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Art Exhibitions, Art Fairs, Visual Arts, Photography, Graphic Arts, Design, Video Art, Architecture, Films, Photo / Imaging Equipments, Publications


February 27, 2015

Tania Mouraud. Rétrospective, Metz

Tania Mouraud. Une rétrospective
Centre Pompidou-Metz
4 mars - 5 octobre 2015

Le Centre Pompidou-Metz présente, en partenariat avec 9 sites culturels de Metz, la première exposition monographique d’envergure dédiée à l'artiste française Tania Mouraud.

TANIA MOURAUD
Affiche de l'exposition au Centre Pompidou-Metz

Amorcé à partir du 4 mars 2015 au Centre Pompidou-Metz, et pensé à l'échelle de la ville et de son agglomération, l'événement prendra toute son ampleur à partir de la fin juin 2015, déployant ainsi une rétrospective sans précédent dans sa forme et inédite dans son déploiement.

Artiste refusant tout rattachement à un courant ou à un dogme, Tania Mouraud n’a cessé de faire évoluer son œuvre depuis la fin des années 1960, explorant alternativement toutes sortes de disciplines – peinture, installation, photographie, performance, vidéo, son – autour d’un principe constant : interroger les rapports entre l’art et les liens sociaux. Elle propose ainsi de rajouter dans les habitations standardisées une chambre de méditation (1968). Elle affiche dans l’espace public sur les panneaux 4 x 3 m son désaccord avec une société glorifiant l’avoir au dépend de l’humain (1977). Elle réfléchit aux rapports esthétiques entre l’art et la guerre, et se penche avec l’aide de l’écriture sur les limites de la perception, en créant des « mots de forme » (1989). À partir de 1998, elle se sert de la photographie, de la vidéo et du son en lien étroit avec la peinture pour questionner différents aspects de l’histoire et du vivant.

Un catalogue accompagne l’exposition. Il constitue une monographie de référence sur l’artiste, faisant une large place à ses écrits et incluant des documents inédits. 

Commissaires : Hélène Guenin, Responsable du pôle Programmation, Centre Pompidou-Metz Élodie Stroecken, Chargée de coordination du pôle Programmation, Centre Pompidou-Metz 

Centre Pompidou Metz
1 parvis des droits de l’homme – 57000 Metz
www.centrepompidou-metz.fr

February 25, 2015

PULSE New York Contemporary Art Fair 2015

PULSE New York Contemporary Art Fair 2015

Celebrating its 10th anniversary, PULSE Contemporary Art Fair returns for its New York edition from March 5 – 8, 2015 at the Metropolitan Pavilion in Chelsea. PULSE New York will continue the momentum established during its successful Miami Beach edition, which realized major sales and acclaim at the fair’s airy new mid-Miami Beach location. PULSE New York will present a tightly-curated selection of exhibitors showing work by more than 100 international artists, over 80% of exhibitors at the fair will present three artists or less, and a third will showcase two artists in conversation. As one of the longest-running contemporary art fairs in New York, PULSE offers visitors a welcoming environment in which to explore and discover the most compelling contemporary art produced today.

“We look forward to returning to March and introducing visitors to our select group of exhibitors and artists,” says Director Helen Toomer, “PULSE is an environment that encourages interaction and we take pride in showcasing a microcosm of the contemporary art market in which artists can be discovered, acquired and supported.”

PULSE New York 2015 Exhibitors and Artists:

523 Gallery Thomas Jaeckel, New York, NY: Diana Copperwhite
Adah Rose Gallery, Kensington, MD: Joan Belmar, Brian Dupont, Alan Steele
ANTONIO COLOMBO ARTE CONTEMPORANEA, Milan, Italy: Zio Ziegler
ART LEXÏNG, Miami, FL: Ye Hongxing
Black & White Gallery / Project Space, Brooklyn, NY: Liset Castillo, Cristina del Campo, Peter Brock, Michael van den Besselaar
Brodsky Center Rutgers University, New Brunswick, NJ (POINTS): Lynda Benglis, Trenton Doyle Hancock, William Kentridge, Irena Nakova, Chris Ofili, Kiki Smith, Pat Steir, Richard Tuttle, Chuck Webster, Carrie Mae Weems, Stephen Westfall
Causey Contemporary, New York, NY: Melissa Murray, John J. Richardson
Conduit Gallery, Dallas, TX: Marcelyn McNeil, Sandra Ono
CYNTHIA CORBETT GALLERY, London, UK: Fabiano Parisi
DAVIDSON CONTEMPORARY, New York, NY: Thomas Witte, Sam Messenger, Darren Lago, Kim Rugg, Ghost of a Dream, Mel Rosas, Kiel Johnson
De Soto Gallery, Venice, CA (IMPULSE): Laura Plageman, Osamu Yokonami

OSAMU YOKONAMI
Assembly d-3
Courtesy De Soto Gallery, Venice, CA

ELISABETH CONDON
Electric Lotus Land
Courtesy Emerson Dorsch, Miami

Emerson Dorsch, Miami, FL: Elisabeth Condon
Galerie Ernst Hilger GMBH, Vienna, Austria: Mel Ramos, Cameron Platter, Brian McKee, Oliver Dorfer, FAILE, Shepard Fairey
GALERIE FREY, Vienna, Austria: Herbert Golser, Anselm Gluck, Johannes Domenig
Galerie L’lnlassable, Paris, France (IMPULSE): Anne Deleporte, Reinhard Voss & Adam Dix
Galerie Sator, Paris, France: Yevgeniy Fiks
Gallery LVS, Seoul, South Korea: Tea Jin Seong, Won Kun Jun
gallery nine5, New York, NY: Jessica Lichtenstein, Katherine Tzu-Lan Mann
Gallery Poulsen, Copenhagen, Denmark: Jean-Pierre Roy, Christian Rex van Minnen, Aaron Johnson, Nicola Verlato

