompagner les photos déjà prises de commentaires parlés d'une durée de 8 secondes.
Mode automatique en série pour l'exposition et la balance des blancs
Dans des situations d'éclairage difficiles, comme un fantastique lever de soleil, le mode automatique en série pratique permet à l'utilisateur de prendre trois photos différentes les unes après les autres dans des expositions un peu différentes, en une fois. La même fonction peut être utilisée pour la balance des blancs en appliquant des nuances chaudes, normales et froides aux trois images séparées.
Photos (c) 2003 - Ricoh - Tous droits réservés

August 1, 2003

Transcend Boosts Data Transfer Rate of CompactFlash Cards to 45X

Version en français à venir
At the end of 2002, Transcend announced the availability of its Ultra Performance 30X CompactFlash memory cards. In August 2003, Transcend released the improved, Ultra Performance 45X CompactFlash memory cards in capacities of 128MB, 256MB, 512MB, 1GB and 2GB.
Data transfer at 1X represents a rate for flash memory of about 150KB/sec. Ultra Performance 45X therefore boosts data transfer to a maximum data transfer rate of about 6.8MB/sec. This increase in data transfer rate is extremely beneficial when using devices such as high-resolution digital still cameras. With the rapid growth in digital image resolution from 1 megapixel and 2 megapixel CCD/CMOS sensors to 4 megapixel or even 6 megapixel CCD/CMOS sensors, the data transfer rate of Flash memory becomes a critical factor. Testing of Transcend’s Ultra Performance 45X CompactFlash Card indicates that it achieves a read speed of up to 8 MB/sec and a write speed of up to 6.6MB/sec—3 to 4 times faster than a traditional CompactFlash Card. The Transcend Ultra Performance 45X CompactFlash card is the ideal companion for high-resolution digital cameras and other high-performance applications that require CompactFlash memory cards.
In addition, Transcend insists on using original SLC (Single-Level-Cell) NAND Flash chips for all of its CompactFlash cards (including 45X, 30X, 25X and normal speed). CompactFlash cards made with SLC chips have a higher write speed, lower power consumption, and superior durability compared with CompactFlash cards made with MLC (Multi-Level-Cell) chips.
  • Fully compatible with CompactFlash Association and PCMCIA card standards
  • True Plug and Play
  • Adoption of original SLC NAND flash chips
  • Low power consumption
  • Storage capacity up to 2GB
  • Single Power Supply: 5V ± 10% or 3.3V ± 10%
  • Recommended operating temperature: 0ºC (32°F) to 70ºC (158°F)
  • 5-year warranty
  • Capacity: 128MB, 256MB, 512MB, 1GB, and 2GB
Source: Transcend - Press Release - 01.08.2003

July 27, 2003

Rolling Sculptures The Art of Harley-Davidson at Milwaukee Art Museum

Rolling Sculptures: The Art of Harley-Davidson
Milwaukee Art Museum
August 1 - September 14, 2003

Rolling Sculptures: The Art of Harley-Davidson is the first museum-quality presentation to explore the timeless design and styling of America's most iconic motorcycles. Developed and curated by Harley-Davidson Motor Company as part of its official 100th Anniversary activities, with guidance from Willie G. Davidson, Harley's senior vice president of styling and grandson of one of the company's founders, the exhibition includes rare renderings, models and drawings that have never been seen before by the public. 

Often referred to as "rolling sculptures," Harley-Davidson motorcycles are recognized around the world for their stunning visual appeal. This exhibition explores the artistry that is the essence of the Milwaukee motorcycle maker's products, and features a number of important milestones in the company's rich design history. The milestones include the development of highly styled "factory customs" first introduced in the 1970s; the creation of tank designs, logos and other graphics; and the development of the new V-Rod line which adds a new dimension to the famous Harley-Davidson look. 

