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Expositions, Art contemporain, Art moderne, Photographie, Design, Patrimoine, Architecture, Art vidéo, Films, l'image dans toutes ses dimensions, Publications

Art Exhibitions, Art Fairs, Visual Arts, Photography, Graphic Arts, Design, Video Art, Architecture, Films, Photo / Imaging Equipments, Publications


September 28, 2015

Andrew Schoultz @ Mark Moore Gallery, Culver City, CA

Andrew Schoultz, Cyclical Nature
Mark Moore Gallery, Culver City, CA
Through October 31, 2015

Andrew Schoultz
ANDREW SCHOULTZ
Courtesy Mark Moore Gallery 

Mark Moore Gallery presents “Cyclical Nature," the gallery’s second major solo show from artist Andrew Schoultz. Inspired by the recurrent nature of war and histories bound to repeat themselves, Schoultz’s latest exhibition toggles between his signature frenetic imagery and a new stark minimalism reminiscent of various art historical conventions – though both illustrate a topical, dystopian vision.

In this new body of work, notions of war, spirituality, and sociopolitical imperialism are prominent motifs, which parallel an equally repetitive contemporary pursuit of accumulation and power. “Cyclical Nature” examines not only the repetition of the same wars, but also the way in which they are recorded and memorialized, as well as how the past is recorded (and often glorified).
“Many of the wars being fought are the same wars that have been fought for hundreds and hundreds of years. For me, it makes sense to reference some historical art that was perhaps talking about, or recording the history, and put it in a contemporary context … after all, it is the same story, just a different time period. “ –Andrew Schoultz
Referencing iconic imagery such as suits of armor, battle horses, war ships, and all-seeing eyes, Schoultz makes connections between emblems of power and violence across cultures and epochs. All too reminiscent of the modern world, Schoultz shows us a beautiful yet brutal world of power structures, and urges us to resist.

ANDREW SCHOULTZ (b. 1975, WI) received his BFA from the Academy of Art University, San Francisco (CA). He has had solo exhibitions in Los Angeles, New York, San Francisco, Copenhagen, Philadelphia, Rotterdam, Boston, London, Portland, Detroit and Milan. He has been included in group exhibitions at the Andy Warhol Museum (PA), Torrance Art Museum (CA), Havana Biennial (Cuba), Hyde Park Arts Center (IL), Laguna Art Museum (CA), San Francisco Museum of Modern Art (CA), among others. His work can be seen in the public collections of the San Francisco Museum of Modern Art (CA), Frederick R. Weisman Foundation (CA) and the Progressive Art Collection (OH), in addition to his publicly funded murals in Portland (ME), Jogjakarta (Indonesia) and San Francisco (CA). Schoultz lives and works in San Francisco (CA).

Mark Moore Gallery
5790 Washington Blvd.
Culver City, CA 90232
www.markmooregallery.com

Exposition prostitution, Musée d'Orsay, Paris - Splendeurs et misères. Images de la prostitution, 1850-1910

Splendeurs et misères. 
Images de la prostitution, 1850-1910
Musée d'Orsay, Paris
Jusqu'au 17 janvier 2016

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) 
Au Moulin Rouge (détail), 1892-95 
Huile sur toile, 123 x 141 cm 
Helen Birch Bartlett Memorial Collection, 1928.610, 
The Art Institute of Chicago Photography © The Art Institute of Chicago

Protéiforme et insaisissable, la prostitution est omniprésente dans la société parisienne du second dix-neuvième siècle. Dans le sillage de Baudelaire, les artistes voient en elle un sujet moderne par excellence.

L’exposition Splendeurs et misères, la première consacrée à ce thème, montrera la façon dont les artistes établis à Paris entre le Second Empire et la Belle Époque n’ont cessé de rechercher des moyens plastiques et d'explorer les media naissants, tels que la photographie puis le cinématographe, pour représenter l’univers de l’amour tarifé.