AARON JOHNSON
Voodoo Child, 2013
Courtesy Gallery Poulsen, Copenhagen

InLiquid, Philadelphia, PA (POINTS): Melissa Maddonni Haims
InSitu Works, New York, NY: Pablo Davila, TrujilloPaumier, Alexis Zambrano
Lesley Heller Workspace, New York, NY: Katherine Newbegin, Jim Osman
Livingstone gallery THE HAGUE/BERLIN, The Hague, The Netherlands: Raquel Maulwurf, Arnulf Rainer
Lyons Wier Gallery, New York, NY: Jeff Muhs, James Austin Murray
LMAKprojects, New York, NY: Russell Nachman
MC2Gallery, Milan, Italy: Renato D'Agostin, Trong Gia Nguyen
Mindy Solomon Gallery, Miami, FL: Osamu Kobayashi
My Name’s Lolita Art, Madrid, Spain: Paco Pomet, Joël Mestre
ODETTA, Brooklyn, NY (IMPULSE): Margaret Roleke, Ryan Sarah Murphy
Philip Bloom Gallery, Nantucket, MA (IMPULSE): Eli G. Halpern, Patrick Shoemaker
Pictura Gallery, Bloomington, IN: David Magnusson, Connor Green, Joe Johnson
Project ArtBeat, Tbilisi, Georgia (IMPULSE): Beso Uznadze, Maia Naveriani, Thea Gvetadze
RICK WESTER FINE ART, New York, NY: Alyse Rosner
ROCKELMANN&, Berlin, Germany (IMPULSE): Jeffrey Teuton, Kathleen Vance
Sienna Patti, Lenox, MA: Jonathan Wahl
Susan Eley Fine Art, New York, NY: Carole Eisner, Allison Green
SVA Galleries, New York, NY (POINTS): Curated Graduate Exhibition
TRANSFER, Brooklyn, NY: Carla Gannis
Uprise Art, New York, NY: Charlie Engman, Rachel Mica Weiss
Voltz Clarke, New York, NY: Michael Marra, Elaina Sullivan
WAGNER + PARTNER, Berlin, Germany: Peter Dreher, Ruud van Empel, Eckart Hahn
Waterhouse & Dodd, New York, NY & London, UK: Kim Keever, Jean-Francois Rauzier
X-Change Art Project, Lima, Peru (POINTS): Alessandra Rebagliati, Mariana Rivero, Iliana Scheggia
Yuki-Sis, Tokyo, Japan (IMPULSE): Katsutoshi Yuasa

A select jury will again award the PULSE Prize, a cash grant awarded directly to an artist of distinction, featured in a solo exhibition at PULSE New York. Nominees include:

Diana Copperwhite | 523 Gallery Thomas Jaeckel, New York, NY
Zio Ziegler | ANTONIO COLOMBO ARTE CONTEMPORANEA, Milan, Italy
Ye Hongxing | ART LEXÏNG, Miami, FL
Fabiano Parisi | CYNTHIA CORBETT GALLERY, London, UK
Elisabeth Condon | Emerson Dorsch, Miami, FL
Melissa Maddonni Haims | InLiquid, Philadelphia, PA (POINTS)
Yevgeniy Fiks | Galerie Sator, Paris, France
Russell Nachman | LMAKprojects, New York, NY
Osamu Kobayashi | Mindy Solomon Gallery, Miami, FL
Alyse Rosner | RICK WESTER FINE ART, New York, NY
Jonathan Wahl | Sienna Patti, Lenox, MA
Katsutoshi Yuasa | Yuki-Sis, Tokyo, Japan (IMPULSE)

PLAY, the fair’s showcase for video and new media, will be curated by Billy Zhao, a dynamic young curator from the Marina Ambramovic Institute (MAI). PERSPECTIVES is the fair’s series of in-depth conversations between prominent art world insiders, exploring ideas within contemporary art and the art market. On Saturday, March 7 the fair will host 10 x 10, a special curator-focused roundtable, featuring ten curators who will each have ten minutes to answer questions related to “The Future”, which is the overarching theme of this New York edition.

PROJECTS will feature a large site-specific entryway installation by Rachel Mica Weiss presented by Uprise Art, monumental sculptures by Aaron Stephans and Lauren Fensterstock presented by Sienna Patti, paintings by emerging London-based artist Danny Rolph presented by 523 Gallery Thomas Jaeckel, and a video sculpture by Jonathan Calm, presented by LMAKprojects. Carla Gannis will exhibit a large-scale digital print courtesy of TRANSFER.


Jérôme Zonder, La Maison Rouge, Paris

Jérôme Zonder 
La Maison Rouge, Paris
Jusqu'au 10 mai 2015

La maison rouge présente la première exposition monographique consacrée à Jérôme Zonder dans une institution parisienne.

Jérôme Zonder (né en 1974 à Paris) développe depuis plus de dix ans une œuvre virtuose centrée sur le dessin. Réalisées essentiellement à la mine de plomb et au fusain, ses œuvres souvent de très grands formats suscitent à la fois admiration et effroi.

Dans son travail les références à Albrecht Dürer, Robert Crumb, Rembrandt, Charles Burns, Otto Dix et Walt Disney voisinent pour composer des récits, souvent cruels : 
« La narration nous fait entrer dans le dessin, le corps seul nous retient à la surface. Dessiner pour moi, c’est sans cesse être entre distance et proximité, figuration et abstraction, attraction et répulsion ».
Pour son exposition à la maison rouge, Jérôme Zonder a imaginé une déambulation invitant le spectateur à pénétrer à l’intérieur même du dessin, puisque sols et murs en sont recouverts, établissant un cheminement, spatial et mental, dans les préoccupations de l’artiste.
« En 2009, une montée de violence me semblait palpable. J’ai commencé une série consacrée aux enfants du siècle, alors âgés de neuf ans, autour du thème de leur anniversaire les faisant rejouer des événements de l’actualité récente, où violence, enfance, cruauté et amour s’entremêlaient ».
Aujourd’hui, ces enfants ont grandi et arrivent à l’âge de l’adolescence. Après les terreurs et les mauvais rêves de la petite enfance, vient le temps des bouleversements intérieurs, des métamorphoses, des prises de conscience et des incertitudes.

Entre poésie et noirceur, les scènes qui composent cet ensemble juxtaposent la violence et les tragédies de l’histoire (la petite autant que la grande) avec l’immédiateté stylistique du dessin d’enfant et les prouesses de sa technique.

Nombreuses questions se posent : comment interpréter ces images ? Quel rapport entretient-on avec la violence quotidienne ? Quels témoins de ce qui nous entoure sommes-nous ?

LA MAISON ROUGE

February 22, 2015

Exposition Velazquez, Grand Palais, Paris

Velazquez
Grand Palais, Paris 
25 mars - 13 juillet 2015

Né à Séville en 1599, Diego Velázquez est l’une des plus importantes figures de l’histoire de l’art, tout style et toute époque confondus. Chef de fil de l’école espagnole, peintre attitré du roi Philippe IV, au moment où l’Espagne domine le monde, il est le strict contemporain de Van Dyck, Bernin et Zurbaran, bien que son art ne l’élève à une intemporalité que seuls peuvent lui disputer les noms de Léonard, Raphaël, Michel-Ange, Titien, Caravage et Rembrandt.

