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Art Exhibitions, Art Fairs, Visual Arts, Photography, Graphic Arts, Design, Video Art, Architecture, Films, Photo / Imaging Equipments, Publications


January 24, 2016

Vidya Gastaldon @ Galerie Art : Concept, Paris

Vidya Gastaldon, Hello From the Other Side
Galerie Art : Concept, Paris 
12 février - 12 mars 2016

Vidya Gastaldon
Vidya GASTALDON
Healing Painting (First Human), 2015 
Huile sur peinture à l’huile d’occasion, 40 x 29 cm
Courtesy de l’artiste et Art : Concept, Paris

Connue pour ses inspirations multiples et variées, Vidya Gastaldon puise cette fois-ci dans le répertoire de la pop musique pour donner le ton de sa nouvelle exposition personnelle intitulée Hello From the Other Side.

Référence assumée au dernier tube de la célèbre auteure-compositrice Adèle, sans nul doute, introspection nostalgique ou règlement de compte sentimental, certainement pas. Les questionnements de la plasticienne franco-suisse ne relèvent que très peu du champ autobiographique. Le titre colle pourtant à merveille tant son oeuvre semble tout droit venue d’un ailleurs, d’un autre monde, depuis lequel elle nous appelle et nous attire. Peintures à l’huile et sculptures de laine nous invitent ainsi à ce voyage vers un au-delà visionnaire, parfois inquiétant mais jamais morbide.

L’artiste poursuit sa série de peintures à l’huile Healing Painting initiée en 2013. Recouvrant presque intégralement – et sans soucis de la limite imposée par le cadre – des toiles d’occasion dénichées aux puces ou chez Emmaüs, l’artiste leur donne un nouveau souffle sans pour autant annihiler leur existence antérieure. Profondément marquée par les courants de pensée non-dualistes de l’Inde, Vidya Gastaldon rend perceptible en peinture une sorte de processus de réincarnation ou de transmigration des âmes, par le pigment. Sans le moindre dogmatisme, elle opère au contraire une forme de distanciation face aux différents systèmes de croyances. De nouvelles figures anthropomorphiques et monstrueuses viennent repeupler la toile, invitant le spectateur, à l’image de la Bergère et du Ramoneur de Paul Grimault ou encore des tableaux vivants de J. K. Rowling, à passer de l’autre côté. Ces « peintures-êtres », habitées ou hantées par ce qu’elles ont été – l’artiste confie d’ailleurs sa difficulté à les considérer comme siennes – abolissent radicalement la frontière entre celui qui regarde et l’objet de son regard.

Vidya Gastaldon
Vidya GASTALDON
Healing Painting (Acapulco hierba), 2015
Huile sur peinture à l’huile d’occasion, 58 x 48 cm 
Courtesy de l’artiste et Art : Concept, Paris

Converties à ce même mysticisme, les suspensions constituées de laine tricotée sur de fines baguettes de bois créent des couloirs ou tunnels mystérieux en lévitation dans l’espace. Toujours autour du tétraèdre, Vidya Gastaldon adopte pour Le long chariot Mixcoatl une figure moins géométrique et plus ornementée qui s’inspire d’organismes bioluminescents vivants dans les profondeurs océanes privées de la photosynthèse. Cependant la référence au monde sous-marin n’offre qu’une lecture partielle de l’oeuvre. Comme souvent chez Vidya Gastaldon, il faut s’en référer au champ mythologique. L’organisme bioluminescent cède alors sa place au « serpent de nuage », traduction littérale du terme « mixcoatl » désignant une divinité aztèque. Mais au-delà d’une mythologie précisément identifiée – ce serpent pouvant tout aussi bien évoquer les dragons processionnels du Nouvel An chinois – ces formes sont surtout des supports de voyages psychiques universels.

Ouvrant sur une invitation légère et décalée, Vidya Gastaldon parvient avec brio et non sans humour à nous convaincre de la rejoindre de cet autre côté. Et dans cette traversée spirituelle, l’artiste fait preuve d’une grande audace formelle comme conceptuelle. En mêlant une pluralité de références, de la pop musique ou l’histoire de l’art comme point de départ à la mythologie aztèque, en passant par les enseignements métaphysiques de l’Inde ou d’ailleurs, elle échappe à tout cloisonnement esthétique, théorique voire idéologique.

Julia Mossé

Galerie Art: Concept, Paris
www.galerieartconcept.com

January 22, 2016

Constance Nouvel @ Galerie In Situ, Paris

Constance Nouvel, Premier Radiant
Galerie In Situ Fabienne Leclerc, Paris
23 janvier - 27 février 2016

Constance Nouvel présente sa première exposition personnelle à la Galerie In Situ. Dans le cadre de Premier Radiant, l’artiste approfondit ses expériences consistant à faire émerger les dimensions conceptuelles, plastiques et imaginaires de la photographie. 

Dans sa pratique, Constance Nouvel explore des strates de réalités, les fragmente et les recompose. L’instant décisif est détourné au profit d’un surgissement progressif de l’image photographiée. Point par point, les éléments qui composent l’acte photographique sont repensés dans un langage expérimental. 

Premier Radiant ouvre un angle supplémentaire dans sa recherche dans la relation entre la photographie et l’espace. Si la sculpture lui a permis un temps de distancer l’image de son cadre classique, elle revient à la surface des murs, démultipliant ainsi les possibles jeux de fusion entre la perception du réel et sa matière photographique.

Les oeuvres sont uniques, comme pour ramener le spectateur à une expérience. Par le prisme du façonnage d’objets à proprement parler, l’objectivité photographique est déjouée. Il ne s’agit plus de reproduction mais bien de re-présentation. 

Née en 1985, CONSTANCE NOUVEL vit et travaille à Paris. Elle développe depuis 2010 un ensemble d’oeuvres qui prend pour point de départ l’analyse critique des caractéristiques de la photographie : comprendre pourquoi et en quoi le processus photographique n’est pas uniquement la reproduction d’un réel, mais aussi l’image d’une réalité tangible, ouvrant aux complexités de la représentation. Ses réflexions se déploient dans un langage plastique et formel ouvert à l’interdisciplinarité des médiums, et aboutissent à la notion d’objets photographiques. Les questions de format, d’échelle et de support sont au coeur de son travail et dialoguent dans un glissement permanent entre espace réel et espace suggéré.

Diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, Constance Nouvel a participé à plusieurs expositions collectives, notamment au Centre photographique d’Ile-de-France, et réalisé sa première exposition personnelle au Centre d’Art de Photographie de Lectoure en 2013. Lauréate du Prix Yishu8, elle a dernièrement exposé à Yishu8-Maison des Arts à Pékin. Elle enseigne la photographie à L’Ecole des Beaux-arts de Lorraine-Metz Métropole depuis 2013.

Galerie In Situ Fabienne Leclerc
19 rue Michel Le Comte - 75003 Paris

January 21, 2016

Kimber Smith @ Galerie Jean Fournier, Paris

Kimber Smith, oeuvres sur papier, 1957-1975
Galerie Jean Fournier, Paris
21 janvier - 5 mars 2016

La galerie Jean Fournier présente une exposition personnelle de KIMBER SMITH au travers d’une vingtaine de dessins sélectionnés en collaboration avec l’artiste américain Joe Fyfe.

Kimber Smith est de ces artistes « pour artistes », une figure à la marge telle que les affectionnait Jean Fournier, marchand d’art à Paris de 1956 à 2006. Kimber Smith fut le compagnon de route de Shirley Jaffe ou encore de Sam Francis parmi les artistes américains vivant à Paris durant les années cinquante. La galerie Jean Fournier sera l’un des lieux incontournables pour la peinture américaine en France où ces artistes se retrouvaient. En 2016, dix ans après la disparition de Jean Fournier, la galerie organise la première exposition personnelle de Kimber Smith à la galerie puisqu’aucune ne sera organisée de son vivant. Les deux hommes se sont effectivement rencontrés en 1958. Jean Fournier était alors directeur de la galerie Kléber, et présentera le travail de Kimber Smith dans des expositions collectives jusque dans les années 1990.

L’exposition présente une vingtaine d’œuvres sur papier réalisées entre 1957 et 1975 qui rendent compte des différentes périodes et étapes de son œuvre graphique et pictural. Il se dégage de ces œuvres un sentiment de liberté formelle et gestuelle, une rapidité d’exécution et de composition. Kimber Smith utilise un lexique condensé de formes simples comme des losanges, des cercles, des lignes en zigzag, des rectangles disposées sur la feuille avec une apparente simplicité. Il en est de même pour les couleurs, juste sorties du tube de peinture et l’utilisation d’une palette limitée. Cette rapidité, cette efficacité du geste, est parfois accentuée par l’utilisation de techniques « ordinaires », comme le marqueur ou la peinture à la bombe.

L’œuvre de Kimber Smith se singularise par une attention particulière portée à la composition par la combinaison d’éléments aux factures et  traitements différents. La signature de l’œuvre « K S » en constitue un élément important. Souvent disproportionnée, réalisée au crayon, elle est parfois placée au milieu du dessin. Elle semble constituer un élément essentiel à la composition, direct et très expressif, mais au statut ambigu : est-ce une signature fonctionnelle ? Est- ce un signe  formel ?

Dans l’œuvre de Kimber Smith, tout est question de fragilité et d’équilibre. Tant influencé par Le Tintoret, Fra Angelico ou Cimabue que par des éléments de son quotidien tels l’un de ses fils jouant au piano ou une cathédrale visitée lors d’un été en Bretagne, ces œuvres témoignent de ce dialogue entre réalité et imaginaire, entre souvenirs et interprétations.

A l'occasion de l'exposition, publication d'un catalogue avec des textes de Joe Fyfe, Eric Suchère ainsi qu’une biographie détaillée.

Galerie Jean Fournier
22, rue du Bac - 75007 Paris - France

January 20, 2016

La Corée à Art Paris Art Fair 2016

Art Paris Art Fair 2016 - Focus sur le pays invité d'honneur : La Corée
Grand Palais, Paris
31 mars - 3 avril 2016

Confiée à la commissaire d’expositions Sang-A Chun, cette invitation souligne la richesse de la scène artistique du « pays du matin calme », depuis l’émergence d’un art contemporain spécifique dans les années 1960 jusqu’à l’effervescence actuelle avec près de 70 artistes représentés par un ensemble de galeries coréennes venues de Séoul, Daigu et Paju-Si et une vingtaine d’enseignes occidentales.

On retrouve aussi bien la génération des tous premiers modernistes comme Ungno Lee, figure historique qui a su bâtir une œuvre novatrice au carrefour des traditions orientales et occidentales à qui la Galerie Thessa Herold consacre une exposition personnelle, que les maîtres de l’art abstrait liés à la mouvance de Dansaekhwa, cet art mystérieux et poétique du monochrome coréen dont les ambassadeurs les plus connus seront présents comme Lee Ufan, Myeong-Ro Youn représentés par la Galerie Gana Art.

Les figures contemporaines établies comme Moon-Pil Shim (Galerie Lahumière et Shilla Gallery), Lee Bae (Galerie RX), Kwang Young Chun (Sundaram Tagore Gallery, Omer Tiroche Contemporary Art) ou Boomoon (Flowers Gallery) sont présentes. La génération émergente sera également honorée avec les installations de Kiwon Park (313 Art Project) et de Yun Soo Kim (Soso Gallery), les sculptures oniriques de myeongbeom Kim (Galerie Paris-Beijing) ou encore le travail graphique de Min Jung-Yeon (Galerie Maria Lund).

A l’occasion des célébrations de l’année France-Corée, la scène coréenne investit la capitale française pendant Art Paris Art Fair et s’expose dans de grands lieux parisiens. A l’initiative de la IBU Gallery et en collaboration avec les galeries RX et Hakgojae, l’artiste Chung Hyun présente « L’homme debout », un ensemble de sculptures monumentales exposées dans le Jardin du Palais Royal. Par ailleurs, le musée Cernuschi expose sa collection d’art coréen contemporain constituée à partir des années 1980 ainsi que des jeunes talents prometteurs. Le Centre culturel Coréen consacre une exposition au peintre Oh Se-Yeol.

Galery SoSo (Paju-Si)
La Galerie SoSo présente à Art Paris Art Fair, les oeuvres des artistes Kim In Kyum, Kim Yun Soo, Kim Eull.