Pierre angulaire du système réglementariste qui entend exercer un contrôle strict sur la prostitution, alors considérée comme un « mal nécessaire », la maison close fascine plusieurs générations de peintres. Dans des représentations souvent plus proches du fantasme que des faits observés, Constantin Guys, puis Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec ou Emile Bernard suggèrent tantôt l’atmosphère fiévreuse du bordel, tantôt l’intimité des pensionnaires avant l’arrivée du client. À destination des « milliers d’yeux avides » fascinés par l’image argentique, les photographes composent aussi dans leur atelier des scènes qui reconstituent les salons et boudoirs du Second Empire. Ces lieux de sociabilité masculine sont régulièrement présentés comme des promesses d’initiation, de volupté et de transgression.

Loin de se cantonner à des lieux dédiés, la prostitution envahit l’espace public tout au long du dix-neuvième siècle. Sur le boulevard, au théâtre ou à l’opéra, il est souvent difficile de distinguer les femmes honnêtes des femmes vénales. Ces dernières entretiennent l’ambiguïté, et ce jeu des apparences nourrit l’imagination des artistes, à l’instar de Jean Béraud, Louis Anquetin ou Louis Valtat. Moins encadrés que les maisons de tolérance, les cafés, brasseries à femmes, et cafésconcerts voient se développer de nouvelles formes de prostitution. Édouard Manet, Edgar Degas ou Vincent Van Gogh y trouvent pour modèles des figures féminines en proie à l’ivresse mélancolique.

Au sommet de l’échelle prostitutionnelle, les courtisanes, « étoiles de la haute prostitution », incarnent une réussite sociale qu’elles manifestent à travers la commande et la diffusion de portraits peints, sculptés ou photographiques. Le raffinement de leurs toilettes et les décors luxueux des hôtels particuliers qu’elles font construire ou aménager brouillent les frontières entre monde et demi-monde. Leur parcours fulgurant, qui débute souvent sur les planches, les érige en modèles aux yeux des jeunes actrices ou danseuses. Mais c’est aussi la haute société qui lorgne du côté des femmes entretenues, prescriptrices en matière de mode et de goût. Ces puissantes femmes « fatales », qui mettent à mal la domination masculine, ressurgissent dans des oeuvres allégoriques de Félicien Rops ou de Gustav Adolf Mossa. Dans l’imaginaire symboliste et décadent de la fin du siècle, la prostituée et la femme en arrivent à former une entité indistincte et menaçante, incarnation de tous les vices.

C’est cependant le monde interlope dans sa variété étourdissante, à la fois lugubre et coloré, qui occupe une place centrale dans le développement de la peinture moderne et inspire à Edvard Munch, Frantisek Kupka, Georges Rouault, Auguste Chabaud, Maurice de Vlaminck, Kees Van Dongen ou Pablo Picasso des chefs-d’oeuvre ouvrant le XXe siècle.

Cette exposition est organisée par le musée d’Orsay, Paris, et le Van Gogh Museum, Amsterdam, avec le concours exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France. 

Commissaires : Isolde Pludermacher, conservateur au musée d’Orsay, Paris
Marie Robert, conservateur au musée d’Orsay, Paris
Nienke Bakker, conservateur au Van Gogh Museum, Amsterdam
Richard Thomson, Watson Gordon Professor of Fine Art à l’Université d’Edimbourg

Publications
Catalogue de l'exposition, coédition Musée d’Orsay / Flammarion, 245 x 297 mm, 308 pages, 300 ill., 45€
ABCDaire de la prostitution, coédition Musée d’Orsay / Flammarion, 160 x 110 mm, 216 pages, 338 ill., 14,50€
Prostitutions. Des représentations aveuglantes, revue de l’exposition, coédition Musée d’Orsay / Flammarion, 165 x 230 mm, 232 pages, 90 ill., 22€

Musée d'Orsay, Paris
www.musee-orsay.fr

September 27, 2015

Photographic collages @ RoseGallery, Santa Monica, CA

Her First Meteorite. Photographic collages
RoseGallery, Santa Monica, CA
Through 28 November 2015

Ken Graves
Ken Graves 
Heat Source, 2003 
(c) Ken Graves, Courtesy RoseGallery

ROSEGALLERY presents Her First Meteorite, a selection of unique photographic collages by Carolle Benitah, James Gallagher, Melinda Gibson, Ken Graves, Stéphanie Solinas, Annegret Soltau, and Grete Stern. 

