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Art Exhibitions, Art Fairs, Visual Arts, Photography, Graphic Arts, Design, Video Art, Architecture, Films, Photo / Imaging Equipments, Publications


January 27, 2014

Art Paris Art Fair 2014

Art Paris Art Fair 2014 


Du 27 au 30 mars 2014, ART PARIS ART FAIR réunit sous la nef du Grand Palais quelque 140 galeries internationales de 20 pays, présentant un panorama de l’art moderne et contemporain qui inclut également la photographie, le design et l’édition d’art.

La sélection 2014 affirme la nouvelle identité d’ART PARIS ART FAIR initiée il y a trois ans : celle d’être une foire européenne qui explore les territoires de l’Est (Europe centrale, Moyen Orient, Asie).

Aux galeries russes, mises à l’honneur en 2013, s’ajoutent aujourd’hui les galeries chinoises invitées d’honneur de l’édition 2014, embarquant dans leur sillage d’autres enseignes asiatiques comme Hua Gallery (Londres), Adler Subhashok Gallery (Bangkok), ou encore 313 Art Project (Séoul).

Bien que s’ouvrant davantage à l’international (50% de participation étrangère en 2014 contre 43% en 2013), ART PARIS ART FAIR revendique le soutien à la création européenne et française, qui constitue le socle de base de la foire. Du côté européen, on note l’arrivée de Feizi (Bruxelles), Ditesheim & Maffei Fine Art (Neuchâtel), Alessandro Bagnai (Florence) et le retour de Mario Mauroner (Vienne). Du côté français, les galeries Camera Obscura, Bertrand Grimont, font leur retour, tandis que font leur première entrée les galeries Françoise Besson (Lyon), In Camera (Paris), Françoise Livinec (Paris) et pour la partie design Jousse (Paris), Armel Soyer (Paris) et Galerie NeC (Paris).


LIU BOLIN 
Performance Camouflage, 2011
Courtesy Galerie Paris-Beijing (Paris, France)

Les 50 ans des relations France-Chine : La Chine invitée d’honneur

La Chine est l’invitée d’honneur de l’édition 2014 qui s’inscrit dans la commémoration des 50 ans des relations France – Chine.

ART PARIS ART FAIR met en lumière la richesse et le dynamisme de la scène chinoise moderne et contemporaine avec près de 90 artistes, de différentes générations, représentés aussi bien par dix galeries venues de Beijing, Shanghai et Hong Kong (Xin Dong Cheng, IFA, 10 Chancery Lane, Blindspot…) que par une vingtaine d’enseignes occidentales comme A2Z Art Gallery, Paris-Beijing, Loft, Daniel Templon…

Cette mise à l’honneur souligne également la présence constante des créateurs chinois à Paris, de Zao Wou Ki (Galerie Bogéna) et Chu Teh Chun (Galerie Patrice Trigano), proches de l’abstraction lyrique, à Wang Keping (Galerie Zürcher), fondateur du fameux « groupe des étoiles », ou encore Gao Xingjian, Prix Nobel de littérature et peintre, à qui la Galerie Claude Bernard consacre son stand. 

Site internet de Art Paris Art Fair : www.artparis.com

Laurence des Cars, Directrice du musée de l'Orangerie

Aurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la Communication a nommé Laurence des Cars au poste de Directrice du musée de l'Orangerie

Laurence des Cars, conservateur général du patrimoine, vient d'être nommée Directrice du musée de l’Orangerie par la ministre de la Culture et de la Communication, Aurélie Filippetti, sur proposition de Guy Cogeval, président de l’Etablissement public des musées d’Orsay et de l’Orangerie. Elle prend ses fonctions à compter du 7 janvier 2014 et succède ainsi à Marie-Paule Vial.

Laurence des Cars a également la responsabilité de la direction des expositions des musées d’Orsay et de l’Orangerie.

Directrice scientifique de l’Agence France-Muséums depuis juillet 2007, elle a été auparavant conservateur au musée d’Orsay de 1994 à 2007.

Spécialiste de l’art du XIXe siècle et du début du XXe siècle, Laurence des Cars a été commissaire de nombreuses expositions dont Édouard Vuillard (Washington, National Gallery of Art, musée des Beaux-Arts de Montréal, Paris, Galeries nationales du Grand Palais, Londres, Royal Academy of Art, 2003-2004); Gustave Courbet (Paris, Galeries nationales du Grand Palais, New York, The Metroplitan Museum of Art, Montpellier, musée Fabre, 2007-2008) ; Jean-Léon Gérôme (Los Angeles, Getty Museum, Paris, musée d’Orsay, Madrid, musée Thyssen, 2010-2011) ; Louvre Abu Dhabi, Birth of a museum (Abu Dhabi; Saadiyat Al Manarat, 2013).

Elle a notamment publié L’art français. Le 19ème siècle (1819-1905) (Flammarion, 2006), sous la direction d’Henri Loyrette, ancien Président-directeur du musée du Louvre, et en collaboration avec Sébastien Allard, conservateur au musée du Louvre. Elle a assuré la direction de l’ouvrage Louvre Abu Dhabi, naissance d’un musée (Flammarion, musée du Louvre), et sera l’un des commissaires de l’exposition « Louvre Abu Dhabi, naissance d’un musée » qui se tiendra au musée du Louvre d’avril à juillet 2014.

Jennifer Steinkamp, Lehmann Maupin, Hong Kong

Jennifer Steinkamp
Lehmann Maupin Hong Kong
February 13 - March 22, 2014

Lehmann Maupin Hong Kong presents an exhibition of new works by JENNIFER STEINKAMP. The Los Angeles-based artist has been working in digital media for over twenty years and is a pioneer in the field of 3D animation. Steinkamp's digitally rendered animations of natural phenomenon and movements are projected within architectural surroundings, resulting in immersive environments that blend awareness of the physical and ethereal and challenge the viewer's preconceived ideas of form and space. The artist’s first exhibition in Hong Kong, with two new works, furthers her exploration of space, perspective, and digital simulation of the natural world.