Diego Velázquez, Portrait de Pablo de Valladolid (détail), vers 1635
huile sur toile, 209 x 125 cm,
Madrid, Museo Nacional del Prado 
© Madrid, Museo Nacional del Prado

Formé très jeune dans l’atelier de Francisco Pacheco, peintre influent et lettré de la capitale andalouse, il ne tarde pas à s’imposer et, encouragé par son maître devenu aussi son beau-père, décide de tenter sa chance à la cour de Madrid. Après une première tentative infructueuse, il est finalement nommé peintre du roi en 1623 marquant le début d’une ascension artistique et sociale qui le mène aux plus hautes charges du palais et au plus près du souverain. Sa carrière est rythmée par deux voyages déterminants en Italie, le premier autour de 1630, le second autour de 1650, et par les naissances et décès successifs des héritiers au trône. Maître dans l’art du portrait, dont il libère et renouvelle le genre, il n’excelle pas moins dans le paysage, la peinture d’histoire ou, dans sa jeunesse, la scène de genre et la nature morte.

Bien qu’il soit l’un des artistes les plus célèbres et admirés hier comme aujourd’hui, aucune exposition monographique n’a jamais montré en France le génie de celui que Manet a consacré « peintre des peintres ». La rareté de ses tableaux (à peine plus d’une centaine) et leur légitime concentration au musée du Prado (Madrid) rendent particulièrement difficile l’organisation d’une rétrospective complète. C’est cependant le défi relevé par le musée du Louvre et le Grand Palais qui joignent leur force en collaboration avec le Kunsthistorishes Museum de Vienne et avec l’appui généreux du musée du Prado. Certains prêts tout à fait exceptionnels ont ainsi pu être obtenus à l’instar de la Forge de Vulcain (Prado) et de la Tunique de Joseph (Escorial), de même que des chefs d’œuvre absolus comme la Vénus au miroir (Londres, National Galery) ou le Portrait d’Innocent X (Rome, Palais Doria Pamphilj) - si cher à Francis Bacon -, deux icônes universelles de l’histoire de l’art.

L’exposition entend présenter un panorama complet de l’œuvre de Diego Velázquez, depuis ses débuts à Séville jusqu’à ses dernières années et l’influence que son art exerce sur ses contemporains. Elle se donne en outre pour mission de porter les principales interrogations et découvertes survenues ces dernières années, exposant, dans certains cas pour la première fois, des œuvres récemment découvertes (L’Education de la Vierge [New Haven, Yale Art Gallery] ; Portrait de l’inquisiteur Sebastian de Huerta [collection particulière]).

Une première section s’attache à évoquer le climat artistique de l’Andalousie au début du XVIIe siècle, mettant en perspective les premières œuvres de Velázquez et restituant l’émulation de l’atelier de Pacheco autour de peintures et de sculptures d’Alonso Cano et Juan Martinez Montañés. 

Vient ensuite le moment d’aborder la veine naturaliste et picaresque de la peinture de Velázquez autour de ses scènes de cuisine et de taverne, en insistant particulièrement sur les concepts de variation et de déclinaison des motifs. Autour de 1620, le style du peintre évolue vers un caravagisme plus franc. Cette période correspond aux premiers contacts de l’artiste avec Madrid et la peinture qu’on y trouve et qui s’y produit. Cette partie de l’exposition, assurant la transition entre les années de formation à Séville et la première époque madrilène, présente ainsi les œuvres du peintre parmi celles de ses contemporains, espagnols ou italiens, qui partagèrent cette adhésion à une peinture plus « moderne ». Enfin, les débuts du peintre à la cour voient évoluer sa conception du portrait, passant d’un naturalisme bouillonnant à des formules plus froides et solennelles en accord avec la tradition du portrait de cour espagnol.

Tournant important de son art comme de sa carrière, le premier voyage en Italie de l’artiste est illustré par des œuvres qui pourraient avoir été exécutée à Rome ou immédiatement à son retour (Vue des jardins de la Villa Médicis, Rixe devant une auberge…). Ces chefs-d’œuvre de la première maturité offrent en outre l’occasion d’aborder un aspect peu exploré de son œuvre : le paysage. Stimulé par l’exemple de Rubens, Velázquez confère une fraîcheur et une liberté aux arrières plans de ses portraits en extérieur réalisés pour les différentes résidences royales. La partie centrale de cette deuxième section est consacrée à la figure de Balthazar Carlos. Fils chéri et héritiers attendu de la Couronne, il incarne tous les espoirs dynastiques des Habsbourg d’Espagne au moment où le règne de Philippe IV est lui-même à son apogée. A mi-parcours, l’exposition s’arrête sur la peinture mythologique, sacrée et profane de Velázquez dont la Vénus au miroir constituera le point d’orgue.

La troisième et dernière partie est dédiée à la dernière décennie du peintre et à son influence sur ceux que l’on appelle les vélazquésiens (velazqueños). Cette section consacre largement l’importance du peintre en tant que portraitiste, à la Cour de Madrid dans un premier temps, puis à Rome autour du pape Innocent X à l’occasion de son second voyage italien. A cette occasion seront évoqués deux de ces collaborateurs importants et demeuré dans l’ombre du maître : l’Italien Pietro Martire Neri et Juan de Pareja, esclave affranchi et assistant du peintre.

Il s’agit enfin de présenter les derniers portraits royaux exécutés par le maître espagnol, en regard de ceux de son gendre et plus fidèle disciple : Juan Bautista Martinez del Mazo. Une salle, dédiée à ce dernier, témoigne des derniers feux du styles de Velázquez, autour du tableau de La Famille du peintre de Vienne et de la version réduite des Ménines de Kingston Lacy, avant que d’autres influences, celle de Van Dyck notamment, ne s’exerce sur les peintres de la génération suivante dont le plus virtuose, Carreño de Miranda, nous livre les impressionnantes dernières images des derniers Habsbourg d’Espagne.

Cette exposition est organisée par la Réunion des musées nationaux - Grand Palais et le musée du Louvre, Paris en collaboration avec le Kunsthistorisches Museum, Vienne. Une première étape de la manifestation, dans un format réduit, a été présentée à Vienne, au Kunsthistorisches Museum, du 28 octobre 2014 au 15 février 2015

Commissaire d'exposition : Guillaume Kientz, conservateur au département des Peintures du musée du Louvre.

Publications aux éditions de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, Paris 2015 :
• catalogue de l’exposition, 24,5 x 29 cm, 432 p., 300 ill., 49 €
• album de l’exposition, 21 x 26,5 cm, 48 p., 40 ill., 10 €
• Velázquez l’Expo, 15 x 20 cm, 304 p., 120 ill., 18,50 €
• le film de l’exposition, réalisé par Karim Aïnouz, 52 mn, 19,95 €

Informations et réservations :
www.grandpalais.fr

February 19, 2015

Les Bas-fonds du Baroque : La Rome du vice et de la misère, Petit Palais, Paris

Les Bas-fonds du Baroque : La Rome du vice et de la misère 
Petit Palais, Paris
24 février - 24 mai 2015

L’exposition « Les Bas-fonds du Baroque, la Rome du vice et de la misère » invite le public à découvrir, dans les Grandes Galeries du Petit Palais, le visage sombre et violent de la Rome baroque du XVIIe siècle, souvent célébrée pour ses fastes et sa grandeur, symboles du triomphe de la Papauté.