In Kyum Kim
In Kyum Kim
Space-Less, 2015
Courtesy Galery SoSo, Paju-Si 

Gallery Simon (Séoul)
A l'occasion d'Art Paris Art Fair, la galerie présente le travail de 7 artistes coréens : Airan Kang; Noh, Sang-Kyoon; Moon Beom; Bae Hyung Kyung; Shin il Kim; Joohyun Kim and Hae Sun Hwang reconnus internationalement.

Joohyum Kim
Joohyum Kim
Extra Dimension, 2015
Courtesy Gallery Simon, Séoul 

Park Ryu Sook Gallery (Séoul)
La Galerie Park Ryu Sook présente le travail de Kim Joon et Jeong Hwa Choi

Kim Joon
Kim Joon
Somebody-018, 2015
Courtesy Park Ryu Sook Gallery, Séoul 

GANA ART (Séoul)
Pour l'édition 2016, d'Art Paris Art Fair, Gana Art présente des maitres de l'abstraction : Su-Fan Oh, and Se-Ok Suh, Yung-Nam Park, Myeung-Ro Youn. La Galerie expose également le travail des artistes émergents : Yi Hwan-Kwon, Shan Hur and Jung-Jin Lee.

Myeung-Ro Youn
Myeung-Ro Youn
Winter into Spring MXIV-1014, 2014
Courtesy Gana Art, Séoul

313 Art Project (Séoul)
La galerie 313 Art Project expose les artistes : Seonghi Bahk, Sooyoung Kwak, Wen Lee, Kiwon Park pour cette édition d'Art Paris Art Fair 2016.

Kiwon Park
Kiwon Park
Width 137, 2015
Courtesy 313 Art Project, Séoul 

ART PARIS ART FAIR 2016
www.artparis.com

January 16, 2016

Brassaï @ Higher Pictures, NYC

Brassaï, Language of the Wall: The Tapestries, 1968
Higher Pictures, NYC
Through March 5, 2016




Higher Pictures presents Language of the Wall: The Tapestries, 1968 presenting together for the first time
Graffiti I and Nocturne, two of the earliest of seven known tapestries created by BRASSAI. The tapestries, both made in 1968 by the renowned Atelier Yvette Cauquil-Prince, were woven from Brassaï’s collages of his own Graffiti photographs and are exhibited here alongside a selection of gelatin silver prints from the well-known series.

Brassaï began taking photographs of graffiti he saw on walls throughout Paris in the early 1930s and first published a suite of them in a 1933 issue of the surrealist magazine Minotaure (no. 3 – 4), writing there that graffiti had “toppled all the painstakingly devised canons of our aesthetic.” Brassaï wrote about the spontaneous, untrained scrawls and carvings of the graffitists as eternal and formative gestures, imagining children discovering and recreating the human face by gouging two eyeholes into stone or sharing naïve expressions of love through carved hearts and roughly inscribed initials. Though this language would later inspire Jean Dubuffet to make a direct connection between Brassaï’s project and Art Brut, a term Dubuffet coined in the late 1940s to describe what we now call outsider art, Brassaï never aligned himself with the movement.

In 1956, the Museum of Modern Art in New York mounted the exhibition Language of the Wall: Parisian Graffiti Photographed by Brassaï, featuring over 100 prints from the series selected by Edward Steichen and organized by the artist into visual categories, including: faces; love; war; birds and beasts; wizards and phantoms; and the sign of death. In the exhibition’s press release, Steichen establishes graffiti as “chiefly valuable for the light they throw on the everyday life of the ‘man in the street’ of the period, and for the intimate details of customs and institutions of people in a particular time and place.” It was following MoMA’s exhibition and the subsequent publication of Graffiti de Brassaï in 1961 that Brassaï and Yvette Cauquil-Prince—a master weaver who had already worked with Pablo Picasso and would collaborate with Marc Chagall, Max Ernst, Joan Miró, Wassily Kandinsky, Paul Klee and Alexander Calder—first discussed translating his photographs into textiles. The process of making Graffiti I and Nocturne would have begun with Brassaï making a collage of prints (each tapestry here comprises more than twenty photographs) that was then used to create a full-scale template, called a cartoon. Placed under or behind the loom, the cartoon provided the weaver with a blueprint for the final piece.

Graffiti I (1968) was Brassaï and Cauquil-Prince’s first tapestry. Measuring nearly 5 feet tall and 10 feet wide, it features what Brassaï called the “bird-woman” (the gelatin silver print is also on view here) in the center of the composition and twinned in miniature in the upper left corner. She is surrounded primarily by images of lovers’ hearts, though a skull and other glyphs appear, all rendered in the grays, browns, and blacks of Paris’ walls. Nocturne, 4 1⁄2 feet tall and 9 feet wide, was completed the same year. The eponymous evening light is captured in vibrant blues and violets; once again, though now facing in the opposite direction, the bird-woman anchors the composition in the center and reappears in the upper left corner. A number of the same hearts from Graffiti I appear around her, joined by a curvilinear female silhouette and a crossbones motif topped with a broadly smiling face in the place of a skull. The Graffiti project charts Brassaï’s transposition of drawing into photograph, and then both into tapestry, ultimately, in the artist’s own words, returning to the wall what he took from it.

Brassaï was born Gyula Halász in Brassó, Transylvania in 1899. In 1924, after studying painting at the Academy of Fine Arts in Budapest and the Academy of Fine Arts at Charlottenburg in Berlin, he moved to Paris where he began working as a journalist and, eventually, a photographer. He took the pseudonym of his hometown in 1932 and the next year published his first photobook, the landmark Paris de Nuit. Widely considered one of the most important artists of the interwar period, Brassaï worked actively through the late 1960s; he died in Beaulieu-sur-Mer, France in 1984. His work has since been the subject of several major retrospectives, including Brassaï at the Centre Pompidou, Paris and Hayward Gallery, London in 2000 and Brassaï: The Eye of Paris at the Museum of Fine Arts, Houston; J. Paul Getty Museum, Los Angeles; and the National Gallery of Art, Washington DC in 1998.

HIGHER PICTURES
980 Madison Avenue, New York, NY

Milène Guermont @ Musée de Minéralogie MINES ParisTech, Paris

Milène Guermont, Les Cristaux
Musée de Minéralogie MINES ParisTech, Paris
19 janvier - 19 mars 2016

MILENE GUERMONT
Simulation de CRISTAL A
Béton Polysensoriel
© Milène Guermont

Le musée de minéralogie, lieu singulier aux décors datant du XIXe siècle et donnant sur le jardin du Luxembourg, possède l'une des plus grandes collections au monde de minéraux. Aujourd'hui, il ose être la scène d'un dialogue inédit entre ses collections et les œuvres en béton de Milène Guermont. 