Jennifer Steinkamp
JENNIFER STEINKAMP 
Diaspore, 2014 
Video installation, dimensions variable. 
Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Diaspore, one of the two projections on display, depicts a collection of virtual tumbleweeds, self-propelled through a flat, white landscape. The renderings of the amalgamated shrubs, composed of sticks and leaves, are mesmerizing, mimicking the movements one would experience in nature in ways that are instinctually familiar. In this work, Jennifer Steinkamp references both the anatomy of the plant that disperses the seeds and spores, as well as the social phenomenon of diaspora. Drawing a connection between the dissemination of people and culture across the world and the plant’s ability to spread its seeds, Jennifer Steinkamp uses technology to link the natural and human worlds.

In addition, Jennifer Steinkamp will present Bouquet, portraying not a bouquet of flowers, but of fully-grown trees, gathered in an intricate arrangement. This large-scale projection upends the traditional notion of a delicate, floral bouquet, reimagining it as a dynamic, looming forest. Although the work is visually alluring, Bouquet continues Steinkamp’s approach to creating projections that are slightly disconcerting, forcing the viewer to reconsider their ideas about nature and their relationship to their immediate environment. Bouquet is also currently on view at the American Consulate in Guangzhou, China as part of the U.S. Department of State's Art in Embassies program.

Jennifer Steinkamp
JENNIFER STEINKAMP 
Bouquet 1, 2013 
Video installation, dimensions variable. 
Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York and Hong Kong 

This coming March, Jennifer Steinkamp’s major work Loop, from the Corcoran Gallery of Art's permanent collection, will be installed at the museum in Washington D.C. for the first time since 2000. The immersive work containing both audio and visual elements will seamlessly fill the museum's 43-foot diameter Rotunda gallery with an animation of multicolored looped lines undulating slowly as if blown by a slow breeze. 

Lehmann Maupin has represented Jennifer Steinkamp since 2004 and her work has been featured in five dedicated, single-artist exhibitions at the gallery’s New York locations (2004, 2005, 2006, 2008 and 2010). Steinkamp’s work confirms Lehmann Maupin’s commitment to artists working with cutting-edge technology and new media. 

JENNIFER STEINKAMP
Arriving to CalArts in Los Angeles to study motion graphics in 1984, Jennifer Steinkamp was influenced by the West coast art scene that had evolved since the 1970s into the Light and Space movement in addition to the next generation of artists experimenting with art and technology. She completed her BFA and MFA from Art Center College of Design, Pasadena, CA in 1989 and 1991 respectively. Recently, Steinkamp created a large-scale animated projection on the facade of the Contemporary Art Museum in St. Louis, providing new perspectives on the architectural structure. Other important recent exhibitions include the Museum of Contemporary Art, San Diego (2011); Museum of Fine Arts Houston (2012); Fabric Workshop and Museum in Philadelphia (2012); and the Joslyn Art Museum in Omaha (2013). In 2006, a retrospective of her work opened at the San Jose Museum of Contemporary Art and travelled to the Kemper Museum in Kansas City, Missouri and Albright-Knox Gallery in Buffalo, NY. Also in 2006, the Denver Art Museum commissioned an installation by the artist for its new Daniel Libeskind-designed building. Steinkamp's works was also included in the 8th Istanbul Biennial (2003) and the 11th Cairo International Biennial (2008). Her work is included in numerous public and private collections internationally, including The Chrysler Museum of Art, Virginia; Centro de Arte Contemporaneo de Malaga, Spain; Corcoran Gallery of Art, Washington D.C.; Hammer Museum, Los Angeles; Istanbul Museum, Turkey; Los Angeles County Museum of Art; Minneapolis Institute of Arts, Minnesota; Museum of Contemporary Art, North Miami; and Museum of Fine Arts, Houston.

Lehmann Maupin Hong Kong
407 Pedder Building, 12 Pedder Street Central, Hong Kong
www.lehmannmaupin.com

January 26, 2014

Jiang Shanqing, Art Paris Art Fair 2014, IFA Gallery

JIANG SHANQING
à ART PARIS ART FAIR 
27 - 30 mars 2014
Stand IFA Gallery

La Chine est l'invitée d'honneur de l'édition 2014 d'Art Paris Art Fair. Cette invitation, qui coïncide avec le cinquantième anniversaire de la reconnaissance de la Chine populaire par la France, met en lumière différentes générations d'artistes chinois représentés aussi bien par des galeries venues de Pékin, Shanghaï et Hong Kong que par des galeries occidentales. 

Jiang Shanqing
 JIANG SHANQING
(c) Jiang Shanqing / IFA gallery

Du 27 au 30 mars 2014, IFA GALLERY présente un accrochage représentatif de son attachement à la création artistique chinoise et révèle, aux côtés de ses artistes emblématiques, les œuvres récentes de Jiang Shanqing.

Quand la nouveauté rencontre la force de la tradition millénaire de l'art chinois, quel serait le résultat ?
Le travail de l'artiste Jiang Shanqing en donne un aperçu, en fusionnant si habilement la modernité des représentations et la tradition de l'encre et du papier de la Chine ancienne.

Aussi abstrait qu'en soit le motif, le monde visible y demeure toujours sous-jacent si bien qu'il conserve tout son pouvoir d'évocation. De même que dans certaines de ses calligraphies l'artiste déforme le signe jusqu'à ce que se perde sa signification mais lui conserve sa force de suggestion, à la façon d'un accord musical.

« Son geste d'encre vient de l'écriture. Certaines de ses œuvres sont des interprétations d'idéogrammes oubliés. Personne, sinon des savants lettrés pourraient en deviner le sens. Jiang Shanqing joue avec la sémantique et compose des poèmes visuels, dont le sens est uniquement plastique » commente Alin Avila, historien et critique d'art.

Jiang Shanqing
JIANG SHANQING
(c) Jiang Shanqing / IFA gallery

JIANG SHANQING

Jiang Shanqing, est né en 1961 à Haining dans la province de Zhejiang en Chine. On le dit « habité par une lutte intérieure entre rationalité et intuition ». Il vit à Pékin, partage son temps entre la Chine et son atelier parisien et expose un peu partout dans le monde.

Dans les années 1980, Jiang Shanqing s'initie aux techniques artistiques traditionnelles chinoises au sein de la Société des Graveurs de Sceaux de Xiling située à Hangzhou.