Found, sliced and assembled, the photographic collage establishes experimental and introspective forms through the combination of familiar and obscure images. The montages from the various artists each evoke a distinct entry into surreal worlds, bound together by connected and intertwined photographs. With found objects and images, the spontaneity of discovery and combination counters the intricacy of the details in the works.

Although half a century apart, Ken Graves’ collages and Grete Stern’s Sueños both reimagine worlds for the figures on the page. Graves pulls from magazines of Stern’s period, the mid twentieth century, and creates moments not bound to time. Celestial and earthbound settings often mingle in his works to create a space free from our known society yet afloat in cultural commentary. Whether a comical social critique by Ken Graves or James Gallagher or an intimate family portrait threaded by Carolle Benitah, the collage generates newfound connections between recognizable forms, creating a unique image independent from our reality while strangely familiar.

In the early twentieth century, Dadaist montage rejected reason. With ideologies regarding identity at the forefront of political strife, surrealist art attempted to escape the categorization of the self. Allusions to the other, the alternate, and the unknown frequent a surreal image. Examining her own identity, Annegret Soltau states, “to me relying on one permanent identity makes no sense. It makes no sense if you are always supposed to be ‘the self,’ the one and only ‘self’.” The multiplicity of her own image, spliced and sewn, demonstrates the substance of the female identity through a critique of the documents that dictate and constrict a woman’s role. In a literal interpretation of multiplicity, Solinas’ Phénomènes depict forty-four sets of twins. Displayed in the manner of a 19th century scientific document, the organization creates a detachment, implying the otherness of the twins in the photographs. Using recognizable imagery in new contexts, these collages present alternate perceptions of our own world, providing a surreal space left for interpretation. 

ROSEGALLERY
Bergamot Station Art Center
2525 Michigan Avenue, G5
Santa Monica, California 90404

Howardena Pindell @ Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA

Howardena Pindell 
Honor Fraser Gallery, Los Angeles 
Through October 31, 2015

Honor Fraser Gallery presents the first one-person exhibition of works by Howardena Pindell on the west coast of the US.

A significant figure in the discourse around abstract painting, conceptual art, and identity politics, Howardena Pindell has explored the potential for abstract painting and process-based practices to address social issues throughout her career. This exhibition looks at two facets of Pindell's practice that have remained consistent through five decades of artmaking: abstract paintings and constructions on canvas, paper, and board; and a body of work Pindell calls "video drawings", an ongoing series of photographic prints that arise from her unique hybridization of photography, video, and drawing. 

HOWARDENA PINDELL - BIOGRAPHY

Born in Philadelphia, PA in 1943 and based in New York City since 1968, Howardena Pindell earned her Bachelor of Fine Arts at Boston University in 1965 and her Master of Fine Arts at Yale University in 1967. She holds honorary doctorates from the Massachusetts College of Art and Design and Parsons The New School for Design. Between 1968 and 1978, she was on the curatorial staff at the Museum of Modern Art where she organized exhibitions for the Department of Drawings and Prints and the Department of Prints and Illustrated Books. Pindell's work as a curator led to travels to places around the world where her research and experiences impacted her curatorial, artistic, and personal growth. The burgeoning feminist art movement of the 1970s provided an influential though fraught context for her work. Pindell was a co-founder of the seminal A.I.R. Gallery in 1970, and while feminism was a crucial element in her developing worldview, she also encountered racism that worked at cross-purposes to the positive growth of a progressive feminist politics in the movement. 