Une trentaine d'œuvres, par des connexions historiques, des parallèles scientifiques, des rapprochements formels ou des affinités poétiques dialoguent avec les minéraux et croisent ainsi le sensible et le rationnel.

Milène Guermont occupe une place originale au croisement de l'art et de l'innovation. Ses œuvres polysensorielles pèsent jusqu'à plusieurs tonnes comme PHARES installée sur la Place de la Concorde. 

Les sculptures en béton, matériau privilégié par l'artiste qui en a inventé des formules, gardent imprimé sur leurs surfaces tourmentées ou lisses, sombres ou colorées, l'ensemble du cheminement de leur création. S'intéressant à la notion de fulgurance et à la création d'unicités tout en étant attentive aux états transitoires, Milène Guermont poursuit en atelier ou dans le contexte urbain un corps à corps avec la matière faisant naître de l'informel des formes qui se configurent dans le processus et trouvent au final leurs éqiibres et signification.

MILENE GUERMONT
Détail de PIED CARRE 
Béton Cratères gris 
© Milène Guermont

Les pièces exposées parlent de formations géologiques, de phénomènes naturels, d'une histoire de notre planète, d'ASTRES, de NUAGES SAUVAGES, de MIRAGES, de CONTREPEAUX. Tout un système d'analogies se développe qui nous invite à rapprocher par la perception le construit et la nature.

De grands sculpteurs de la modernité ont exploité les possibilités du béton pour susciter de nouvelles relations avec l'environnement. Milène Guermont fait résonner ce matériau au plus profond de notre intériorité et l'inscrit dans le cycle du vivant. Cette expérience sensorielle ne se cantonne pas à l'oeil. Elle sollicite également, simultanément ou unilatéralement, le toucher et l'audition grâce à un dispositif numérique inséré dans son épaisseur.

Milène Guermont mène une relation exigeante avec le béton, qu'elle soumet à des régimes d'extrême minceur ou à des superpositions légères, des mélanges, des transparences. La matière inerte devient conductrice de « transports » mémoriels, sensoriels; selon l'artiste « elle stimule un basculement dans l'espace et dans le temps » reliant la matière minérale à notre vie propre. Quatre notions sont convoquées : les références, la matière, la transparence, la réminiscence. La plupart des œuvres font référence à une expérience vécue par l'artiste (sensation liée au lieu, aux mots, à une odeur, un son…). Cette réminiscence est à l'origine d'un acte qui transforme la matière via un artefact. La mémoire se réactive à chaque situation de co-présence par détection du champ magnétique.

Ainsi cette exposition nous questionne sur nos modalités d'interactions innées ou construites, instinctives ou culturelles.

Les œuvres de Milène Guermont entretiennent une relation forte avec l'urbain. L'artiste le prouve une fois de plus avec PHARES combinaison monumentale de triangles isocèles d'aluminium qui forment une pyramide tronquée de 29 m. Campée depuis novembre place de la Concorde, cette architecture de fine résille aérienne dialogue avec l'Obélisque en soulignant le pyramidion au faîte du monument égyptien. En touchant l'œuvre on la fait briller au rythme de son pouls.

L’artiste a choisi les mêmes formes pures pour créer CRISTAL A. Cette œuvre placée au cœur de l'exposition exemplifie son intérêt pour le processus de cristallisation du minéral, sa transformation lente en support de désir et de transfert.

Les œuvres, installées dans la collection prestigieuse du musée où les pierres s'érigent en métaphores de l'énergie et du temps nécessaires à la formation de la lithosphère, sont de consistances et de formats différents.

Le fil conducteur de cette exposition offre plusieurs lectures du concept de cristallisation depuis le phénomène scientifique jusqu’à la fixation amoureuse idéalisée par Stendhal.

 Anne-Marie Morice, commissaire de l’exposition

Exposition proposée par Synesthésie (Fabrique de cuture art & numérique) : 

Site internet de Milène Guermont : www.mileneguermont.com

Musée de Minéralogie, MINES ParisTech 
Hôtel de Vendôme, 60 bd Saint-Michel, 75006 Paris (RER B Luxembourg)
www.musee.mines-paristech.fr

January 13, 2016

Tatsuo Miyajima @ Art Basel Hong Kong 2016

Tatsuo Miyajima, Time Waterfall
Art Basel Hong Kong 2016
March 21 - 26, 2016

Internationally acclaimed Japanese artist Tatsuo Miyajima will present a new large-scale public light installation during Art Basel Hong Kong 2016 (March 24 - 26). Each night from March 21 to 26 ‘Time Waterfall’ will be shown across the entire façade of Hong Kong’s iconic 490 meter high International Commerce Centre (ICC) on the Kowloon harbor front.

‘Time Waterfall’ is a new work by the artist which aims to convey the eternal luminance of human life, expressing an ethos of ‘living in the present’. The work will comprise the natural numbers one to nine, which will cascade down the face of the ICC, while never reaching zero. The continuous counting down symbolizes life, while the zero implied by the extinction of light acts as a metaphor for death. Each digit will be of different sizes, and each will cascade at its own speed, creating a number of layers that each represents a trajectory of individual lives.

This work continues the artist’s signature use of light-emitting diode (LED) counters to demonstrate his three fundamental concepts – ‘Keep Changing’; ‘Connect with Everything’; and ‘Continue Forever’. The absence of zero in his works refers to the Buddhist concept of ‘Sunya’, which symbolizes the void or non-existence. The use of numbers, as abstract and conceptual symbols, becomes Miyajima’s universal language, allowing his work to be appreciated and adapted internationally.

The work will be visible from numerous locations across Hong Kong, including the Hong Kong Convention and Exhibition Centre. Recommended locations for public viewing are Tamar Park, Sun Yat Sen Memorial Park and the terrace on Podium 3 and 4 of the IFC Mall.