Il développe son savoir-faire auprès du Maître Qian Juntao (1906-1998), qui lui enseigne les différentes techniques: la calligraphie, la peinture, les techniques de découpage ainsi que la lithographie. Il y découvre également la littérature. Il puise dans les origines de l'écriture chinoise, un répertoire de formes traditionnelles et modernes.

Le Professeur Ian Robertson du British Sotheby's Institute of Art, expert réputé du marché de l'art contemporain chinois, considère Jiang Shanqing, comme l'un des meilleurs spécialistes de la peinture à l'encre de Chine au pinceau.

January 23, 2014

Charles Marville: Photographer of Paris at The Metropolitan Museum of Art

Charles Marville: Photographer of Paris 
The Metropolitan Museum of Art, New York 
January 29 - May 4, 2014 

Widely acknowledged as one of the most talented photographers of the 19th century, CHARLES MARVILLE (French, 1813–1879) was commissioned by the city of Paris to document both the picturesque, medieval streets of old Paris and the broad boulevards and grand public structures that Baron Georges-Eugène Haussmann built in their place for Emperor Napoleon III. Charles Marville: Photographer of Paris at The Metropolitan Museum of Art presents a selection of around 100 of his photographs.

Charles Marville
Charles Marville (French, 1813–1879)
Sky Study, Paris, 1856-1857
Albumen print from collodion negative
16.7 x 20.6 cm (6 9/16 x 8 1/8 in.)
Gilman Collection, Purchase, Ann Tenenbaum and Thomas H. Lee Gift, 2005 
The Metropolitan Museum of Art (2005.100.353)

Charles Marville achieved moderate success as an illustrator of books and magazines early in his career. It was not until 1850 that he shifted course and took up photography—a medium that had been introduced just 11 years earlier. His poetic urban views, detailed architectural studies, and picturesque landscapes quickly garnered praise. Although he made photographs throughout France, Germany, and Italy, it was his native city— especially its monuments, churches, bridges, and gardens—that provided the artist with his greatest and most enduring source of inspiration.

By the end of the 1850s, Marville had established a reputation as an accomplished and versatile photographer. From 1862, as official photographer for the city of Paris, he documented aspects of the radical modernization program that had been launched by Emperor Napoleon III and his chief urban planner, Baron Georges-Eugène Haussmann. In this capacity, Marville photographed the city’s oldest quarters, and especially the narrow, winding streets slated for demolition. Even as he recorded the disappearance of Old Paris, Charles Marville turned his camera on the new city that had begun to emerge. Many of his photographs celebrate its glamour and comforts, while other views of the city’s desolate outskirts attest to the unsettling social and physical changes wrought by rapid modernization. 

Charles Marville
Charles Marville (French, 1813–1879)
Cour Saint-Guillaume, ca. 1865
Albumen silver print from glass negative
34.2 x 27.2 cm (13 7/16 x 10 11/16 in.) Classification:
Gilman Collection, Purchase, Alfred Stieglitz Society Gifts, 2005
The Metropolitan Museum of Art (2005.100.378)

Haussmann not only redrew the map of Paris, he transformed the urban experience by commissioning and installing tens of thousands of pieces of street furniture, kiosks, Morris columns for posting advertisements, pissoirs, garden gates, and, above all, some twenty thousand gas lamps. By the time he stepped down as prefect in 1870, Paris was no longer a place where residents dared to go out at night only if accompanied by armed men carrying lanterns. Taken as a whole, Marville’s photographs of Paris stand as one of the earliest and most powerful explorations of urban transformation on a grand scale.

By the time of his death, Marville had fallen into relative obscurity, with much of his work stored in municipal or state archives. This exhibition, which marks the bicentennial of Marville’s birth, explores the full trajectory of the artist’s photographic career and brings to light the extraordinary beauty and historical significance of his art. 

Charles Marville
Charles Marville (French, 1813–1879)
Rue de Constantine (fourth arrondissement), 1866
Albumen silver print from glass negative
27.3 x 36.8 cm (10 3/4 x 14 1/2 in.)
The Horace W. Goldsmith Foundation Fund, through Joyce and Robert Menschel, 1986
The Metropolitan Museum of Art (1986.1141)

Charles Marville: Photographer of Paris was organized by the National Gallery of Art, Washington, in association with The Metropolitan Museum of Art, New York. The exhibition is curated by Sarah Kennel, Associate Curator of Photographs at the National Gallery of Art. The presentation of the exhibition in New York is organized by Jeff L. Rosenheim, Curator in Charge, and Doug Eklund, Curator, based on a curatorial program established by Malcolm Daniel, former Senior Curator, of the Metropolitan Museum’s Department of Photographs. The exhibition is made possible in part by Jennifer S. and Philip F. Maritz. 

Paris as Muse: Photography, 1840s-1930s 

William Henry Fox Talbot
William Henry Fox Talbot (British, 1800–1877)
View of the Boulevards of Paris, 1843
Salted paper print from paper negative
6 5/16 × 8 1/2 in. (16.1 × 21.6 cm)
Bequest of Maurice B. Sendak, 2013
The Metropolitan Museum of Art, New York (2013.159.57)

Nadar
Nadar (French, 1820–1910)
Catacombs, Paris, April 1862
Albumen silver print from glass negative
23.7 x 18.6 cm (9 5/16 x 7 5/16 in.) 
Gilman Collection, Purchase, Denise and Andrew Saul Gift, 2005
The Metropolitan Museum of Art, New York (2005.100.813)

Concurrent with Charles Marville: Photographer of Paris, a related installation in the adjacent Howard Gilman Gallery will be on view at the Metropolitan Museum. Paris as Muse: Photography, 1840s-1930s (January 27 - May 4, 2014) celebrates the first 100 years of photography in Paris and features some 40 photographs, all drawn from the Museum’s collection. The installation focuses primarily on architectural views, street scenes, and interiors. It explores the physical shape and texture of Paris and how artists have found poetic ways to record through the camera its essential qualities. The curator for Paris as Muse: Photography, 1840s–1930s, is Jeff L. Rosenheim. 