Howardena Pindell's particular mode of abstraction continually insists on a confluence of geometric forms (circles and grids) and organic gestures. By pushing the grid beyond its capacity to contain and create order, Pindell challenges its authority both pictorially and culturally. Using small bits of paper cut with hole punches, she has been constructing textural, large scale paintings that pin directly to the wall since the late 1960s. Monochromatic from afar, these immersive works reveal themselves to be made up of countless tiny gestures and bits of varying color upon closer view. Unafraid of radical shifts in scale, Pindell also creates diminutive, vibrant collages that sing with moments of hand drawn arrows and numbers running through their constituent parts. Often starting with a drawing on paper that she folds up and cuts with a hole punch, Pindell fashions organic shapes that defy categorization from her accumulation of circular cut-outs. In a body of work from the 2000s, Pindell's ongoing exploration of two contrasting forms is explicit as numbered circles vie for space amid rigid grids in small assemblages on board. 

To make her video drawings, Howardena Pindell photographs televisual images, overlays the resulting photograph with drawn numbers and arrows, and then re-photographs the drawing. The works are finally realized as photographic prints. Deploying images from sporting events; documentary programs on nature, war, and history; and television shows aired in some of the many foreign countries Pindell has traveled to, the video drawings offer up a critique of media while also asserting Pindell's constant return to process as a means through which to generate form. These moments that have been extracted from a perpetual stream of moving images provide rich backgrounds to which Pindell can react. As she has described, "Formally, the lines and numbers represent areas of tension in the interface of the image and the lines, force and energy, real and imagined."

HOWARDENA PINDELL's work has been exhibited widely since 1971 including one-person exhibitions at Just Above Midtown, New York (1977); Birmingham Museum of Art, Birmingham, AL (1985); The Studio Museum in Harlem, New York (1986); Wadsworth Atheneum, Hartford, CT (1989); Georgia State University Art Gallery, Atlanta, GA (1993); and Heckscher Museum of Art, Huntington, NY (1999 and 2004). Thematic exhibitions featuring her work include Contemporary Black Artists in America, Whitney Museum of American Art, New York (1971); 1972 Annual Exhibition: Contemporary American Painting, Whitney Museum of American Art, New York (1972); Rooms: P.S.1, Queens, New York (1976); Thick Paint, Renaissance Society at the University of Chicago, Chicago, IL (1978); Afro-American Abstraction: An Exhibition of Painting and Sculpture by Nineteen Black American Artists, P.S. 1 Contemporary Art Center, Queens, NY (1980-1984; touring); Making Their Mark: Women Artists Move into the Mainstream 1970-1985, Cincinnati Art Museum, Cincinnati, OH (touring); Sexual Politics: Judy Chicago's Dinner Party in Feminist Art History, Hammer Museum, Los Angeles, CA (1996); Strange Days, Museum of Contemporary Art, Chicago, IL (2003); Double Consciousness: Black Conceptual Art since 1970, Contemporary Arts Museum, Houston, TX (2005); High Times, Hard Times: New York Painting, 1967-1975, Weatherspoon Art Museum, University of North Carolina, Greensboro, NC (2006-2007; touring); WACK! Art and the Feminist Revolution, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA (2007-2009; touring); Lines, Grids, Stains, Words, Museum of Modern Art, New York (2007-2009; touring); and Variations: Conversations in and around Abstract Painting, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA (2014-2015). Pindell's work is held in public collections such as the Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Contemporary Art, Chicago; Museum of Fine Arts, Houston; Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Art, Washington, D.C.; Academy of Fine Arts, Philadelphia; Smithsonian Museum of American Art, Washington, D.C.; The Studio Museum in Harlem, New York; and the Whitney Museum of American Art, New York. She has been a professor at State University, New York at Stony Brook since 1979.