Theodoor Rombouts
Theodoor Rombouts, La Rixe, 1620-1630
150 x 241 cm, Statens Museum for Kunst, Copenhagen

Près de 70 tableaux évoquent l’univers clandestin et interlope de la capitale représentant un aspect inédit de cette étonnante production artistique romaine du Seicento, de Manfredi à Nicolas Régnier. Présentée à la Villa Medicis à l’automne 2014, l’exposition du Petit Palais est enrichie de nouveaux prêts prestigieux. Pour la première fois en France, est présentée cette « Rome à l’envers », au sein de laquelle s’épanouissent le vice, la misère et les excès de toutes sortes.

Grâce à des prêts exceptionnels de collections privées et de grands musées internationaux comme la National Gallery de Londres, le Nationalmuseum de Stockholm, la National Gallery d’Irlande, le Louvre, la Galerie Borghèse, le Palazzo Barberini, le Rijksmuseum d’Amsterdam entre autres, le public découvrira les œuvres de grands peintres caravagesques, des Bamboccianti et des principaux paysagistes italianisants. L’exposition réunit des artistes venus de toute l’Europe : de France comme Valentin de Boulogne, Simon Vouet, Nicolas Tournier, Claude Lorrain, des peintres de l’Europe du Nord tels Pieter Van Laer, Gerrit van Honthorst, Jan Miel ou du sud comme Bartolomeo Manfredi, Lanfranco, Salvator Rosa ou Jusepe de Ribera. Leur production artistique a alors comme point commun de dépeindre une Rome du quotidien privilégiant la vision « d’après nature » plutôt que celle louant le « beau idéal ». Ils participent à la vie nocturne de la cité et trouvent dans ses bas-fonds, ses tavernes, dans ce monde de misère, violent et grossier, où l’on boit et où l’on joue, une source inépuisable d’inspiration. Bon nombre de ces artistes, ceux venant d’Europe du Nord, se retrouvent au sein d’une société secrète, la « Bentvueghels » (les « Oiseaux de la bande »), placée sous la protection de Bacchus, dieu du vin et de l’inspiration artistique. Une vie de Bohême dont les peintres livrent parfois aussi des représentations empruntes de mélancolie, tirant des bas-fonds des toiles sublimes.

Le parcours de l’exposition évoque grâce à une scénographie spectaculaire du metteur en scène et scénographe italien Pier Luigi Pizzi, la dualité de la Rome de cette époque, entre la violence de ses bas-fonds et les fastes des palais de la Papauté.

Une application mobile est également disponible pour découvrir l’exposition grâce à une interview d’Annick Lemoine et de Pier Luigi Pizzi, à une sélection d’œuvres commentées ainsi que d’un jeu de piste.

Commissariat de l'exposition : Francesca Cappelletti, commissaire scientifique, professeur à l’université de Ferrare, Annick Lemoine, commissaire scientifique, chargée de mission pour l’histoire de l’art à l’Académie de France à Rome-Villa Médicis, maître de conférences des universités, Christophe Leribault, directeur du Petit Palais.

Petit Palais - Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris
www.petitpalais.fr

February 16, 2015

Paul Gauguin, Fondation Beyeler, Bâle

Paul Gauguin 
Fondation Beyeler, Bâle 
Jusqu'au 28 juin 2015 

Paul Gauguin (né en 1848 à Paris ; mort en 1903 à Atuona sur l’île d’Hiva Oa, Polynésie française), le peintre d’un monde exotique et radieux, doit sa place dans l’histoire de l’art à ses représentations somptueusement colorées des îles des mers du Sud. Ses oeuvres novatrices comptent parmi les icônes de l’art moderne. Par leurs couleurs « pures » et éclatantes et par leurs formes planes, elles ont révolutionné l’art et joué un rôle déterminant pour les artistes modernes de la génération suivante. Avant Gauguin, aucun artiste ne s’était consacré à une quête aussi acharnée du bonheur et de la liberté, tant dans sa vie que dans son art. C’est également une des raisons de son immense popularité, demeurée intacte jusqu’à ce jour.

Paul Gauguin
Autoportrait à la palette, vers 1893/94
Huile sur toile, 92 x 73 cm
Collection particulière

Paul Gauguin a déjà 35 ans quand il décide de renoncer à son existence de courtier en bourse et en assurances pour se consacrer entièrement à la peinture. Le bourgeois se transforme alors en bohème. Au cours de la petite vingtaine d’années qui suit, il produit une oeuvre d’une richesse et d’une diversité extrêmes, où peintures et sculptures côtoient dessins, gravures et écrits.

À travers des chefs-d’oeuvre uniques provenant des plus grands musées et des plus remarquables collections particulières du monde, l’exposition de la Fondation Beyeler se concentre sur la période de maturité de Gauguin, celle où l’artiste a trouvé son style personnel. Après les oeuvres novatrices réalisées en Bretagne, le parcours se poursuit par les célèbres tableaux qu’il peint en Polynésie d’abord à Tahiti, puis dans l’archipel des Marquises. Ce sont ces oeuvres qui font découvrir, mieux que toutes autres, les innovations formelles et la diversité de contenu du langage pictural expressif de Gauguin. Si la peinture unique de Gauguin occupe le centre de cette exposition, sa sculpture inspirée de la culture maohie se voit également accorder une place importante, un certain nombre d’oeuvres clés engageant ainsi un dialogue avec ses célèbres toiles. Sur le plan du contenu, l’accent est porté sur le traitement novateur de la figure et du paysage, lesquels entretiennent une interaction harmonieuse dans l’univers pictural de Gauguin.

Dégoûté par les milieux artistiques parisiens, Paul Gauguin décide d’explorer la Bretagne, plus proche de la nature, espérant y trouvant de nouvelles impulsions artistiques. Lors de son deuxième séjour dans le village breton de Pont-Aven, au début de 1888, il met au point son style personnel, dénommé « synthétisme ». Il y utilise des couleurs pures et lumineuses qui entretiennent de puissants contrastes, et juxtapose des formes clairement délimitées, accentuant la planéité du tableau. À la différence des impressionnistes, Gauguin ne cherche plus à reproduire la surface perceptible de la réalité : il se met en quête d’une vérité plus profonde, au-delà du visible. Un groupe d’artistes, connu sous le nom d’« École de Pont-Aven », se rassemble alors autour de lui. En Bretagne, Gauguin peint des paysages idylliques et des scènes de la vie rurale, des représentations sacrées véritablement novatrices et des autoportraits complexes, qui révèlent l’artiste sous diverses facettes.