Eugène Atget
Eugène Atget (French, 1857–1927)
Boulevard de Strasbourg, Corsets, Paris, 1912 
Gelatin silver print from glass negative 
22.4 x 17.5 cm (8 13/16 x 6 7/8 in.) 
Gilman Collection, Purchase, Ann Tenenbaum and Thomas H. Lee Gift, 2005 
The Metropolitan Museum of Art, New York (2005.100.511)

Ilse Bing
Ilse Bing (German, 1899–1998)
Lamp Post, rue de la Chaise, Paris, 1934 
Gelatin silver print 
22.3 x 28.2 cm (8 3/4 x 11 1/8 in.) 
Bequest of Ilse Bing Wolff, 1998 
The Metropolitan Museum of Art, New York (2003.151.11)
© Estate of Ilse Bing, Courtesy Edwynn Houk Gallery

The Metropolitan Museum of Art 
www.metmuseum.org


January 21, 2014

Graphisme en France 2014 : Toute la scène française du graphisme

Graphisme en France 2014 
Toute la scène française du graphisme 
Janvier - Décembre 2014 

Graphisme en France 2014 : Visuel de l'événement
(c) Building Paris / Centre national des arts plastiques

Pendant toute l’année 2014, à l’occasion du vingtième anniversaire de la revue Graphisme en France éditée par le Centre national des arts plastiques (CNAP), ce dernier propose et coordonne une grande manifestation qui réunira l’ensemble des acteurs de la scène française du graphisme contemporain pour en montrer la créativité, la diversité et la vitalité. L’ensemble de ces actions montre l’intérêt que le ministère de la Culture et de la Communication et le Centre national des arts plastiques portent à ce domaine qu’ils ont choisi de mettre à l’honneur tout au long de l’année 2014.

La scène française du design graphique est riche des nombreux professionnels, graphistes, dessinateurs de caractères, designers interactifs, affichistes, dont les créations peuplent le paysage visuel qui nous entoure. Souvent reconnue pour sa qualité et sa créativité exemplaires, cette scène contemporaine est plurielle, dynamique et fourmille de créateurs de talent. Son essor est également dû au travail qui est développé par les écoles d’art et qui ont su, au cours des dernières années, consolider les formations et la recherche pour devenir de véritables espaces de création et d’expérimentation.

Des affiches de Cassandre ou de Savignac, jusqu’à celles de Bazooka, de Roman Cieslewicz ou de Grapus ; des typographies de Roger Excoffon jusqu’à celles de Jean François Porchez ou de Jean-Baptiste Levée ; des créations d’Étienne Robial, de Pierre di Sciullo, de Philippe Apeloig, de Laurent Fétis ou de Frédéric Teschner jusqu’aux dispositifs interactifs d’Étienne Mineur, aux clips pour Björk de M/M (Paris) ou au film Logorama de H5 récompensé par un Oscar, le graphisme français est reconnu internationalement et son histoire ne cesse de s’écrire et de se réinventer dans les domaines de l’édition, de la musique, de la communication ou du numérique.

Le Centre national des arts plastiques est, depuis toujours, très engagé aux côtés des graphistes contemporains : il édite, depuis vingt ans, la revue Graphisme en France ; il acquiert des ensembles importants d’objets de design graphique pour sa collection ; il confie l’ensemble de ses publications à des graphistes ; il leur accorde des aides dans le cadre de ses actions de soutien à la création ; il diffuse de nombreuses informations sur son site internet et, à présent, il propose « Graphisme en France 2014 ».

Graphisme en France 2014 est une manifestation exceptionnelle dont les objectifs sont multiples : éditer et diffuser le calendrier de tous les événements graphiques de l’année; publier le numéro spécial du 20e anniversaire de la revue Graphisme en France ; réaliser un site internet dédié à toutes les manifestations de l’année ; proposer des Salons graphiques destinés à faire se rencontrer commanditaires, graphistes et professionnels ; rédiger et publier un Guide de la commande de design graphique à l’usage de toutes les personnes et organismes concernés ; concevoir et diffuser un kit pédagogique à destination des enseignants et de leurs élèves ; organiser, avec l’université Paris 8, le Centre Pompidou, l’Ecole nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris et l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Lyon, un colloque international intitulé « Design graphique : les formes de l’histoire » ; enfin, lancer une commande publique pour la création d’une police de caractères qui sera proposée en libre utilisation et, bien sûr, offrir à tous une plate-forme d’informations et de rencontres réunissant toutes les initiatives.

Ces actions complètent et accompagnent les nombreuses manifestations également proposées par ceux qui, en 2014, présentent et contribuent à mettre en valeur la créativité des graphistes français et étrangers, notamment : la Saison graphique du Havre, le Festival international de l’affiche et du graphisme de Chaumont, le Mois du graphisme d’Échirolles, les Rencontres de Lure, le Musée de l’imprimerie de Lyon, la Gaîté Lyrique, Les Arts Décoratifs et la Fête du graphisme à Paris, mais aussi plusieurs écoles d’art sur tout le territoire. Tous sont associés à « Graphisme en France 2014 ».

Premiers événements de « Graphisme en France 2014 » organisés par le CNAP
- Janvier : publication du calendrier de toutes les manifestations de design graphique en France et mise en ligne du site internet www.graphismeenfrance.fr
- Avril : lancement du numéro spécial de Graphisme en France, à l’occasion du vingtième anniversaire de la revue
- Mai : premier Salon graphique à la Fonderie de l’image de Bagnolet

Site Internet du CNAP : www.cnap.fr

January 19, 2014

1925, quand l'Art Déco séduit le monde, Cité de l’architecture & du patrimoine, Paris

1925, quand l’Art Déco séduit le monde 
Cité de l’architecture & du patrimoine, Paris 
Jusqu'au 17 février 2014 - Prolongation jusqu'au 3 mars 2014

Formes géométriques, pures et dynamiques, le style Art Déco (1919-1940) se caractérise par son attractivité et sa vivacité. Né de l’impulsion des créateurs français tels que les architectes Henri Sauvage, Robert Mallet-Stevens, Roger-Henri Expert, Pierre Patout, les décorateurs André Véra, Louis Süe, André Mare et Jacques-Émile Ruhlmann, les couturiers Paul Poiret et Jean Patou ou encore les sculpteurs Martel, Janniot, Sarrabezolles…, il est le fruit d’une vision commune émanant de champs artistiques variés. 