700 N. Art Museum Drive, Milwaukee, WI 53202

Updated 03.07.2019

July 13, 2003

Danny Lyon's "The Bikeriders": Pictures and Audio from the 1960s at Milwaukee Art Museum

Danny Lyon's "The Bikeriders": Pictures and Audio from the 1960s
Milwaukee Art Museum
Through September 14, 2003

Danny Lyon's "The Bikeriders": Pictures and Audio from the 1960s takes a new look at photojournalist Danny Lyon's seminal series The Bikeriders, which documented motorcycle club culture in the Midwest. Two special aspects of this exhibition are the inclusion of previously unreleased images from the original vintage negatives, and audio recordings of interviews Lyon conducted with racers and members of the Chicago and Milwaukee motorcycle club he knew when he was shooting the series. 

By including both audio and visual, Danny Lyon's "The Bikeriders" attempts to communicate the authentic and intimate relationship of the artist to his subject, and give visitors both a realistic and romantic window into the biker world of the 1960s. 

Danny Lyon (born 1942) is one of the most significant documentary photographers and filmmakers of the late twentieth century. His career began in the early 1960s when he photographed for the Student Nonviolent Coordinating Committee (SNCC) in their campaign for Civil Rights in the South. Other major projects include a series on Midwest motorcycle club members, inmates in Texas penitentiaries, demolition derby drivers, the destruction of Lower Manhattan through urban renewal, revolutions in Haiti and life in inner city Brooklyn. The exhibition is guest curated at MAM by Michael Davidson and Tom Kenney.

700 N. Art Museum Drive, Milwaukee, WI 53202

Updated 30.07.2019

July 5, 2003

Whitney Museum of American Art in New York City

The Whitney Museum of American Art is a leading advocate of 20th and 21st-century American art. Founded in 1930, the Museum is widely regarded as the preeminent collection of 20th-century American art and includes the entire artistic estate of Edward Hopper, the largest public collection of works by Alexander Calder, Louise Nevelson, and Lucas Samaras, as well as significant works by Arshile Gorky, Jasper Johns, Donald Judd, Agnes Martin, Bruce Nauman, Georgia O’Keeffe, Claes Oldenburg, Kiki Smith, and Andy Warhol, among other artists. With its history of exhibiting the most promising and influential American artists and provoking intense critical and public debate, the Whitney’s signature show, the Biennial, gauges the state of contemporary art in America today. First housed on West 8th Street, the Whitney relocated in 1954 to West 54th Street and in 1966 inaugurated its present home at 945 Madison Avenue, designed by Marcel Breuer. The Whitney is currently moving ahead with plans to build a second facility, designed by Renzo Piano, located in downtown New York at the entrance to the High Line in the Meatpacking District.

Current and Upcoming Exhibitions at the Whitney Museum of American Art: 
A Few Frames: Photography and the Contact Sheet > Through January 3, 2010
Georgia O’Keeffe: Abstraction > Through January 17, 2010
Roni Horn aka Roni Horn > Through January 24, 2010
Alice Guy Blaché: Cinema Pioneer > Through January 24, 2010
Omer Fast: Nostalgia > December 10, 2009 - February 14, 2010
2010 Biennial > February 25–May 30, 2010
Heat Waves in a Swamp: The Paintings of Charles Burchfield Opens June 24, 2010
The museum is located at 945 Madison Avenue, New York City. Museum hours are: Wednesday, Thursday, Saturday, and Sunday from 11 a.m. to 6 p.m., Friday from 1 p.m. to 9 p.m., closed Monday and Tuesday. For more information, visit

Updated: 22-12-2009

June 15, 2003

Hervé Heuzé, Landscapes: Recent paintings – Galerie Richard


Hervé Heuzé painted portraits for several years. One day, one of his collectors visited his studio and asked him to paint a… landscape. The artist thought about it and agreed with one condition: that no human figure be depicted. Hervé Heuzé began to reflect on today’s notion of landscapes. Would he  let himself be swallowed up by  the path  laid out by  the media and delve into the cityscapes of suburban public housing, so as to give a respectable “social” and “fashionable” veneer. ? To think thus, would be to not know Hervé Heuzé. 

Instead, we have majestic landscapes of mountaintops. At first glance, the white snow, the jutting boulders, the purity of a blue sky demonstrate striking realism. The space is enormous, and you sense how tiny human beings are in such a place, even when they aren’t present. It makes you think of the great American landscape artists, and you almost hear an echo of their epic inspiration. We say “almost” because Hervé Heuzé, like any viewer, is well aware  that  these are not virgin  territories. These massive peaks were conquered  long ago, and  they are  the daily domain of hikers, skier, amateur paragliders, and other mountaintop sports. And yet, in our imagination, these landscapes are still connected to the ideas of adventure and purity. These are the landscapes of our fantasies.