Paul Gauguin
La Vision du sermon, 1888
Huile sur toile, 72,2 x 91 cm
Scottish National Gallery, Édimbourg

Toujours en quête d’authenticité et bien décidé à poursuivre sa démarche artistique, Paul Gauguin décide d’émigrer à Tahiti en 1891. Il croit trouver sur cette île du Pacifique un paradis tropical intact, où il pourra se développer librement en tant qu’artiste. Mais il constate rapidement que la réalité tahitienne est loin de correspondre à ses images idéalisées ; en effet, la colonisation et la christianisation ont déjà largement détruit le « paradis » qu’il espérait trouver. Gauguin cherche à compenser cette déception à travers son art, dans lequel il célèbre la beauté exotique rêvée des paysages polynésiens et de leur population indigène dans des toiles aux couleurs somptueuses et dans des sculptures remarquablement expressives, s’inspirant également des mythes et du langage iconographique des peuples océaniens.

Paul Gauguin
Aha oe feii?, 1892
Eh quoi! tu es jalouse?
Huile sur toile, 66 x 89 cm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou
Photo : © Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou

Des raisons financières et des problèmes de santé obligent Paul Gauguin à quitter Tahiti en 1893 pour regagner la France. Cependant, le public parisien ne lui accordant pas le succès espéré, il décide de regagner Tahiti dans le courant de l’été 1895. Il y réalise de nouvelles oeuvres marquantes dans lesquelles il célèbre son image idéale d’un monde intact et en même temps mystérieux, accédant ainsi à une perfection suprême. Accablé par les difficultés de l’existence et par son état de santé délabré, et désespéré par la mort prématurée de sa fille Aline, Gauguin fait une tentative de suicide dont les conséquences le feront longtemps souffrir. Pendant ce temps, le monde artistique commence enfin à prêter attention à son oeuvre, ce qui lui permet de conclure en 1900 avec le galeriste parisien Ambroise Vollard un contrat lui assurant un certain revenu.

Paul Gauguin se sent de moins en moins à l’aise à Tahiti : il trouve l’île trop européenne et la vie y est devenue trop chère. Il recherche également de nouvelles impressions artistiques. Il se rend alors en 1901 sur l’île d’Hiva Oa dans l’archipel des Marquises, à 1500 kilomètres de Tahiti, et qui passe pour plus sauvage encore. Malgré sa santé délabrée, sa profonde désillusion et des déconvenues de toutes sortes, il réalise encore au cours de ce deuxième séjour dans le Pacifique des oeuvres qui célèbrent la richesse culturelle et la beauté naturelle de la Polynésie dans une perfection suprême allant jusqu’à la transfiguration. Aux Marquises, comme il l’avait déjà fait à Tahiti, Gauguin prend également fait et cause pour la population indigène, ce qui lui vaut des démêlés avec l’administration coloniale, qui aboutissent à sa condamnation à une amende et à une peine de prison. Avant que ce jugement ait pu être appliqué, Paul Gauguin meurt, le 8 mai 1903, à 54 ans, malade, solitaire et démuni sur l’île d’Hiva Oa, où sa tombe se trouve encore aujourd’hui.

Associant sérénité rayonnante et sombre mélancolie, les tableaux de Paul Gauguin sont tout à la fois séduisants et énigmatiques. Ils nous livrent un récit fascinant de l’aspiration à un paradis terrestre perdu, d’une vie d’artiste tragique, mouvementée, toujours en voyage entre les cultures, déterminée par la joie et le désespoir, la passion et l’esprit d’aventure. Tiraillé entre une utopie rêvée et la dure réalité, Gauguin était sans doute condamné à l’échec, mais son refus de tout compromis et la singularité absolue de son oeuvre 
ont fait de lui un mythe intemporel.

Cette exposition a pu être réalisée grâce à l’exceptionnel soutien de : Hansjörg Wyss, Wyss Foundation, Beyeler-Stiftung, Walter Haefner Stiftung, L. + Th. La Roche Stiftung, Novartis, Stavros Niarchos Foundation, Dr. Christoph M. et Sibylla M. Müller

FONDATION BEYELER
www.fondationbeyeler.ch

February 15, 2015

Jessica Todd Harper: The Home Stage @ The Print Center, Philadelphia

Jessica Todd Harper: The Home Stage 
The Print Center, Philadelphia 
Through March 28, 2015

The Print Center opens its Centennial year with Jessica Todd Harper: The Home Stage, the first solo exhibition in Philadelphia by the renowned photographer (b. 1975, Merion, PA). The exhibition coincides with the release of her second monograph of the same name (Damiani Editore).

Jessica Todd Harper 
The Home Stage
Published by Damiani Editore (2015)
Foreword by Alain de Botton, text by Alison Nordstöm

The Home Stage continues Harper's photographic investigation into her own life and extended family, as well as the families of friends and other acquaintances. In many of her images we see Harper with her three young children and husband in scenes that writer Alain de Botton describes as showing "ordinary life in the family, an especially poignant subject, because marriage and life with children are always buffeted and frustrated by inescapable difficulties." Harper herself has said that the work grew out of an "overwhelming sense that when we became parents, Chris and I had entered into an alternate and strange world." 

Jessica Todd Harper's figures are captured in images suffused with gorgeous light recalling the work of painters from other centuries, including Whistler, Sargent and Vermeer. Photography curator Alison Nordström has written that while Harper's works are "casual in their framing, composition and content, they offer the initial impression that the viewer is a fly on the wall, accidentally observing the most intimate of interactions. In fact these images are carefully thought out, planned, and constructed." The Home Stage presents a world that is both deeply personal and deftly orchestrated.  

Jessica Todd Harper has had recent solo exhibitions at Rick Wester Fine Art, New York, NY; Galerie Confluence, Nantes, France; Cohen Amador Gallery, New York, NY; and The Museum of Art, Ball State University. Her work has also been included in recent group exhibitions at the Portland Art Museum, Portland, OR; Gallery 339, Philadelphia, PA; The George Eastman House International Museum of Photography and Film, Rochester, NY; Philadelphia Photo Arts Center, Philadelphia, PA; New Orleans Museum of Art, New Orleans, LA; and Corcoran Gallery of Art, Washington, DC. Harper's work is held in the collections of The Museum of Fine Arts, Houston, TX; Allentown Art Museum, Allentown, PA; Haverford College, Haverford, PA and the Photo Center NW, Seattle, WA. Harper earned her BA from Bryn Mawr College, Bryn Mawr, PA and her MFA from the Rochester Institute of Technology, Rochester, NY. 