Salon de l’Ambassade de France à Belgrade
© Editions Internationales du Patrimoine / Marc Walter

La Cité de l’architecture & du patrimoine, installée dans le Palais de Chaillot, dernier chef-d’œuvre de l’architecture Art Déco, présente la première grande rétrospective française rendant hommage à une esthétique qui a su unir des créateurs du monde entier et acquérir une popularité pérenne et dont l’exposition internationale des Arts décoratifs et industriels de 1925 à Paris a signé l’apogée. Les singularités du style Art Déco sont mises en lumière au travers de mobilier, maquettes et dessins d’architecture mais aussi sculptures, peintures et objets d’art, et présentées sur une étendue de 1100 m².

L’exposition s’organise selon une suite de séquences thématiques qui s’attachent à démontrer les clés du succès international du style Art Déco et ses influences dans les différents domaines artistiques.

Après la comparaison et distinction avec l’Art Nouveau, notamment au travers des plans, maquettes et photographies de la Villa Majorelle de Henri Sauvage à Nancy et de la Villa Cavrois par Robert Mallet-Stevens, l’exposition présente les grandes figures de la création française dont les réalisations des années 1910 portent, déjà, les caractéristiques de l’Art Déco : les architectes Henri Sauvage et Auguste Perret, le décorateur André Véra, le couturier Paul Poiret ou le créateur Jacques-Emile Ruhlmann.

A partir des années 1920, le style Art Déco se développe dans un contexte marqué par les avancées technologiques et la modernité (aviation, automobile, radio, cinéma muet). Mouvement et vitesse inspirent artistes et architectes : les premiers cinémas Art Déco voient le jour comme le Louxor en 1921 (Henri Zipcy) ou le Grand Rex en 1932 (Auguste Bluysen). Les mentalités évoluent et des personnalités comme la peintre Tamara de Lempicka, Charlotte Perriand, Kiki de Montparnasse, Louise Brooks, Coco Chanel, Joséphine Baker ou Habib Benglia (premier acteur africain du cinéma français) contribuent à cette ouverture d’esprit et véhiculent ce style. 

Henri Sauvage 
Exposition internationale des arts décoratifs modernes, Paris, 1925 : Pavillon Primavera : étude en élévation pour la façade principale (1925)
© Cité de l’architecture & du patrimoine

Le parcours se poursuit avec une large séquence consacrée à l’Exposition internationale des Arts Décoratifs et Industriels de 1925, qui fit émerger la dénomination d’« Art Déco ». Implantée sur l’esplanade des Invalides à Paris, l’exposition de 1925 est marquée par les pavillons de l’Ambassade française et de la Manufacture de Sèvres, par ceux dédiés aux enseignes des Grands Magasins, ainsi que par le Pavillon du tourisme de Robert Mallet-Stevens et le Pavillon du collectionneur de Jacques-Émile Ruhlmann, construit par Pierre Patout et aménagé en collaboration avec les sculpteurs Joseph Bernard et Alfred Janniot ou le peintre Jean Dupas. 

Suivent la reconstruction de l’après-guerre 1914/18 et le développement de l’architecture Art Déco en France, notamment dans le domaine public (aéroports, gares, hôpitaux, lycées) mais aussi villas privées, magasins  : Samaritaine à Paris (Henri Sauvage, 1933), Bibliothèque Carnegie à Reims (Max Sainsaulieu, 1928), Hôtel Plazza à Biarritz (Louis-Hippolyte Boileau, 1928), Gare de Lens (Urbain Cassan, 1926), La Piscine à Roubaix (Albert Baert, 1932) ou la Bourse du travail à Bordeaux (Jacques D’Welles, 1938). 

Une dernière section importante est dédiée à la résonance mondiale de ce mouvement esthétique. Après le succès retentissant de l’exposition de 1925 à Paris, architectes, artistes et décorateurs français sont appelés dans les grandes villes du monde pour exercer leurs talents. A New York, Alfred Janniot réalise les portes du Rockefeller Center construit par Wallace Harrison, qui avait fait ses études aux Beaux-Arts de Paris. A Madrid, Bruxelles, Porto, Belgrade, Rio de Janeiro, São Paulo, Shanghai, Saïgon, Tokyo, Chicago, les artistes français influencent leurs homologues étrangers qui déclineront ainsi le style Art Déco en lui insufflant souvent un esprit local. L’Art Déco est adopté, et devient ainsi le premier style vraiment international.

Commissaires de l'exposition : Emmanuel Bréon, conservateur en chef du patrimoine, chef du département des peintures murales et des vitraux du musée des Monuments français à la Cité de l'architecture & du patrimoine. Il est le créateur du musée des Années 30 de Boulogne-Billancourt, et a notamment reçu le prix de la Critique à New York pour l'exposition Ruhlmann, Genius of Art Déco, présentée au Metropolitan Museum of Art en 2004.
Philippe Rivoirard, architecte DPLG, historien de l'architecture des années 1930 et enseignant à l'ENSA Paris Val-de-Seine, a notamment publié, en 2006, Mettre en scène l’architecture, in Tamara de Lempicka, (catalogue de l’exposition) et La modernité à l’Exposition des Arts Décoratifs de Paris – 1925 en 2004.

1925, quand l’Art Déco séduit le monde 
Catalogue de l'exposition
© Cité de l’architecture & du patrimoine / Editions Norma

L’exposition est accompagnée d’un catalogue publié par la Cité de l’architecture & du patrimoine et les Editions Norma.

Cité de l’architecture & du patrimoine
Galerie des expositions temporaires
1 place du Trocadéro, Paris 16e
www.citechaillot.fr

Obras Gráficas, Galerie Maeght, Paris

Obras Gráficas (Oeuvres graphiques)
Galerie Maeght, Paris 
Jusqu'au 1er mars 2014 

Joan Miró, Pablo Palazuelo, Antoni Tàpies, Eduardo Chillida, Antonio Saura, Eduardo Arroyo, Joanet Gardy-Artigas, Manolo Valdès et Equipo Crónica, José Manuel Broto, Xavier Grau, Susana Solano : la Galerie Maeght célèbre son amitié avec de grands artistes espagnols, qu’elle a accompagnés et édités, en consacrant une exposition à leur oeuvre gravé. Des oeuvres d’une grande diversité et d’une étincelante puissance graphique dont plusieurs chefs-d’oeuvre de Joan Miró notamment.