Honor Fraser Gallery, Los Angeles,California 

September 25, 2015

Contemporary African American art, "30 Americans" at DIA, Detroit

30 Americans 
The Detroit Institute of Arts 
October 18, 2015 - January 18, 2016

Barkley L. Hendricks
Barkley L. Hendricks 
Noir, 1978
Oil and acrylic on canvas. 
Courtesy of Rubell Family Collection, Miami

The Detroit Institute of Arts (DIA), one of the premier art museums in the US, presents “30 Americans,” a dynamic exhibition of contemporary art by African American artists, on view Oct. 18, 2015–Jan. 18, 2016. “30 Americans” includes 55 paintings, sculptures, installations, photographs and videos by many of the most important African American artists who rose to prominence during recent decades by exploring racial, gender, political and historical identity in contemporary culture.

Jean-Michel Basquiat
Jean-Michel Basquiat 
Bird On Money, 1981
Acrylic and oil on canvas. 
Courtesy of Rubell Family Collection, Miami 

Among the renowned artists included are Barkley Hendricks, Kerry James Marshall, Carrie Mae Weems, Lorna Simpson and the late Jean-Michel Basquiat and Robert Colescott. Their influence on a younger generation can be seen in the works of artists such as Kehinde Wiley, Nick Cave, Mickalene Thomas and Kara Walker.

Rashid Johnson
Rashid Johnson 
The New Negro Escapist Social and Athletic Club (Thurgood), 2008
Lambda print, Ed. 2/5. 
Courtesy of Rubell Family Collection, Miami 

The exhibition is organized around several artistic approaches used by the artists to explore identity: defying Western art traditions; portraying black subjects as real people as opposed to types; sampling multiple sources of inspiration, from historical material to found objects; freestyling by adopting improvisational and expressionistic styles to demonstrate creative and technical virtuosity; signifying through the use of symbols, materials and images that imply or trigger associations about gender, race, religion, class and sexuality; transforming the body’s appearance to examine the relationship between societal assumptions and identity; and confronting American history regarding race, racism and power in the United States.

This exhibition is drawn from the acclaimed Rubell Family Collection, Miami.

Artists in the exhibition

Nina Chanel Abney (1982)
John Bankston (1963)
Jean-Michel Basquiat (1960 - 1988)
Mark Bradford (1968)
Iona Rozeal Brown (1966)
Nick Cave (1959)
Robert Colescott (1925 - 2009)
Noah Davis (1983)
Leonardo Drew (1961)
Renée Green (1959)
David Hammons (1943)
Barkley L. Hendricks (1945)
Rashid Johnson (1977)
Glenn Ligon (1960)
Kalup Linzy (1977)
Kerry James Marshall (1955)
Rodney McMillian (1969)
Wangechi Mutu (1972)
William Pope.L (1955)
Gary Simmons (1964)
Xaviera Simmons (1974)
Lorna Simpson (1960)
Shinique Smith (1971)
Jeff Sonhouse (1968)
Henry Taylor (1958)
Hank Willis Thomas (1976)
Mickalene Thomas (1971)
Kara Walker (1969)
Carrie Mae Weems (1953)
Kehinde Wiley (1977)
Purvis Young (1943 - 2010)

Detroit Institute of Arts 
5200 Woodward Avenue
Detroit, Michigan 48202
www.dia.org

September 19, 2015

Jeff Wall à la Fondation HCB, Paris

Jeff Wall, Smaller pictures
Fondation Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris
Jusqu'au 20 décembre 2015

Jeff Wall
JEFF WALL
Diagonal Composition, 1993
Transparent dans caisson lumineux
© Jeff Wall / Courtesy of the artist

La Fondation Henri Cartier-Bresson présente « Smaller Pictures », une exposition de l’artiste canadien Jeff Wall (né en 1946). Grand connaisseur de l’histoire des arts et de la littérature, Jeff Wall est l’un des artistes les plus influents de l’art contemporain. Célèbre pour ses caissons lumineux de grandes dimensions, il a sélectionné pour cette exposition un ensemble de 35 tirages et caissons conçus à l’origine en petit format et provenant, pour la plupart, de sa collection personnelle.