Tatsuo Miyajima (b. 1957) lives and works in Ibaraki, Japan. He is known for his light works using LED counters that flash in incessant cycles between one and nine without ever reaching zero. Miyajima has held solo exhibitions internationally, including ‘Tatsuo Miyajima – KU’ at Lisson Gallery, Milan, Italy (2014); ‘Tatsuo Miyajima: LIFE I-Model’ at SCAI THE BATHHOUSE, Tokyo, Japan (2012); ‘House Lives with Time’ in Seoul, South Korea (2012); ‘ASHES TO ASHES, DUST TO DUST’ at The Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (2011), amongst others. He has also presented works in numerous international biennales including the 43rd Venice Biennale (1988) and 48th Venice Biennale (1999). His works are placed in the permanent collection of museums such as the Museum of Modern Art, New York; the San Francisco Museum of Modern Art; Tate Modern, London; the Museum of Contemporary Art Chicago and Kunstmuseum Bern. In 2012, Miyajima was appointed Vice President of Kyoto University of Art and Design, and has been serving as Vice President of Tohoku University of Art and Design since 2006. The artist is represented by Lisson Gallery, Buchmann Galerie, and SCAI THE BATHHOUSE.

‘Time Waterfall’ is co-commissioned by Art Basel and the International Commerce Centre in Hong Kong. 

January 10, 2016

Caméscope Handycam 4K Sony FDR-AX53

Caméscope Handycam 4K Sony FDR-AX53


Sony FDR-AX53

Le Sony FDR-AX53 possède un nouveau capteur CMOS Exmor R offrant des films 4K extrêmement détaillés et des pixels environ 1,6x plus grands [i]. Le FDR-AX53 bénéficie ainsi d’un niveau de sensibilité bien plus important que son prédécesseur et autorise des prises impressionnantes avec une définition remarquable même en condition de basse lumière.

Le FDR-AX53 est équipé d’un objectif ZEISS récemment mis au point pouvant aller jusqu’au grand angle (26,8 mm). Son acuité est remarquable et permet d’enregistrer la scène avec précision de la plus courte à la plus longue focale. Cet objectif offre par ailleurs un important zoom optique 20x associé au Clear Image Zoom 30x (4K)/ 40x (FHD) pour des gros plans d’exception.

Avec ses lentilles Advanced Aspherical (AA) et Extra-low Dispersion (ED), les aberrations chromatiques sont sensiblement réduites pour que l’objectif puisse reproduire des couleurs précises et les vidéos affichent des tonalités réalistes. Le revêtement constitué du film multicouche ZEISS T* réduit les reflets indésirables comme les images fantôme ou les facteurs de flare ; il permet d’obtenir des images plus nettes et claires même lors des tournages en extérieur par temps clair.

Le FDR-AX53 est le premier caméscope à proposer la version améliorée du système propriétaire de stabilisation Balance Optical SteadyShot (BOSS) de Sony ; la stabilisation de l’image sur 5 axes permet d’obtenir des vidéos sans flou lors des prises à main levée et son nouveau Intelligent Active Mode [iv] garantit même la netteté des vidéos prises en courant. L’incroyable système de stabilisation de l’image autorise des séquences vidéo fluides et nettes quel que soit l’angle, même si vous bougez ou zoomez au maximum du téléobjectif (zoom optique 20x) à la recherche de gros plans. Le nouveau Intelligent Active Mode va encore plus loin autorisant des séquences HD incroyablement définies même en courant.

Le FDR-AX53 enregistre en 4K avec un taux particulièrement élevé de 100 Mbps grâce au format [iv] XAVC S permettant d’emplir chaque image de détails étonnants en 4K : rien de tel pour revivre intensément tous les événements, de la vague furieuse aux confettis colorés.

Ce caméscope intègre également une version récemment revisitée de l’algorithme de mise au point automatique, Fast Intelligent, déjà présent sur l’α7S II de Sony. Il optimise la communication entre l’objectif et le processeur pour atteindre des vitesses jusqu’à près de 40% [ii] plus rapides que celles des modèles précédents et permet de prévoir plus précisément les déplacements du sujet.

Une qualité audio remarquable

Le nouveau micro du FDR-AX53 collecte les sons dans cinq directions et les capture par conséquent au plus près de la réalité afin de recréer des ambiances authentiques. Mais la nouvelle structure du micro a aussi permis de réduire le niveau de bruit d’environ 40% [ii] et de doubler la performance stéréo par rapport aux précédents modèlesii. Il est désormais possible de profiter d’une bande son claire dans un plus grand nombre d’environnements. Le micro 5.1 enregistre un son de qualité en stéréo sur (2 canaux) en XAVC S 4K/HD et en surround 5.1 en AVCHD. Par ailleurs, la fonction My Voice Canceling atténue le son de la voix de l’utilisateur lors de l’enregistrement.

Enregistrement Full HD à 100 ips pour des ralentis réussis [v]

Véritable première pour la gamme Handycam, le FDR-AX53 peut enregistrer à 100 ips en Full HD ; il est dès lors possible de monter les séquences vidéo de façon à générer des ralentis à couper le souffle avec le logiciel PC gratuit, PlayMemories Home, pour ajouter une dimension créative inédite.

Ce modèle présente également de nombreuses fonctionnalités inspirées des équipements professionnels pour plus de souplesse lors des tournages : une bague pour les réglages manuels, un bouton que l’on peut assigner à différentes fonctions comme le zoom, la mise au point, l’exposition ou le viseur électronique (EVF). L’utilisateur pourra ainsi composer ses scènes facilement même sous le soleil des vacances. Pour un meilleur contrôle au moment du montage, les vidéastes experts seront heureux de trouver les options Time Code et User Bit.

Pour profiter des séquences vidéo chez soi, le contenu 4K peut être affiché sur des téléviseurs compatibles au moyen du câble HDMI fourni mais aussi sur des écrans HD grâce à une conversion descendante automatique des images en Full HD. Pour réussir de beaux recadrages, ce caméscope vous permet de retailler les images 4K de certaines trames vidéo, en élargissant ou rognant [vi] une partie de celles-ci afin d’obtenir, par exemple, des fonds d’écrans en qualité Full HD.

[i] Comparés aux FDR-AXP33/FDR-AX33

[ii] Zoom optique 20x, Clear Image Zoom 30x (4K)/ 40x (Full FHD)

[iii] Seulement pour l’enregistrement en HD

[iv] L’enregistrement XAVC S 4K 100Mbits/s nécessite une carte mémoire SDXC/SDHC UHS-I U3 au minimum ; les enregistrements XAVCS 4K 60Mbits/s et XAVCS HD 50Mbits/s nécessitent quant à eux une carte mémoire SDXC/SDHC Classe 10 au minimum.