Joan Miro 
Cap i cua, 1979 
Lithographie originale, 99,5 x 72,5 cm 
75 exemplaires signés et numérotés 
© Galerie Maeght Paris

Jaillissement artistique. 1947 : Joan Miró rejoint la Galerie Maeght nouvellement créée par Aimé Maeght. Cette rencontre historique, après celle de Pierre Bonnard ou Henri Matisse, marque durablement l’avenir et les choix artistiques de la Galerie Maeght. « Plusieurs générations d’artistes espagnols ont été accompagnées par notre famille depuis sept décennies. A leurs côtés, nous avons vécu les bouleversements politiques de l’Espagne et de la Catalogne, mais aussi une intense créativité artistique » précise Isabelle Maeght, nommée en 2011, Commandeur dans l’Ordre d’Isabelle la Catholique pour sa contribution à favoriser les échanges artistiques entre la France et l’Espagne. Une distinction qui souligne ses attaches particulièrement fortes, tant artistiques que personnelles, avec de nombreux artistes espagnols.

Puissance graphique. Joan Miró, Pablo Palazuelo, Antoni Tàpies, Eduardo Chillida, Antonio Saura, Eduardo Arroyo, Joanet Gardy-Artigas, Manolo Valdès, Equipo Crónica, José Manuel Broto, Xavier Grau… : si la Galerie Maeght a exposé ces grands artistes, elle a également été leur imprimeur et leur éditeur. Tous ont développé, dans ses ateliers, un travail gravé d’une grande énergie graphique. « Les artistes ont très souvent pratiqué gravure ou lithographie comme champ d’expérimentation avec une grande liberté dans nos ateliers » commente Isabelle Maeght. 

Depuis quelques années, nous constatons un regain d’intérêt pour les éditions originales signées, rencontres entre art et technique. La Galerie Maeght a un grand rôle à jouer car elle possède un fond d’oeuvres gravées important et varié. De très nombreux amateurs d’art souhaitent voir et revoir ces grands artistes et, à travers leurs oeuvres imprimées, connaître leur approche des techniques employées.

L’imprimerie ARTE, créée par Adrien Maeght en 1964 rue Daguerre, n’a depuis lors eu de cesse que de mettre à disposition des artistes toutes les techniques ou même de les adapter à leurs besoins, des plus anciennes - lithographie, phototypie, eau-forte - aux plus modernes ou innovantes dont Adrien Maeght sut souvent percevoir avant l’heure le potentiel considérable. Miró comme Tàpies réalisèrent grâce au procédé inédit du carborundum des oeuvres aujourd’hui considérées comme des chefs-d’oeuvre de l’édition d’art du XXème siècle.

Joan Miró (1893-1983). Miró écrivit au sujet des contraintes de la gravure, qui le passionna tant : « Il fallait y résister, les déborder, et alors un immense champ de possibilités s’offrait au regard et à la main.» Miró reçut en 1954 le grand prix de l’oeuvre graphique de la Biennale de Venise. Pour cette exposition, Isabelle Maeght a souhaité présenter plusieurs séries, telle l’étonnante Série Gossos, la puissante Série Commedia dell’arte, la respectueuse Série Hommage à Gaudi ou encore, en référence à Altamira, la Série Rupestres

Pablo Palazuelo 
Galerie Maeght Barcelone, 1984 
Lithographie originale sur Velin d’Arches, 84,5 x 59,5 cm 
150 exemplaires signés et numérotés 
© Galerie Maeght Paris 

Pablo Palazuelo (1916-2007) réalise sa première exposition personnelle à la Galerie Maeght en 1955, après avoir participé à l’exposition collective Tendances en 1952 qui présentait les jeunes artistes de l’époque tels Olivier Debré et Ellsworth Kelly, pour laquelle Palazuelo réalise la couverture du catalogue et l’affiche. 

Pablo Palazuelo étudie l’architecture à Oxford puis intègre l’Ecole des Arts et Métiers de Londres. Il développe ainsi un esprit d’analyse aiguisé qui lui permet de structurer singulièrement l’espace. Ses premières réalisations se fondent sur l’étude des éléments naturels : cristaux de neige, cellules vivantes… qu’il examine au microscope. D’esprit géométrique à ses débuts, son art évolue vers l’emploi de lignes plus sinueuses, tout en gardant ce tempérament austère qui le caractérise. Viendront les thèmes des pierres et des ondes qui s’accordent à sa gamme chromatique composée essentiellement d’ocres, de terres de Sienne et de rouges.

La Galerie Maeght présente la série de gravures originales Sigilla (1977) et la lithographie originale Inaugural (1974), des oeuvres fortes et sensibles, comme l’est tout l’oeuvre de Pablo Palazuelo. 

Antoni Tàpies 
Z, 1981 
50 x 65 cm, eau-forte originale et collage sur Vélin d’Arches signés et numérotés
© Galerie Maeght Paris

Antoni Tàpies (1923-2012) fait partie de ceux qui ont apporté au XXème siècle une vision nouvelle de la gravure. Son oeuvre gravé est intense et complexe, tant sur le plan symbolique que technique. Parfois il apporte des matériaux tels du crin, des cartes à jouer, du sable… et ainsi intervient sur chaque exemplaire.

Dans les ateliers de l’imprimerie ARTE, Antoni Tàpies se livre à un travail de recherche, considérant ce médium comme un champ d’expérimentation à part entière. Au travers des objets qui circulent entre sa peinture et sa gravure, l’artiste affirme que son oeuvre gravé est aussi important que son oeuvre peint. Les oeuvres Grande croix et collage (1977) et Z (1981) sont emblématiques des matériaux que Tàpies a superposés sur une gravure originale.