This exhibition was awarded from The Print Center's 88th Annual International Competition, juried by Julia Dolan, Minor White Curator of Photography, and Bruce Guenther, Chief Curator, Mercedes Eichholz Curator of Modern and Contemporary Art, both of the Portland Art Museum, Portland, OR.

The Print Center

Peter Doig, Fondation Beyeler, Bale

Peter Doig
Fondation Beyeler, Bâle
Jusqu'au 22 mars 2015

Peter Doig est chez lui dans de nombreux univers. Né à Edimbourg en 1959, il n’avait que deux ans quand sa famille est partie pour Trinidad avant de déménager une nouvelle fois cinq ans plus tard, au Canada, cette fois. Aujourd’hui, Doig partage sa vie entre Trinidad, Londres et New York, tout en enseignant à la Kunstakademie de Düsseldorf. C’est un artiste extrêmement polyvalent, qui maîtrise différentes techniques et multiplie les expériences, notamment dans son oeuvre gravée. Ses toiles, généralement de grand format, séduisent par la densité de leur atmosphère en même temps que par l’intensité de leurs couleurs et de leur luminosité. Peu d’artistes contemporains savent aussi bien que Peter Doig jeter un pont entre l’art moderne et l’art contemporain tout en anticipant l’avenir.

Peter Doig est particulièrement à l’écoute des sensibilités de notre monde, qu’il exprime à travers son art. Dans ses tableaux, le temps paraît s’écouler à un autre rythme que dans la vie réelle, il semble se dérouler plus lentement, s’arrêter même, se rapprochant ainsi du rêve, de l’hallucination, de la méditation ou des effets spéciaux du cinéma. Cette impression est encore renforcée par les différents états de fluidité qu’adopte sa peinture. De même, ce qui se passe dans les tableaux de Doig n’est pas facile à définir temporellement. Le rapport au présent s’estompe dans la déperdition de soi des personnages, dans le jeu des reflets dans l’eau et dans l’intemporalité de la nature.

Le plus souvent, les idées picturales de Peter Doig se rattachent à des fragments de notre présent : photographies de famille, coupures de presse, images de films. Ceux-ci donnent l’impulsion à des toiles qui réalisent un collage si habile d’éléments qu’il en résulte une composition cohérente et pleine de tension, se dérobant à toute tentative d’élucidation. Ses toiles, aux dimensions souvent imposantes, créent une impression à la fois familière et mystérieuse, tout en restant indécises, évoquant des séquences oniriques ou cinématographiques concentrées.

Les oeuvres de Peter Doig sont autant d’expéditions fantastiques dans un monde merveilleux. La nature qui s’y épanouit en couleurs somptueuses est peuplée de créatures étranges humains, figures de carnaval ou êtres fabuleux. Malgré cette beauté ensorcelante et cette mélancolie onirique, il ne s’agit pas ici de l’ébauche d’un Paradis. Partout se dissimulent des ombres et des abîmes, en même temps que la solitude, le lugubre, le danger, la peur et l’égarement qui menacent les individus dans leur prétendue idylle. Cet art associe étroitement réalité et absurde, et l’on y perçoit parfois le frémissement sous-jacent d’un souffle d’ironie typiquement britannique. La peinture aussi mystérieuse que magistrale de Peter Doig en fait l’un des artistes les plus intéressants de notre temps.

Peter Doig est parfaitement conscient de la grande tradition dans laquelle il s’inscrit : il se réfère à des peintres tels que Gustave Courbet, Edvard Munch, Pierre Bonnard, Francis Bacon et plus particulièrement encore Paul Gauguin, la représentation de paysages tropicaux n’étant pas le seul point commun qui le lie à ce dernier. La profonde connaissance qu’il a de cet héritage pictural se révèle notamment dans la composition de ses tableaux, le choix des couleurs ou ses techniques picturales. Ce qui n’empêche pas Doig d’être fermement ancré dans le présent.

L’exposition de la Fondation Beyeler présente un choix d’oeuvres réalisées par l’artiste entre 1989 et 2014. Cet aperçu de la création de Peter Doig n’est pas ordonné chronologiquement mais en fonction de centres d’intérêt, le traitement de la couleur, tout à la fois moyen esthétique et matériau, occupant en l’occurrence le premier plan.

Le parcours s’ouvre sur ses tableaux emblématiques et nostalgiques de mondes exotiques, dont les représentations de canoë constituent des illustrations exemplaires. Ses tableaux reproduisant une peinture murale et construits de manière géométrique et tectonique nous rappellent que peindre, c’est travailler avec la surface du fond pictural. Les oeuvres dominées par le traitement de la couleur blanche dépassent la représentation de scènes hivernales. Ce sont également des tentatives pour débattre avec sa propre existence, « pour comprendre ce que vivre dans son propre univers de représentation veut dire », comme l’a formulé Doig à propos de l’oeuvre centrale qu’est Blotter (1993). Le blanc, qui se pose tel un rideau sur un fond qui n’est que partiellement visible, fait l’effet d’une trame empêchant le spectateur de se repérer dans l’image.

Les très célèbres tableaux de la série Concrete Cabin de la première moitié des années 1990 constituent peut-être un des meilleurs regards rétrospectifs peints sur l’art moderne : le spectateur a l’impression d’observer à travers l’écran d’une forêt, autrement dit d’une structure naturelle, la structure technique de la modernité architecturale, l’« Unité d’Habitation » de Le Corbusier à Briey, en Lorraine.

Des représentations d’apparitions quasi spectrales, constituées de différentes couches de couleur diluée et dont l’effet est absolument monumental (Man Dressed as Bat, 2007), sont placées en vis-àvis de travaux plus récents, dont l’intensité chromatique est encore accrue. (Spearfishing, 2013). En outre, l’oeuvre gravée expérimentale de Doig est ici présentée pour la première fois dans le cadre d’une exposition. Ces créations revêtent une fonction majeure dans son processus de travail, dans la mesure où elles naissent souvent avant les peintures proprement dites. Doig teste dans ces estampes les différentes ambiances qu’il cherche à transmettre dans ses grands formats. Le tableau achevé constitue ainsi en quelque sorte le dernier état d’une estampe.

Peter Doig est un homme d’une infinie curiosité, qui associe ses souvenirs d’observations personnelles à des archives photographiques considérables comprenant aussi bien des scènes de tous les jours que des innovations esthétiques. Observations quotidiennes, archives iconographiques et expérience pratique à l’atelier : ces trois voies d’exploration se fondent dans l’art de Doig. Sa curiosité lui inspire d’étranges expériences visuelles : il recouvre ainsi des couleurs éclatantes de lasures sombres, noirâtres (Concrete Cabin, 1991/92) ou applique de fines couches blanches, qui assourdissent paradoxalement l’atmosphère générale de la toile (Ski Jacket, 1994).