[v] Disponible avec PlayMemories Home. Pour la création de films en accéléré (Time-Lapse), il est nécessaire de posséder au minimum la version 5.1(Windows)/3.1(Mac), dont la sortie est prévue en janvier 2016.

[vi] Taille minimum de découpage 1920 x 1080

Disponible mi-mars 2016 - Prix estimé d’environ 1000€

Rose Wylie @ Turner Contemporary, Margate, Kent

Rose Wylie
Turner Contemporary, Margate, Kent
12 January - 31 March 2016

Rose Wylie
Rose Wylie 
Pink Table Cloth (Close-up) (Film Notes), 2013. 
Oil on Canvas 207 x 330 cm. 
Image courtesy of the artist and UNION Gallery, London.

To open 2016 in Turner Contemporary’s ground floor Sunley Gallery, the world-class gallery is showing a group of paintings and works on paper by celebrated Kent-based artist Rose Wylie.

Wylie’s bold, large-scale figurative paintings draw on ancient and folk art, such as Mexican street art and contemporary Egyptian Hajj painting, as well as art history and film. Their deliberate awkwardness, closer to the unselfconscious art of children, includes a collage-like approach in which mistakes are simply covered up with patches of cut-up canvas or paper.

This display, the first time the Sunley gallery has been used for painting, includes seven large-scale paintings, which can be viewed at balcony and ground floor level, as well as eight works on paper.

The inspiration for Wylie’s paintings often comes from a particular sight or visual moment that strikes her with a “special quality” that she tries to capture through her own language of painting. The Manufacturers, for example, originated from a newspaper photograph of a public apology by toy company Mattel, whose particular symmetry and formality reminded Wylie of Spanish 16th century still-life painting.

Rose Wylie
Rose Wylie 
Theatre Painting (Black Spots), 2015. 
Oil on Canvas 183 x 322 cm. 
Image courtesy of the artist and UNION Gallery, London.

The display also includes four works from Film Notes, a series of paintings inspired by remembered images from contemporary films. An avid and discerning film fan, her recent paintings and drawings have paid homage to directors as diverse as François Ozon, Werner Herzog, Claudia Llosa and Quentin Tarantino. Drawn to theatricality and fascinated by costume, Wylie responds to the dramatic and surreal image of a secret meeting in the desert from the film Syriana in Pink Tablecloth (Close Up) and Pink Tablecloth (Long Shot). In Bagdad Café (Film Notes) Wylie uses text to focus attention on the ‘white frock’ which is her equivalent to actor Marianne Sägebrecht’s iconic brown pleated suit and hat in the film.

Rose Wylie
Rose Wylie was born in Kent, where she still lives and works. She studied at Folkestone and Dover School of Art (1952-6) and the Royal College of Art, London (1979-81) and now, in her early eighties, is enjoying renewed interest in her work in the UK and internationally with recent exhibitions at the Jerwood, Hastings (2012) and Tate Britain (BP Spotlight, 2013), as well as winning the prestigious John Moores painting prize in 2014. In 2010, Wylie was described by Germaine Greer as ‘Britain’s hottest new artist’.

Turner Contemporary 
Rendezvous, Margate, CT9 1HG
www.turnercontemporary.org

January 3, 2016

Daniel Buren, Bozar Palais des Beaux-Arts, Bruxelles

Daniel Buren. Une Fresque
BOZAR Palais des Beaux-Arts, Bruxelles
19 février - 22 mai 2016

Daniel Buren, artiste français de renommée internationale est connu pour ses interventions in situ, caractérisées par la présence d’un motif récurrent constitué d’une alternance de bandes blanches et colorées. Le caractère spécifique et la nature souvent éphémère des travaux de Daniel Buren (80% de ses oeuvres n’existent plus !) rendent impossible l’idée d’une rétrospective classique de son oeuvre.

Avec cette exposition intitulée Une Fresque, Daniel Buren propose une réponse originale à cette problématique. Cette exposition est conçue comme une traversée visuelle et temporelle au cours de laquelle Daniel Buren instaure un dialogue entre son travail et des oeuvres choisies de plus de 70 artistes du XXe et XXIe siècle. Ces artistes qui ont marqué son propre parcours artistique, de Paul Cézanne, Fernand Léger à Pablo Picasso, en passant par Jackson Pollock, Sol LeWitt jusqu'à Pierre Huyghe et bien d’autres.

En outre, une oeuvre spécifique, sous la forme d’un film réalisé par l’artiste, proposera un vaste panorama de ses travaux des années ’60 à nos jours, et plus particulièrement de ses interventions éphémères. Cette véritable ‘fresque’ aux multiples écrans sera constituée d’images d’archives, d’extraits de films, de commentaires et d’interviews…

En marge du circuit d’exposition, Daniel Buren va réaliser une intervention dans le Hall Horta en relation avec l’architecture du Palais des Beaux-Arts.

Daniel Buren a conçu et imaginé Une Fresque spécifiquement pour les espaces du Palais des Beaux- Arts, en collaboration avec le commissaire Joël Benzakin. Cette exposition se veut une étape incontournable dans le parcours récent de Daniel Buren.

DANIEL BUREN : COURTE BIOGRAPHIE

Daniel Buren (né en 1938, Boulogne- Billancourt) est l’un des artistes contemporains les plus connus et influents de sa génération. Depuis la fin des années 1960, cet artiste français jouit d’une renommée internationale grâce à ses interventions in situ. Ses oeuvres sont toujours liées à un lieu ou une situation spécifiques, qu’il s’agisse d’institutions artistiques, de lieux privés ou d’espaces publics. Si la majeure partie de ses interventions sont éphémères, Daniel Buren a également à son actif des oeuvres permanentes, conservées dans des collections publiques et privées les plus prestigieuses. L’une des plus célèbres étant Les Deux Plateaux (1986), une gigantesque installation de 3000 m² dans la cour d’honneur du Palais-Royal, à Paris. Il a ainsi investi, entre autres, le Centre Georges Pompidou en 2002, le Guggenheim de New York en 2005, et plus récemment, la nef du Grand Palais lors de Monumenta 2012.