Eduardo Chillida (1924-2002), « sculpteur devenu forgeron » (Gaston Bachelard), est célèbre pour ses sculptures monumentales ou ses collages graphiques et poétiques. Son oeuvre graphique est tout de contrastes et d’équilibre, entre puissance et fragilité. Après sa première exposition personnelle à la Galerie Maeght, qui a lieu en 1956, il réalise dans l'atelier ARTE-Adrien Maeght de grandes gravures et eaux-fortes originales. Pour « Obras Gráficas », Isabelle Maeght a sélectionné notamment Hildokatu II (1982), eau-forte originale sur papier Japon.

Antonio Saura 
Gris, 1975 
47.5 x 58.5 cm. Lithographie originale sur Velin d’Arches 
75 exemplaires signés et numérotés 
© Galerie Maeght Paris

Antonio Saura (1930-1998), cofondateur du groupe El Paso dans les années cinquante après s’être éloigné du surréalisme, expose à la Galerie Maeght en 1975. Intellectuel très engagé, son écriture formelle si personnelle croise avec ses réflexions politiques et sa volonté de retravailler l’histoire et la mémoire espagnoles, se confrontant aux oeuvres de ses grands prédécesseurs comme aux icônes. C’est à son oeuvre sur papier, très riche, qu’est consacrée l’exposition de la Galerie Maeght en 1975. Pour « Obras Gráficas », Isabelle Maeght a notamment choisi d’exposer Gris (1975), Don (1984), Amasijo (1984) lithographies originales éditées par Maeght.

Susana Solano 
Entre tres, 1986 
94,5 x 76 cm, eau-forte originale sur Vélin d’Arches 
50 exemplaires signés et numérotés 
© Galerie Maeght Paris

Susana Solano. Née en 1946, cette artiste catalane intègre l’école des Beaux-Arts de Barcelone où elle étudie la peinture. Dans les années 1980, elle s’initie aux techniques de ferronnerie et consacre une grande partie de son oeuvre à la sculpture. Elle rencontre alors une reconnaissance internationale.

Lauréate de plusieurs prix, le travail de Susana Solano s’articule autour de la relation entre l’espace et la matière. Elle crée notamment des formes libérées, quasi-aériennes, ou à l’inverse cloisonnées par des armatures métalliques où grillages en fer, plomb, aluminium et acier inoxydable viennent structurer le vide.

Les oeuvres gravées de Susana Solano intègrent son processus de recherche : dessins analytiques, planches préparatoires… Elles sont un moyen pour l’artiste de laisser des traces évidendes de ses expérimantations plastiques. La Galerie Maeght présente Entre tres, créée en 1986.

José Manuel Broto et Xavier Grau, tous deux nés en 1949, incarnent dans les années 1970 une jeune génération d'abstraits ; leurs oeuvres sont exposées par la Galerie Maeght dès 1976. Les oeuvres gravés de José Manuel Broto et celles de Xavier Grau méritent une attention très particulière pour la complémentarité qu’ils ont su déployer, chacun à leur manière, avec leur peinture, très gestuelle, marquée par l’abstraction américaine. Leurs gravures sont quant à elles marquées par la luminosité.

Joanet Gardy-Artigas 
Thoracique jaune, 1977 
65 x 49.5 cm. Lithographie originale sur Velin d’Arches 
75 exemplaires signés et numérotés
© Galerie Maeght Paris

Joanet Gardy Artigas est le fils Josep Llorens Artigas, célèbre céramiste et grand ami de Miró. Il grandit en plein coeur de l’émulsion artistique parisienne d’après-guerre. Très vite, il suit les traces de son père et ouvre un atelier de céramique à Paris dans lequel il travaille avec Braque, Chagall et Miró. Avec ces artistes, il prend goût à la sculpture monumentale, à l’architecture et découvre les techniques de la lithographie et de l’eau-forte qu’il expérimente pour la première fois à l’imprimerie ARTE. Ces moyens d’expression deviendront complémentaires et essentiels à l’ensemble de son travail. Son oeuvre gravé se nourrit particulièrement de sa sculpture : son goût pour les couleurs, les jeux de lumière et les tracés voluptueux éclatent dans ses gravures. Explicites ou suggérées, ses créations sont des odes au corps féminin.

Eduardo Arroyo, cofondateur du mouvement de la Figuration narrative, réalise ses premières lithographies originales pour la Galerie Maeght dès 1977, année de sa première exposition Parmi les peintres. « Obras Gráficas » est l’occasion de redécouvrir Parmi les peintres (1977) ou Pont d’Arcole (1977). 

Equipo Crónica 
Las bolas, 1978 
47 x 61 cm. Lithographie originale sur Velin d’Arches 
© Galerie Maeght Paris

Equipo Crónica. De 1964 à 1981, le collectif espagnol formé par Rafael Solbes, Manolo Valdès et Juan Antonio Toledo crée une oeuvre à la fois jubilatoire et sarcastique. Marqué par le franquisme, leur art est avant tout un art de dénonciation et, demeure, à ce titre, très politisé. Pour illustrer les thèmes de la violence, de la dictature, de la censure, de l’injustice sociale, ils ont recours à toutes les données culturelles de l’histoire de l’art, de Velázquez à Picasso, de Mondrian à Lichtenstein. L’exposition présente la lithographie originale Las bolas illustrant la série des Billards, exposée pour la première fois à la Galerie Maeght en 1978. 

Manolo Valdes 
Affiche “Galerie Maeght Barcelone”: “Reina Mariana” avant, 1982 
79 x 54 cm, Sérigraphie originale sur Guarro 
© Galerie Maeght Paris

Manolo Valdès. La Galerie Maeght présente, dès 1982, la première exposition de Valdès en solo. Son oeuvre rencontre un grand succès international, confirmé par l’enthousiasme du public lors de l’exposition que lui a consacrée la Fondation Maeght en 2006. Peintre autant que sculpteur, Manolo Valdès s’est passionné pour la gravure. Il s’intéresse de près à la texture de la surface, il prend plaisir à expérimenter les différents types de papiers qu’il rehausse souvent avec des collages. Ses assemblages lui permettent de réinterpréter l’histoire de l’art, reprenant des éléments emblématiques des grands maîtres. A l’occasion de « Obras Gráficas », Isabelle Maeght propose de redécouvrir les lithographies d’Equipo Crónica comme les sérigraphies originales des premières années de Valdès « en solo ». Citons notamment Lluvia en el puerto (1982) ou Reina Mariana (1982), qui peut être interprétée tant comme un hommage à Velasquez et ses Ménines qu’à Kandinsky.