Que signifie l’exposition de petits formats pour un artiste qui s’est plutôt illustré par ses tableaux photographiques de grandes dimensions ?
Faut-il y voir (en dehors de l’exiguïté relative des salles de la fondation) une réévaluation par Jeff Wall de ce qui constitue son œuvre ? L’artiste, qui a lui-même établi la sélection, n’a choisi que des œuvres conçues à l’origine en petits formats, depuis le Landscape Manual de 1969-1970 aux œuvres de ces dernières années. Comme le rappelle Jean-François Chevrier dans l’introduction du livre, le répertoire de petites « choses vues » n’a pas donné lieu à une production régulière tant que le procédé du caisson lumineux était de règle. C’est à partir de la fin des années 1990, que les images de petit format, en noir et blanc ou en couleur, se sont multipliées. 

JEFF WALL
After “Landscape Manual”, 1969/2003
Tirage gélatino-argentique
© Jeff Wall / Courtesy of the artist 

Après un mémoire de fin d’études sur Dada Berlin à l’université de Vancouver et un cycle en histoire de l’art au Courtauld Institute de Londres, Jeff Wall enseigne quelques années dans les universités canadiennes. Lors d’un voyage en Europe, il découvre la peinture de Vélasquez au Prado et décide alors de reprendre à son compte le programme de Baudelaire, du peintre de la vie moderne. Cent ans après le Français, Jeff Wall s’essaye à  « la reconstitution ou la réinvention de la tradition picturale » en utilisant la photographie, plus adaptée à l’époque.

Les petits formats de l’exposition sont loin des dimensions des caissons lumineux qui ont fait le succès de Jeff Wall dès la fin des années 1970. À travers ces tableaux photographiques, Jeff Wall proposait au regardeur une expérience de perception fondée sur la confrontation avec une imagerie dramatique (théâtrale) grandeur nature, qui produisait, de ce fait, un effet spectaculaire, par contraste avec l’intimisme du petit format. Jeff Wall pose un nouveau regard sur son œuvre et s’interroge, comme à son habitude sur son statut d’artiste.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue coproduit avec les Éditions Xavier Barral. Il est enrichi d’une introduction de Jean-François Chevrier et d’un entretien avec l’artiste.

L’exposition reçoit le soutien de la Fondation Luma. Elle est réalisée en partenariat avec le Centre culturel canadien à Paris et Marian Goodman Gallery qui représente Jeff Wall.

Fondation Henri Cartier-Bresson
2, impasse Lebouis, 75014 Paris

September 13, 2015

René Groebli, Early Works, Galerie Woerdehoff, Paris

René Groebli, Early Works 
Galerie Esther Woerdehoff, Paris 
15 septembre - 23 octobre 2015

René Groebli, Sans titre, 1954, Série Das Auge der Liebe
Tirage argentique, 13 x 18 cm à 50 x 60 cm, vintage ou édition de 7
© René Groebli, Courtesy Galerie Esther Woerdehoff, Paris

La Galerie Esther Woerdehoff présente deux séries emblématiques des premiers travaux du photographe suisse René Groebli, né en 1927 : Magie der Schiene et Das Auge der Liebe. Voici la présentation de cette exposition rédigée par Florence Pillet.

René Groebli, Sans titre, 1949, Série Magie der Schiene
Tirage argentique, 13 x 18 cm à 50 x 60 cm, vintage ou édition de 7
© René Groebli, Courtesy Galerie Esther Woerdehoff, Paris

Magie der Schiene (la magie du rail) est son premier livre, publié à compte d’auteur en 1949. René Groebli est alors âgé de 22 ans, il commence sa carrière de photographe, voyage régulièrement hors de Suisse et prend le prétexte d’un trajet à bord de l’express Paris-Bâle pour réaliser ce travail personnel. Dans un style extrêmement audacieux, où l’on perçoit l’influence de la nouvelle objectivité et du Bauhaus et de l’école de Design de Zurich, Groebli crée une série profondément personnelle. Traversant la banlieue parisienne et la campagne française de l’après-guerre, René Groebli passe de la cabine du conducteur à l’intimité d’un wagon, fixe l’entrée des tunnels ou le tracés des lignes électriques dans le mouvement, photographie le travail des cheminots et les locomotives lancées à toute vapeur. Par le jeu du grain, du flou et du contraste, et une exploration méthodique de son sujet, René Groebli parvient à restituer la vitesse et le bruit du train, la dureté du métal et l’odeur du charbon, livrant une oeuvre expérimentale et radicale autour d’un sujet unique. 