Gradually, the viewer gets an inkling that these are imaginary landscapes inspired by landscape photos of the Alps. Thus, these mountains are represented in a frontal view, like his portraits, without changing perspectives, centered between a view of the sky above and a view of the ground below. The daring way he paints the sky and the clouds is a testament to the pleasure the creator derives from painting. These paintings emit sensuality. The snow is depicted with such smoothness that it needs not envy Wayne Thiebaud’s paintings of pastries and scenes. These landscape paintings repeat the formal elements of his portraits: the solid figures in the sky and this lack of substance, the gentleness of the strokes, the brilliance of the colors, the neutrality of a “photograph”.

In the new most recent paintings Hervé Heuzé represent glaciers. A neutral blue sky and these chaotic forms which look abstract let people think of a computer generated painting which it is not. Hervé Heuzé makes reality as confusing as virttuality.

If David Hockney represents the paradigm of the American landscape by painting the Grand Canyon, Hervé Heuzé has used this series of Alpine landscapes to show us the fantastical archetype of the European landscape.

HERVE HEUZE, Landscapes
Paysages. Peintures récentes
June 14 - August 30, 2003

Galerie Jean-Luc & Takako Richard
51-53, rue Saint-Louis en l’Ile  
75004 PARIS


Previous exhibitions at this gallery of contemporary art

Paul Henry RAMIREZ, Elevatious Transcendsualistic, April 26 - June 7, 2003

YEK, Glare, March 8 - April 23, 2003

Risa SATO, Risa Campaign, February 1 - February 26, 2003


Next exhibitions at this gallery

Carl FUDGE, September 6 - October 14, 2003

Adam ROSS, The City at Night Dreaming of Itself, October 18 - November 18, 2003

Stefan HOENERLOH, Cities made in Magrathea, November 22, 2003 - January 13, 2004

Olaf RAUH, Playgrounds, January 17 - February 17, 2004

Beverly FISHMAN, Ecstasy, February 21 - April 6, 2004


June 13, 2003

Biographie de Léonard de Vinci par Serge Bramly

Livres sur l’art > Biographie


Serge Bramly, Léonard de Vinci. Biographie, JC Lattès, 2003


JC Lattès réédite le livre de Serge Bramly publié en 1995 sur Léonard de Vinci. Ce livre a en effet connu un beau succès et à été largement traduit. Serge Bramly nous offre ici une biographie qui nous permet de mieux comprendre l'oeuvre de Léonard de Vinci mais aussi le contexte dans lequel il la réalisa. Dessinateur visionnaire, peintre et sculpteur, Léonard de Vinci cotoyait d'autres figures centrales de l'art de son époque tel que Botticelli ou Michel Ange. Serge Bramly nous éclaire là aussi sur les relations qu'entretenaient entre eux ces personnages qui aujourd'hui encore ne cessent de susciter l'admiration, avec la part de mystère qui les entoure. L'écriture de Serge Bramly, sa façon de d'aborder les hommes, les événements et les situations, le cadre historique, offre un éclairage très agréable à lire et très enrichissant.

  © Courtesy Jean-Claude Lattès


Serge Bramly
Léonard de Vinci. Biographie
Jean-Claude Lattès

mai 2003
488 pages - 240 x 155 mm
ISBN : 9782709616416
24,5 euros

June 7, 2003

Untitled video by Aïda Ruilova at CCS Bard, NY


Untitled by Aïda Ruilova

The Center for Curatorial Studies at Bard College, New York
June 30 - September 7, 2003

Aïda Ruilova's new video, Untitled, will be featured in its East coast premiere after an initial showing in the master's degree exhibition The Lengths, curated by Center graduate student Kelly Taxter, on view at the Museum from April 13 to 27, 2003.

Ruilova created Untitled during her residency at ArtPace in Texas and this is a recent acquisition by the Marieluise Hessel Collection on permanent loan to the Center for Curatorial Studies.