Daniel Buren compte à son actif plus de 2600 expositions dans le monde entier. Buren a participé à plusieurs reprises à la Documenta de Kassel et à la Biennale de Venise (où il a remporté de Lion d’or en 1986). En 2007, il a reçu le Praemium Imperiale, décerné par l’empereur du Japon – une distinction considérée comme le prix Nobel des arts visuels.

Depuis 1967, Daniel Buren utilise pour ses interventions un motif récurrent inspiré des stores des magasins et bistrots parisiens : une alternance de bandes verticales blanches et colorées, chacune d’une largeur de 8,7 cm. L’artiste cherchait un signe, un outil visuel, capable de s’imposer dans et en dehors du musée. La rue ou les espaces d’exposition de toute nature sont ainsi devenus ses lieux d’intervention privilégiés, les bandes alternées n’ayant de signification que par le rapport qu’elles entretiennent avec le site où elles sont installées. L’erreur serait de ne les considérer que pour elles-mêmes, car elles ne sont qu’un moyen destiné à révéler un lieu et opérer le nécessaire déplacement du regard voulu par l’artiste.

DANIEL BUREN. UNE FRESQUE : L'EXPOSITION

Cette exposition est avant tout construite à partir du point de vue de l’artiste, de ses réponses particulières à la possibilité - compte tenu des exigences de son travail - de « figurer » une traversée, un parcours dévoilant les relations qu’il entretient avec son époque et les différentes tendances de l’art, ou plus largement de la culture, qui ont intéressé ou influencé sa pratique. Travaillant in situ, Daniel Buren continue d’affirmer sa spécificité au travers de nombreuses interventions, la plupart du temps éphémères, qui constituent la majorité de ses travaux. Comment, dès lors, rendre compte de la richesse de ses réalisations et de leurs rapports aux contextes de leurs apparitions, qu’elles soient éphémères ou pérennes? Cette simple question a immédiatement soulevé les problèmes posés par l’idée d’une rétrospective et de son impossibilité, comme l’avait très bien montré son exposition au Centre Georges Pompidou, « Le Musée qui n‘existait pas », en 2002.

Une Fresque cherche à répondre, d’une manière active, non chronologique et comme souvent, surprenante, à ces questions. Construite autour d’un dialogue entre l’artiste et le commissaire de l’exposition, Joël Benzakin, elle s’articule autour de deux grandes propositions : une ‘exposition collective’ et un film.

Cette exposition de Daniel Buren constitue donc une étape incontournable pour une plus large compréhension de son travail, des enjeux esthétiques qu’il affirme et de la richesse insoupçonnée de ses nombreuses réalisations permanentes et éphémères dont la mémoire ne nous était jusqu’alors accessible qu’au travers de nombreuses publications.Cette grande ‘fresque’ des travaux de Daniel Buren va enfin nous permettre de mieux entrevoir la diversité, l’intelligence, la générosité et l’importance de son oeuvre.

Une « Exposition collective »
La quasi-totalité du parcours de l’exposition et des espaces qui lui sont attribués accueillera un choix d’oeuvres, non exhaustif, de plus de 70 artistes du XXe et XXIe siècle, sélectionnées et disposées par Daniel Buren. Cette proposition est conçue comme une traversée visuelle et temporelle au cours de laquelle Daniel Buren instaure un dialogue entre son travail et les oeuvres sélectionnées. Elles ont marqué d’une manière ou d’une autre son propre parcours artistique, de Paul Cézanne, Fernand Léger à Pablo Picasso, en passant par Jackson Pollock, Sol LeWitt jusqu'à Pierre Huyghe et bien d’autres.
DANIEL BUREN : « Chaque choix - celui d'un artiste et celui d'une oeuvre précise - a été décidé en suivant une ligne directrice articulée autour de mon propre parcours d'artiste. Je parle donc ici en termes d'admiration, d'influence, de rapprochement, d'interrogation, de stimulation et de projection, en traversant l'histoire de l'art de ces 150 dernières années. Toutes les oeuvres représentent des étapes essentielles dans ma pratique, aucune n'est anodine ou aléatoire, et je me permets d'insister sur l'apport essentiel que constitue chacune d'entre elles dans l'exposition ».
Le film
Le second axe important de cette exposition est constitué par un film de Daniel Buren, qui est à la fois document et oeuvre à part entière. Le film réunit une très large sélection de ses interventions, depuis le début de sa carrière jusqu’à aujourd’hui, au travers d’une minutieuse sélection d’images de ses travaux et de leur contexte, d’archives audio-visuelles d’expositions, d’entretiens, d‘interviews, de débats, d’extraits de films sur Daniel Buren, d’archives sonores, radiophoniques, de commentaires et d’interviews actualisés de personnalités de différentes disciplines parlant de leur rapport aux oeuvres de Daniel Buren. Un film qui sera présenté comme un mur d’images où se croisent, sans brouhaha, une multitude d’images, fixes et animées, de paroles et de sons ; le déroulement d’un parcours artistique, vu par son auteur et ouvert simultanément à d’autres points de vues : par analogie, une véritable ‘fresque’.
DANIEL BUREN : « Le film qui s'intitulera ‘Une Fresque, sera la première tentative de mettre en images une sorte de rétrospective la plus complète possible de mon travail depuis les années 60 à aujourd'hui. Comme j'ai déjà effectué plus de 2.600 expositions, il ne s'agira pas d'être exhaustif, mais de remettre en mémoire une majorité d'oeuvres détruites et permettre ainsi une perspective cohérente et la plus complète possible, aux spectateurs. Ce film comportera des images d'archives, des entretiens (anciens) et d'autres réalisés spécialement pour ‘Une Fresque’, des extraits de films, des extraits de vidéos, et tout autant d'images, de sons, s'étendant sur plus d'une cinquantaine d'années de travail... »
DANIEL BUREN, PERFORMANCE "COULEURS SUPERPOSEES", 23 avril 2016

Daniel Buren présentera sa performance Couleurs superposées au Palais des Beaux-Arts lors du week-end de ART BRUSSELS (22-24 april 2016). Couleurs superposées a été initié à Genazzano en Italie en 1982 dans le cadre du projet collectif intitulé « La zattera di Babele » (Le radeau de Babel). Travail réalisé en public, d’une durée d’une heure, et composé d’actions successives de collage et de décollage. Pendant une quarantaine de minutes, cinq acteurs collent sur un mur des papiers rayés de blanc et de couleurs en suivant les instructions de l’artiste et en faisant se superposer exactement les bandes blanches. Les spectateurs découvrent des couleurs et des formes qui apparaissent puis disparaissent lors de chaque nouvelle superposition. Durant les vingt autres minutes, les acteurs, toujours en suivant les indications de l’artiste, déchirent les papiers qui viennent d’être collés, faisant réapparaître les couches précédentes par fragments. Les spectateurs sont les témoins de l’évolution du travail, sur un tableau qui n’est jamais fini et dont les différentes étapes ne sont retenues qu’en souvenir.