Peter Doig est un observateur incroyablement concentré, et souvent ironique : en tant qu’auteur de ses inventions visuelles, il y occupe évidemment une position centrale. Ce qui ne l’empêche pas de se poser en même temps en spectateur étranger, en marge, ouvert aux effets de surprise que recèle la couleur diluée par des solvants ou épaissie en une pâte couvrante. Il suit le déplacement du centre optique, tout en le gouvernant : il accorde une attention égale au « caractère » d’une figure, aux dessins muraux décoratifs ou aux voiles lumineux végétaux et atmosphériques, qui prêtent à ses environnements picturaux des qualités tout à fait singulières.

Peter Doig remarque que la réaction sensorielle, instinctive même, à telle ou telle toile peut varier selon les personnes, car la contemplation d’une peinture est un processus complexe qui ne se limite pas à une action unique : « Dans les peintures – par opposition aux images, quoi que puisse être une image – il me semble que regarder, regarder à travers (« looking-through ») et mettre au point sont absolument essentiels [de la part du spectateur] » Le peintre souligne que ce qui compte pour lui, ce n’est pas « peindre quelque chose de figé mais représenter le mouvement de l’oeil. L’oeil ne voit jamais une “image immobile”. »

En raison de son aspect primaire de sa « matérialité » fondamentale, la sphère de sensation de la peinture s’étend au-delà de chaque image, et même au-delà des images technologiquement au point et diffusées à l’infini de notre temps. Après des milliers d’années d’histoire, la peinture conserve un lien originel avec toute la gamme des sentiments humains, de l’intelligence et de l’évolution de l’homme. Quant à nous, spectateurs, nous perdons le fil narratif en regardant ses oeuvres. Nous perdons notre place dans la culture, notre monde de significations secondaires, détournées, même si nous conservons les bases de l’association conceptuelle. Cette perte est un gain : nous gagnons l’accès à l’expérience originelle, quand bien même celle-ci continue à se dérober à notre connaissance.

Peter Doig réalise spécifiquement pour cette exposition et pour la Salle Renzo Piano de la Fondation Beyeler une peinture murale monumentale avec la collaboration de ses élèves. Elle repose sur House of Pictures (Carrera) de 2004, une oeuvre qui traite du thème de la vision ou ouvre des aperçus imaginés sur un monde imaginé avec, à l’arrière-plan, la silhouette de l’île prison de Carrera, située au large de Trinidad.

La Fondation Beyeler remercie Steven A. and Alexandra M. Cohen Foundation; David Teiger; LUMA Foundation; Max Kohler Stiftung; Tarbaca Indigo Foundation; Noam Gottesmann et Walter Haefner Stiftung pour leur généreuse contribution à l’exposition.

Peter Doig
Catalogue de l'exposition

A l’occasion de l’exposition « Peter Doig », la Fondation Beyeler publie un catalogue en allemand et en anglais avec un tiré à part en français. L’édition commerciale est éditée par Hatje Cantz Verlag, Ostfildern. Ce catalogue abondamment illustré contient des contributions d’Ulf Küster et de Richard Shiff. 176 pages, 177 reproductions, Prix : 62.50 CHF (ISBN 978-3-7757-3868-2, édition anglaise : 978-3-7757-3869-9). Ce catalogue est également disponible en ligne à la Boutique de la Fondation Beyeler, sous shop.fondationbeyeler.ch

FONDATION BEYELER

February 10, 2015

James Capper @ Paul Kasmin Gallery, New York

James Capper, Mountaineer
Paul Kasmin Gallery, New York

February 12 – March 14, 2015


James Capper
James Capper
Mountaineer Tooth P, Mountaineer Tooth Q, Mountaineer Tooth M, 2015
Steel, 62.2 x 30.8 x 9.7 in/157.9 x 78.2 x 24.6 cm; 46.5 x 28.3 x 9.7 in/118.1 x 71.8 x 24.6 cm; 37.3 x 35.7 x 9.7 in/94.7 x 90.7 x 24.6 cm.
Courtesy of Damian Griffiths

Paul Kasmin Gallery announces the opening of Mountaineer, a solo exhibition of new sculptures and works on paper by London-based artist JAMES CAPPER, on view at 297 Tenth Avenue from February 12 – March 14, 2015. This is the artist’s first solo exhibition in the US and first with Paul Kasmin Gallery.

Mountaineer will feature a selection of imposing, welded-steel sculptures from the artists’ series of Mountaineer Teeth. Capper’s works follow the legacy of early Earthworks by Michael Heizer, Dennis Oppenheim and Robert Smithson whereby abstract changes to the land are reflective of human engagement with the environment. However, in Capper’s large-scale public installations this idea is accentuated by an emphasis on the role of man-made machinery’s affect on the landscape. The exhibition also includes several illustrative works on paper, which relate to the artist’s realized and theoretical “Earth-Marking” machines. In Cabs for Step Type Markers, 2012, alternating designs for a future mechanism are worked out in the artist’s characteristically loose, playful manner – adding a humanistic element to an otherwise industrial entity.

Over the last decade, Capper has created a population of his human-operated machines designed to interact with specific forms of natural terrain. They are often outfitted with interchangeable components, which allow for a variety of earth-markings to be left as evidence of such performative interactions. The ongoing evolution of these apparatus’ has been similarly chronicled in Capper’s recent solo exhibitions: Divisions, Yorkshire Sculpture Park, UK (2013) and Tools of the Trade, Hannah Barry Gallery, London (2015). Capper will unveil a new monumental machine later this year as part of a commission by the Cass Sculpture Foundation in Goodwood, UK.

JAMES CAPPER was born in 1987 in London. He received his B.A. in Sculpture from the Chelsea College of Art and Design and his M.A. from the Royal Academy of Art, London, where he was presented with the Jack Goldhill Award for Sculpture. Capper’s works have been included in recent important exhibitions at the Kunstlerhaus Bethanien, Berlin; The Moving Museum, Dubai; The Saatchi Gallery, London; and the Victoria and Albert Museum, London. He lives and works in London, UK.

Paul Kasmin Gallery
www..paulkasmingallery.com

February 8, 2015

Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974–2014 at Solomon R. Guggenheim Museum, NYC

Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974-2014 
Solomon R. Guggenheim Museum, NYC March 13 - June 3, 2015

From March 13 to June 3, 2015, the Solomon R. Guggenheim Museum will present the first comprehensive exhibition in the United States of the celebrated Iranian artist Monir Shahroudy Farmanfarmaian (b. 1924). In recognition of a lengthy career, Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974–2014 focuses on the faceted mirror sculptures and corresponding geometric drawings Monir has produced over the past forty years. The majority of the selected works in this exhibition are from the artist’s own collection, and many have never been shown to the public.