Ruilova creates short videos that exploit cinematic collage and editing that exploit cinematic collage and editing techniques to evoke psychological tensions. Focusing on the relationships among sound, image, and duration, she interlaces her strong interest in music with a gothic aesthetic inspired, in part, by camp and B-movie horror and vampire flicks of the 1970s.

Ruilova studied at the University of South Florida and the School of Visual Arts, New York. Her work has recently been shown at the Impakt film festival in Utrecht, The Netherlands; the New Museum and P.S. 1 in New York City; and the Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent, Belgium. She is also a member of the alternative music group Alva, which has released two CDs.

Other summer exhibitions at CCS:

Theory and Observation: New Work by Slater Bradley

Sodium Dreams, curated by Elizabeth Fisher

May 15, 2003

Allen Hirsch at Monique Goldstrom Gallery, New York

Allen Hirsch - Selected Works from 1993-2003
Monique Goldstrom Gallery, New York
May 17 - June 10, 2003

Monique Goldstrom Gallery presents the portrait, figure and landscape painting of Allen Hirsch.

Allen Hirsch has found his own unique means of expression through representational painting by combining his interests in optics, neuropsychology, and classical European art.

Hirsch's intense dedication on his work over the past 30 years has spanned several careers:

His interest in the enigma of surface and depth in painting resulted in his invention of "string painting" in the late 1990's. Specks of paint on an array of nylon strings suspended over a plain ground use the contructive abilities of our eyes and brain to recreate an image that appears to float within. This illustrates his idea of painting as "the translation of the seen back into the unseen."

His explorations with the self-portrait, which number in the thousands, reveal new connections between art and science. He has documented how personality is expressed through each side of the face, and how the brain projects it's own lateralization through the artist's hand.

As a portrait artist, Allen Hirsch was a favorite cover artist for TIME magazine. His portraits of Gaddafi, Khomeni, Gandhi, himself and others graced the covers during the mid-1980's and early 90's. He also painted the inaugural portrait of President Bill Clinton for the National Portrait Gallery in Washington in 1993.

As a landscape painter, he has painted the streets of New York for 20 years for which he earned a landscape award from the National Academy of Design museum in 1998. His interest in landscape painting as with portraiture is in capturing a psychological space illuminated inside the canvas. This show will include works from New York and Venezuela.

Allen Hirsch was born in Los Angeles, California in 1959. He studied art extensively in London, Florence, Syracuse and New York. His work has been exhibited at the National Portrait Gallery, the White House, Sindin Gallery (NYC), Society of Illustrators, National Academy Museum, Ron Hall Gallery (Dallas), Quick Art Museum (NY), Louis Stern Fine Arts (Los Angeles), Allan Stone galleries (NYC) Indiana University Art Museum, and American Art (Carmel, CA).

Monique Goldstrom Gallery
560 Broadway (at Prince St.), Suite 303, NYC 10012

May 1, 2003

Larry Clark, punk Picasso Photographs at Luhring Augustine


Luhring Augustine presents punk Picasso, a major new work by Larry Clark.

This installation consists of photographs, collages and other material collected and produced by the artist over the course of his entire life. These objects are also the original material that make up the pages of the much anticipated book, punk Picasso, due to be released this summer.

The autobiographical material in punk Picasso collectively documents both the personal story, and the artistic projects undertaken by Larry Clark. Unique photographs, letters and stories both from Clark’s art and film career graphically depict the life of one of the most controversial and highly influential figures in contemporary culture. This exhibition will include approximately 250 framed, mixed media collages, photographs, and objects that represent a significant portion of Clark’s oeuvre, and vividly illustrate his uncompromising aesthetic.

Best known for his haunting portrayal of teen subculture in his photography books, Tulsa and Teenage Lust, Larry Clark continues to be a significant figure in contemporary art and film. His work is included in important museum collections in the United States, Europe and Asia, including the Whitney Museum, MOCA LA, and the Frankfurt Museum für Moderne Kunst. Clark's groundbreaking first feature film, Kids, was released in 1995 to critical acclaim. Clark’s fifth feature film Ken Park is due to be released in theaters in June 2003.