René GroebliSans titre, 1949, Série Magie der Schiene
Tirage argentique, 13 x 18 cm à 50 x 60 cm, vintage ou édition de 7
© René Groebli, Courtesy Galerie Esther Woerdehoff, Paris

De cette recherche esthétique formelle et rigoureuse nait un livre rare, sélection de 14 photographies accompagnée d’un poème d’Albert Ehrismann, un exercice de style exceptionnel pour l’époque qui fait immédiatement entrer son auteur dans la cour des grands. Edité en allemand et en anglais à 1000 exemplaires, encore récemment célébré par Martin Parr dans son Photobook et toujours recherché par les collectionneurs, Magie der Schiene a marqué l’histoire de la photographie.


René GroebliSans titre, 1954, Série Das Auge der Liebe
Tirage argentique, 13 x 18 cm à 50 x 60 cm, vintage ou édition de 7
© René Groebli, Courtesy Galerie Esther Woerdehoff, Paris

Dans une approche radicalement différente, qui illustre la liberté de style que le photographe exercera tout au long de sa carrière, Das Auge der Liebe (L’Oeil de l’amour) retrace le voyage de noces de René Groebli et de sa femme, Rita, au début des années 50. Le couple s’étaient marié en 1951, mais le manque d’argent et de temps avait retardé leur voyage de noces. Trois ans plus tard, ils partent enfin célébrer leur amour à Paris et séjournent à Montparnasse dans un hôtel modeste. Le photographe prendra plus de 300 clichés, au Rolleiflex et au Leica. Le livre, publié en 1954, n’en retient que 25, sélection précise effectuée par René et Rita. Dans un noir et blanc doux et délicat, le photographe réinvente le nu et dévoile les jambes, les seins, le corps de son épouse mais aussi son visage, ses mains et le décor de l’histoire. Dans cette chambre d’hôtel modeste de la France de l’après-guerre : rideaux en dentelle à angelots, lits de fer et papiers peints à fleurs, où s’épanouissent pourtant leurs amours débutantes. Cette vision sensuelle de l’amour conjugal sera qualifiée à l’époque de pornographie par le journal local zurichois. Pour nous, c’est un poème érotique et sensible : le photographe nous fait entrer dans la chambre à coucher et cette intimité offerte à l’objectif est le plus beau témoignage de son amour.

Cette exposition présentera une sélection exceptionnelle de tirages vintage ainsi qu’une édition récente des photographies de ces deux séries, mises à l’honneur par la publication du livre René Groebli, Early Works (1945-1955) par les éditions Sturm & Drang.
Florence Pillet

Galerie Esther Woerdehoff
36 rue Falguière - 75015 Paris - France
mar. - sam. 14h - 18h
www.ewgalerie.com

September 6, 2015

Anselm Kiefer - Rétrospective Centre Pompidou, Paris

ANSELM KIEFER
Centre Pompidou, Paris
16 décembre 2015 - 18 avril 2016

Centre Pompidou, Beaubourg, Paris


Le Centre Pompidou propose une traversée inédite de l’œuvre d’Anselm Kiefer. Cette rétrospective, la première présentée en France depuis trente ans, invite le visiteur à parcourir une dizaine de salles thématisées retraçant l’ensemble de la carrière de l’artiste allemand, de la fin des années soixante à aujourd’hui.