Publication
La publication consacrée à cette exposition prendra la forme d’un journal dans l’esprit du The Buren Times en 2005. Ce journal aux diverses rubriques abordera certes l’exposition, mais aussi l’historique des interventions de Daniel Buren en Belgique, des déplacements récents de l’artiste et documentera une sélection de ses travaux les plus marquants de ces dix dernières années en Europe, ainsi qu’une sélection de ses travaux dans des domaines aussi divers que le théâtre, la danse, la mode, la musique et l’architecture. Avec des interviews et textes de Daniel Buren, Joël Benzakin, Rudi Fuchs, Luk Lambrecht, Paul Dujardin etc.

Commissaire de l'exposition : Joël Benzakin

Partenariat privilégié : Musée national d’art moderne Paris, Centre Pompidou

BOZAR Palais des Beaux-Arts, Bruxelles
www.bozar.be

January 2, 2016

Daubigny, Monet, Van Gogh: Impressions of Landscape

Daubigny, Monet, Van Gogh: Impressions of Landscape
Taft Museum of Art, Cincinnati, Ohio
February 20 - May 29, 2016
Scottish National Gallery, Edinburgh
Van Gogh Museum, Amsterdam

Pushing the boundaries of traditional landscape painting, Charles François Daubigny (1817-1878) was a vital touchstone and mentor for the subsequent generation of avantgarde artists now widely celebrated as the Impressionists. In the 1850s and 1860s, Daubigny routinely painted outdoors to directly capture qualities of light and atmosphere, launched a floating studio boat on French waterways that fundamentally changed the way artists could frame their compositions, employed radical painterly techniques and exhibited sketch-like works that critics assailed as “mere impressions.” Though an inspiration to artists such as Claude Monet, Camille Pissarro and Vincent Van Gogh, Daubigny is now relatively unknown. Until this year he has never been the subject of a major international exhibition, and no exhibition has previously examined Daubigny’s profound influence upon the Impressionists and in turn their influence on his late style.

Co-organized by the Taft Museum of Art, the Scottish National Gallery and the Van Gogh Museum, Daubigny, Monet, Van Gogh: Impressions of Landscape revises our understanding of the origins of Impressionism by reconsidering Charles François Daubigny as a central figure in the development of 19th-century French landscape painting, including Impressionism. The groundbreaking exhibition will be on view at the Taft Museum of Art in Cincinnati, Ohio, the sole U.S. venue, from Feb. 20 through May 29, 2016. It will travel to the Scottish National Gallery in Edinburgh and the Van Gogh Museum in Amsterdam later in 2016 and in early 2017.

In addition to one of the Taft’s Daubigny paintings, which prompted the exhibition, Daubigny, Monet, Van Gogh: Impressions of Landscape will also feature spectacular loans from numerous North American and European museums—including the Art Institute of Chicago; Montreal Museum of Fine Arts; National Gallery, London; Museum of Fine Arts, Bordeaux; Scottish National Gallery, Edinburgh; Van Gogh Museum, Amsterdam—and private collections.

“Conceived at the Taft, this very special exhibition reflects the museum’s strength in European art and its strong relationships with a host of distinguished international institutions,” said Taft Director and CEO Deborah Emont Scott. “We are thrilled to bring this stellar group of European works of art to our greater Cincinnati, regional and national audiences.”

Of the 55 paintings in the exhibition, approximately 40 masterpieces by Daubigny will showcase the full range of the artist’s achievements over four decades, including both small easel paintings created outdoors and grand-scale paintings completed in the studio for exhibition. The remainder of the works on view will offer fascinating and often surprising comparisons with Impressionist and Post-Impressionist paintings by Claude Monet, Camille Pissarro and Vincent Van Gogh, revealing Daubigny’s impact on and importance for two subsequent generations of artists, the Impressionists and the Post-Impressionist Van Gogh.

“This exhibition stakes a claim for Daubigny’s inadequately recognized achievements as a powerful innovator and precursor to one of the most original art historical movements of all time,” said Lynne Ambrosini, Director of Collections and Exhibitions and Curator of European Art at the Taft Museum of Art. Ambrosini is the initiating curator (and one of five curators) of the exhibition.

In the vanguard of artists who privileged and embraced the immediacy of open-air painting, Charles François Daubigny invented the studio boat and was the first to paint views surrounded by water instead of from the riverbanks. This pioneering compositional technique of stripping away conventional foregrounds to more directly observe nature and capture the effects of light, as well as his radically unfinished painting style and brighter palette, had a powerful influence on the young Impressionists.

Highlights of the exhibition include Daubigny’s images of silvery light and reflections along the Seine and Oise rivers, stormy atmospheric effects at the Normandy coast, dramatic moonlit landscapes, views of lush fields and scenes of blossoming orchards in the countryside outside Paris—the last another subject he invented. These subjects were soon taken up by Monet and Pissarro, whose similarly themed works will also be featured, for example Pissarro’s The Banks of the Oise near Pontoise (1873, Indianapolis Museum of Art), which echoes Charles François Daubigny’s compositions, and Monet’s Autumn on the Seine, Argenteuil, (1873, High Museum of Art, Atlanta, Georgia), which was painted from Monet’s emulative studio boat. Daubigny’s panoramic views of the sunny grain-fields near Auvers were admired by Van Gogh, who adopted Daubigny’s then famous double-wide canvas formats for his own pictures of the plains near Auvers. The final section of the exhibition presents five masterpieces by Van Gogh that reveal his debt to Daubigny, including Daubigny’s Garden (1890, R. Staechelin Collection, Basel, Switzerland), which exhibits Van Gogh’s signature swirling intensity.

Taft Museum of Art, Cincinnati, Ohio