Published by AKA Editions, the autobiographical, artist book, punk Picasso is due to be released in July. punk Picasso will be produced in a limited edition of 1000, with 10 boxed special editions that will include a unique photograph, a soundtrack, and other original items with the book. For more information, please contact Roth/Horowitz at (212) 717-9067.




May 10 – June 28, 2003


Luhring Augustine

531 West 24th Street

New York, NY 10011


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Larry Clark, Los Angeles 2003 – 2006 at Simon Lee Gallery

Larry Clark, Tulsa and Teenage Lust at Simon Lee Gallery

April 7, 2003

Caisson etanche EWC-1 pour les Casio EXILIM

Aucune limite à l'aventure pour les appareils photo numériques CASIO : Le caisson étanche EWC-1 protège efficacement la famille EXILIM de l'eau, la poussière et la saleté
Que vous soyez à la plage, en train de nager, de plonger avec tuba ou en train de photographier dans une foret tropicale, la famille CASIO EXILIM est parfaitement protégée du sable, de l'eau et des embruns grâce à son nouveau caisson étanche EWC-1. Les appareils photo numériques CASIO EXILIM EX-S1, EX-M1, EX-S2 et EX-M2 sont idéalement protégés dans leur étui polycarbonate, assurant des photos parfaites pour chaque situation : vacances, aventure ou environnement professionnel quotidien.
Malgré ses dimensions compactes de 112,5 mm x 65,5 mm x 23 mm (L x H x P)* cet accessoire est capable de résister à la pression de l'eau jusqu'à 3 mètres de profondeur et protège efficacement l'EXILIM de toute intrusion. L'appareil photo numérique EXILIM s'ajuste facilement dans le caisson étanche EWC-1 et peut être utilisé depuis l'extérieur via des boutons de commande en caoutchouc. Même le flash intégré n'est géné en fonctionnement sous-marin. Pour repérer plus facilement le caisson et son EXILIM, l'encadrement de l'optique et le système de fermeture sont en jaune fluorescent.
Ce caisson étanche compact et léger - 76 g**- est fourni avec un étui de transport, du silicone et une solution anti-condensation.
* sans projections
** Poids sans appareil ni accessoires.

April 1, 2003

L'aventure de Pont-Aven et Gauguin, Paris, Quimper, Naples

L'aventure de Pont-Aven et Gauguin
Musée du Luxembourg, Paris
2 avril - 22 juin 2003
Musée des Beaux-Arts de Quimper
12 juillet - 30 septembre 2003
Museo di Capodimonte, Naples
16 octobre 2003 - 8 janvier 2004

L'aventure de Pont-Aven et Gauguin
© Musée du Luxembourg, Paris

Le Sénat présente une exposition consacrée à l'aventure de Pont-Aven et à ses peintres, au premier rang desquels figure Paul Gauguin. Le nom du petit village breton de Pont-Aven est aujourd'hui connu dans le monde entier pour avoir accueilli la plus étonnante colonie artistique en Europe dans la seconde moitié du XIXe siècle. À partir des années 1860, des peintres, souvent anglo-saxons, fréquentent ce site pittoresque, tout autant à la recherche de motifs à peindre que d'exotisme. La Bretagne suscite à cette époque un extraordinaire engouement auprès des artistes. La mode de Pont-Aven sera telle qu'à l'arrivée de Gauguin en 1886, près d'une centaine de peintres y séjournent à la belle saison, se répartissant entre de modestes auberges qui font crédit et des hôtels plus luxueux.

Au retour du Danemark, en proie aux plus grandes difficultés, Paul Gauguin se rend en juillet 1886 à Pont-Aven. Il connaît le village de réputation et sait qu'on peut y vivre à crédit. Il se lie avec quelques peintres sur place comme Charles Laval ou Henri Delavallée. Sa peinture est alors impressionniste. Après un nouvel échec à Panama et à la Martinique, il y revient au début de 1888. Il commence alors à apprécier la Bretagne et écrit à son ami Émile Schuffenecker début mars : « J'aime la Bretagne, j'y trouve le sauvage, le primitif. Quand mes sabots résonnent sur ce sol de granit, j'entends le ton sourd, mat et puissant que je cherche en peinture ».