MONIR SHAROUDY FARMANFARMAIAN 
Untitled, 2012. 
Felt-tip pen on paper, 70 x 100 cm. 
Collection of the artist, courtesy The Third Line, Dubai 
© Monir Shahroudy Farmanfarmaian. 
Photo: Courtesy of the artist and The Third Line, Dubai

Monir’s rich body of work references Persian architectural and decorative tradition, the mathematical basis of geometric forms in Islamic pattern, and Sufi cosmology. When considered along with the Guggenheim’s historical commitment to abstraction and internationalism, the exhibition offers a timely opportunity to examine Monir’s rich body of work in its own right and as part of an increasingly transnational perspective on artistic production and its reception.

Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974–2014 is organized by the Serralves Museum of Contemporary Art, Porto, Portugal, where it was on view in fall 2014 before traveling to New York. The exhibition is curated by Suzanne Cotter, Director, Serralves Museum of Contemporary Art, Porto, and former Curator, Abu Dhabi Project, Solomon R. Guggenheim Foundation, with assistance from Karole Vail, Associate Curator, Solomon R. Guggenheim Museum, for its New York presentation.

The Leadership Committee for Infinite Possibility is gratefully acknowledged for its support, with special thanks to Simin N. Allison, Maryam Eisler, The Soudavar Memorial Foundation, Mohammed Afkhami, Patricia and Alexander Farman-Farmaian, Haines Gallery, Yasmine Nainzadeh and Sara Nainzadeh, Nazgol and Kambiz Shahbazi, and The Third Line.

MONIR SHAROUDY FARMANFARMAIAN
Mirror Ball, 1973
Mirror on plaster ball, 19 x 19 x 19 cm
Collection of Nima Isham, Montana
© Monir Shahroudy Farmanfarmaian
Photo: Filipe Braga 
© Fundação de Serralves–Museu de Arte Contemporânea, Porto, Portugal

Monir Shahroudy Farmanfarmaian: Infinite Possibility. Mirror Works and Drawings 1974–2014 includes early wood, plaster, and mirror reliefs, a series of large-scale geometric mirror sculptures, and an impressive body of works on paper, focusing on a sculptural and graphic oeuvre developed over a period of more than forty years. The presentation reveals how the compositional principles used by the artist during this period were translated into large-scale commissions, including a series of etched glass doors created for a New York townhouse in the early 1980s. A selection of previously unseen abstract works on paper produced between 1974 and 2014 reveals the central role of drawing as a conceptual foundation for Monir’s sculptural practice. The artist’s ambitious mirror sculptures, known as “geometric families,” which she produced in the last decade since reinstating her studio in Tehran, will also be on view. Monir’s prolific body of work is characterized by the merging of visual and spatial experience and a distinctive approach to abstraction, coupled with the aesthetic tradition of Islamic architecture and decoration, allowing for, in the artist’s own words, “infinite possibility.”

MONIR SHAROUDY FARMANFARMAIAN 
Untitled, 1980
Felt-tip pen and colored pencil on paper, 63 x 44.5 cm
Collection of the artist
© Monir Shahroudy Farmanfarmaian
Photo: Courtesy of the artist

Born in Qazvin, Iran, in 1924, MONIR SHAROUDY FARMANFARMAIAN attended the Fine Arts College of Tehran before moving to New York in 1945, where she studied at Cornell University and at Parsons School of Design and worked as a freelance illustrator for Vogue and as a graphic designer. These formative years in New York served as a sort of apprenticeship for Monir, who spent time alongside fellow artists Milton Avery, Willem de Kooning, Joan Mitchell, Louise Nevelson, Barnett Newman, and later Andy Warhol, among others. Notably, during her time in New York, Monir visited the Guggenheim in its founding locations and was present at the 1956 groundbreaking for the Frank Lloyd Wright–designed museum building on Fifth Avenue. She returned to Iran in 1957 and journeyed across the country, further developing her artistic sensibility through encounters with traditional craftsmanship. Indigenous art forms such as Turkoman jewelry and clothing, coffee house paintings (a popular form of Iranian narrative paintings), and the technique of reverse-glass painting influenced her work, resulting in a productive period of artistic discovery and breakthrough that culminated in a series of commissions in Iran and exhibitions in Europe and the United States, including presentations at Galerie Denise René in Paris and New York. The Islamic Revolution in 1979 marked the beginning of Monir’s twenty-six-year exile in New York, during which she focused on drawing, collage, and a few commissions, and also returned to carpet and textile design. In 2004, when she finally returned to Iran, she reestablished her studio there and resumed working with some of the same craftsmen she had collaborated with in the 1970s.

Monir Shahroudy Farmanfarmaian in her studio working on Heptagon Star, Tehran, 1975
Photo: Courtesy of the artist and The Third Line, Dubai

Monir Shahroudy Farmanfarmaian has been the subject of solo exhibitions at the Italian Institute, Tehran (1968); Jack Kaplan Gallery, New York (1975); the Kennedy Center, Washington, D.C. (1976); the Iran American Society, Tehran (1976); Galerie Denise René, New York and Paris (1977); the Victoria and Albert Museum, London (2007); and Leighton House Museum, London (2008). Her work has also been featured in a number of group exhibitions, including the first Tehran Biennial (1958); the Venice Biennale (1958, 1964, 1966, and 2009); Gold, The Museum of Modern Art, New York (1978–79); Living Traditions: Contemporary Art from Afghanistan, Iran, and Pakistan, Queen’s Palace, Bagh-e Babur, Kabul (2008); The Power of Ornament, Lower Belvedere, Orangery, Vienna (2009); Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, Brisbane (2009–10); There is always a cup of sea to sail in, São Paulo Biennial (2010); and Jef Guys/Monir Shahroudy Farmanfarmaian: The world as seen through a Pelican in Plexi, Wiels, Brussels (2013).

Monir Shahroudy Farmanfarmaian’s works are found in numerous public collections, including the Metropolitan Museum of Art, New York; Queensland Art Gallery, Brisbane; Tate, London; and the Victoria and Albert Museum, London. Several of the artist’s extant works from the 1970s are in the collection of the Tehran Museum of Contemporary Art. Major commissions include installations at King Abdulaziz International Airport in Jeddah, Saudi Arabia, Dag Hammarskjöld Tower in New York, and the Niavaran Cultural Center in Tehran

Solomon R. Guggenheim Museum, NY