Déployée sur 2000 m2 , elle réunit près de cent cinquante œuvres dont une soixantaine de peintures choisies parmi les chefs-d’œuvre incontournables, des installations, des œuvres sur papier ainsi que quelques livres d’artiste. L’exposition, qui donnera à voir les peintures historiques et emblématiques telles que Quaternität (1973), Varus (1976), Margarete (1981) ou encore Sulamith (1983) dévoilera un ensemble de quarante « vitrines » réalisées spécifiquement pour cet événement sur les thèmes de l’alchimie et de la Kabbale. Sous verre, ces environnements mettent en jeu l’univers disloqué d’un âge industriel révolu : vieilles machines, morceaux de ferrailles rouillées, plantes, photographies, bandes et objets de plomb ; loin des cabinets de curiosités, c’est le mystère de leur présence que l’artiste met en exergue, l’émission d’une lumière de mystère propre à l’alchimie....

L’œuvre d’Anselm Kiefer invite le visiteur, avec une singulière intensité, à découvrir les univers denses et variés, de la poésie de Paul Celan, Ingeborg Bachmann ou encore Jean Genet, à la philosophie d’Heidegger, aux traités d’alchimie, aux sciences, à l’ésotérisme, à la pensée hébraïque du Talmud et de la Kabbale. Des installations monumentales et des peintures de très grands formats voisineront au Centre Pompidou avec des œuvres sur papier et des objets à la résonance plus intime.

Dès le forum du Centre Pompidou, le visiteur se trouvera face à une des installations monumentales que l’artiste a réalisées à Barjac (Gard), son lieu de vie et de travail entre 1993 et 2007. À l’intérieur de cette «maison tour», installée dans le vaste espace d’accueil du Centre Pompidou, un univers saturnien attendra le public. On trouvera dans cette installation les matières de prédilection de l’artiste (le plomb, l’eau, le métal), ainsi que des milliers de photographies prises par Anselm Kiefer au cours de sa carrière et qui constituent une banque de données quasi biographique. Comme une mémoire déroulée, ces bandes alimentent la réflexion de l’artiste sur le temps et la mémoire, deux thèmes au cœur de son œuvre.

ANSELM KIEFER

Né en mars 1945 à Donaueschingen, Anselm Kiefer participe avec Georg Baselitz, Gerhard Richter, Sigmar Polke ou encore Jörg Immendorff au renouveau de la peinture allemande des années 1970, qui émerge dans un contexte international marqué par le néo-expressionnisme. L’œuvre d’Anselm Kiefer apparaît très vite comme singulier, par son obsession à traiter de l’Histoire et des mythes propres à la culture germanique. Représentant l’Allemagne à la Biennale de Venise en 1980 avec Georg Baselitz, Anselm Kiefer est accusé de réveiller les démons d’un passé, quand il n’est pas suspecté de travers nationalistes.
Les paysages urbains contemporains en déréliction où s’enchevêtrent blocs de béton et ferrailles tordues ont fait fonction de catharsis d’un trauma originel lié à sa naissance en mars 1945, et engendré la mise en œuvre d’une esthétique de la ruine. S’il existe une tradition d’un art de la ruine depuis la Renaissance, avec Joachim du Bellay puis Hubert Robert, Diderot et les romantiques, chez Anselm Kiefer, elle est à l’œuvre, elle en constitue le présent. Pour l’artiste, la matière porte en elle son propre esprit, et sa mémoire. Aux matériaux habituels de la peinture, il adjoint de la glaise, du plâtre, des végétaux (tournesols, fougères), de la paille, de la cendre, des métaux comme le fer et surtout le plomb, qu’il utilise depuis le milieu des années 1970. Ce métal a pour l’artiste des qualités électives : qualités physiques de la malléabilité, de la densité extrême, de l’imperméabilité aux rayonnements électromagnétiques. Ce matériau de base des alchimistes dans leur processus de transmutation, est selon Anselm Kiefer, capable de produire une étincelle de lumière, «une étincelle qui semble appartenir à un autre monde, un monde qui nous est inaccessible».

Commissaire de l'exposition : Jean-Michel Bouhours, Conservateur au musée national d’art moderne

Centre Pompidou : www.centrepompidou.fr