Durant cet été 1888, en compagnie du jeune Émile Bernard, Gauguin met au point une technique appelée « synthétisme ». Il tente de ne plus dissocier un contenu traité de manière symboliste et son expression formelle. Les œuvres, peintes de mémoire, sont construites comme un assemblage de couleurs pures posées en aplat et entourées de cernes. La composition rompt avec les principes traditionnels, basés sur les limites du cadre et les conventions de la perspective. Le groupe s'élargit progressivement, avec des peintres comme Henry Moret et Ernest Chamaillard.

Le synthétisme, que l'on considère comme la première étape de la naissance de l'art moderne, va séduire immédiatement la jeune génération, en particulier Paul Sérusier, qui reçoit une magistrale leçon à Pont-Aven. La naissance du groupe des Nabis en sera la première conséquence et, dans ce groupe, Lacombe et Denis seront directement influencés par la nouvelle esthétique.

Gauguin reviendra en 1889 et 1890 pour de longs séjours. Fuyant la foule de Pont-Aven, il va s'isoler au bord de la mer, dans le village du Pouldu. Avec Meyer De Haan, il décore la salle à manger de l'auberge de Marie Henry où ils se sont installés. Henry Moret s'est établi à proximité.

On appelle « Ecole de Pont-Aven » l'ensemble des peintres qui ont rencontré Gauguin à Pont-Aven et ont été plus ou moins influencés par lui. Les premiers compagnons se retrouvent à la table de l'auberge Gloanec. Par la suite, des peintres viennent spécialement en Bretagne pour le voir. Durant sa longue absence de 1891-1893, --le premier séjour à Tahiti--, des peintres recueillent l'héritage de la bouche de ceux qui sont restés sur place, Charles Filiger ou Paul Sérusier. Certains peintres ne font que passer, le temps d'un été, d'autres s'établissent à demeure. Le groupe s'élargit, comprenant des peintres d'origines diverses comme l'Irlandais Roderic O'Conor, le Polonais Wladyslaw Slewinski, le Suisse Cuno Amiet, les Danois Mogens Ballin et Jean-Ferdinand Willumsen ou le Hollandais Jan Verkade. Certains sont des paysagistes comme Maxime Maufra, d'autres, mystiques, peignent des scènes religieuses comme Charles Filiger. Armand Seguin et Rodéric O'Conor se lancent dans la gravure.

Gauguin revient en 1894 pour tenter de récupérer ses œuvres laissées en gage, mais ce dernier séjour se passe très mal et il quitte définitivement la Bretagne. Après son départ pour l'Océanie en 1895, quelques peintres vont retourner à un impressionnisme plus assagi, d'autres vont poursuivre leur recherche. Paul Sérusier, Émile Jourdan et Charles Filiger seront en Bretagne les derniers membres du groupe que bon nombre de jeunes artistes rencontreront afin de recueillir des témoignages sur cette extraordinaire épopée.

Cette exposition, organisée par le Sénat dans le cadre des Célébrations du centenaire de la mort de Paul Gauguin (1848-1903), est la plus importante jamais réalisée en France sur ce thème. Elle rassemble 70 peintures, 25 dessins, 20 estampes et 8 sculptures, objets ou meubles, provenant d'importants musées et collections privées de douze pays (The Metropolitan Museum of Art New York, Museum of Art, Indianapolis, Phoenix Art Museum, USA, Musée d'Orsay, Paris, Musée du Prieuré Maurice Denis, Saint Germain en Laye , Musée des Beaux Arts de Quimper, Musée de la Chartreuse de Douai, Museo de Bellas Artes Buenos Aires, Argentine, Musée des Arts d'Afrique et d'Océanie, Paris, Musée Léon-Dierx, Saint Denis Réunion, Fondation Rau, Zurich, Musée des Beaux Arts de Rennes, Willumsen Museum, Frederikssund, Danemark, ...).

Commissaire de l'exposition :
André Cariou, conservateur en Chef du musée des Beaux-Arts de Quimper

Musée du Luxembourg
19 rue de Vaugirard, 75006 Paris

Musée des Beaux-arts de Quimper
40 place Saint-Corentin, 29000 Quimper