Galerie Maeght
42 rue du Bac, 75007 Paris
www.maeght.com

January 18, 2014

Amélie Chassary & Lucie Belarbi, Galerie Rauchfeld, Paris

Amélie Chassary & Lucie Belarbi, Résonance 
Galerie Rauchfeld, Paris 
6 - 23 février 2014

Amélie Chassary et Lucie Belarbi 
Résonance, Le Bouquet 
Photo (c) Amélie Chassary et Lucie Belarbi ; Courtesy Galerie Rauchfeld, Paris 

La Galerie Rauchfeld présente la nouvelle série Résonance du duo d’artistes Amélie Chassary & Lucie Belarbi. Remarquées par la critique en 2012, durant le festival Circulation(s) – festival de la Jeune Photographie Européenne – elles se sont fait connaître par leur série Huis-Clos sur le thème de la famille où elles proposaient une vision des us et coutumes de notre société contemporaine abordée avec ironie. 

Amélie Chassary, 33 ans, est artiste photographe, diplômée de l'ESAG Penninghen. Lucie Belarbi, 29 ans, est artiste plasticienne. Suite à leur rencontre en 2009, les deux artistes ont vite eu envie de partager leurs univers créatifs aux inspirations communes. Elles sont aujourd’hui membres de Hans Lucas et soutenues par la galerie Rauchfeld.

« L'histoire de chacune des photographies, est scénarisée. Sans cesse en train de préciser nos intentions, le travail de préparation prend une part importante dans le temps de la réalisation. Rassurant, il nous permet de visualiser notre idée et de se projeter pour être au plus proche de ce que sera la photographie finale. Nous travaillons à l'argentique. De la réalisation de [notre] première série découle le désir de poursuivre notre écriture commune. »

Le projet de photographies Résonance est la deuxième série qu' Amélie Chassary & Lucie Belarbi développent ensemble. 

« Nous souhaitons y explorer une écriture plastique brute et instinctive pour élargir notre champ de connaissances en affirmant notre entité artistique. Nous avons choisi de nous questionner sur les interactions qui existent entre les différents degrés du visible.
En effet, les volumes et les couleurs perturbent la lisibilité et nous plongent dans le réel, la fiction et le non-sens ».

La Résonance fait écho à une métamorphose de la perception du monde réel, elle met en jeu, dans cette série, les rapports entre les individus et la nature.

Amélie Chassary & Lucie Belarbi ont choisi de nous questionner sur les interactions qui existent entre les différents degrés du visible. Pour cela, elles mettent en scène des anecdotes singulières où elles dénaturent avec dérision les codes formels créant volontairement un dysfonctionnement par une déformation de la perception, de la vibration des couleurs et des formes. L’intervention plastique sur le décor leur donne la possibilité, comme à un peintre, de donner de la couleur là où il n’y en a pas et fausser les perspectives.

Les volumes, la nature ou les corps sont partiellement ou totalement recouverts de matières, ils perturbent la lisibilité et peuvent nous plonger, à la fois dans le réel, la fiction et le non-sens.

Donner naissance à des scènes troublantes et magiques est le fil conducteur de cette série où l’harmonie échappe au raisonnement de la logique.

Dans ce processus de création les deux artistes recherchent au mieux l’équilibre entre les idées imaginées et leurs représentations. Elles font de leurs personnages les témoins de ces installations éphémères révélées par la photographie.

Galerie Rauchfeld
22 rue de Seine - PARIS 6ème
www.galerierauchfeld.com

January 11, 2014

Ink Art: Past as Present in Contemporary China, The Metropolitan Museum of Art, New York

Ink Art: Past as Present in Contemporary China 
The Metropolitan Museum of Art, New York 
Through April 6, 2014 

Zhang Huan
Zhang Huan, Chinese, born 1965
张洹家谱
Family Tree, 2001
Nine chromogenic prints
Sheet (each): 21 × 16 1/2 in. (53.3 × 41.9 cm)
Lent by The Walther Collection
Photo © Yale University Art Gallery

A major loan exhibition of contemporary Chinese art presenting works by 35 artists born in China is on view at The Metropolitan Museum of Art. Featuring 70 works in various media—paintings, calligraphy, photographs, woodblock prints, video, and sculpture—that were created during the past three decades, Ink Art: Past as Present in Contemporary China demonstrates how China’s ancient pattern of seeking cultural renewal through the reinterpretation of past models remains a viable creative path. Although all of the artists have transformed their sources through new modes of expression, visitors can recognize thematic, aesthetic, or technical attributes in their creations that have meaningful links to China’s artistic past. The exhibition is organized thematically into four parts and includes such highlights as Xu Bing’s dramatic Book from the Sky (ca. 1988), an installation that fill an entire gallery; Family Tree (2000), a set of vivid photographs documenting a performance by Zhang Huan in which his facial features—and his identity—are obscured gradually by physiognomic texts that are inscribed directly onto his face; and Map of China (2006) by Ai Weiwei, which is constructed entirely of wood salvaged from demolished Qing dynasty temples.  

Maxwell K. Hearn, Douglas Dillon Chairman of the Metropolitan Museum’s Department of Asian Art, stated: “A unique feature of this landmark exhibition is the way in which it positions contemporary art from a non-Western culture within an encyclopedic art museum. Instead of being presented by the Metropolitan’s Department of Modern and Contemporary Art, Ink Art is curated by members of the Department of Asian Art and displayed in the Museum’s permanent galleries for Chinese painting and calligraphy, featuring artworks that may best be understood as part of the continuum of China’s traditional culture. While these works may also be appreciated from the perspective of global art, the curatorial argument is that, by examining them through the lens of Chinese historical artistic paradigms, layers of meaning and cultural significance that might otherwise go unnoticed are revealed. Ultimately, both points of view contribute to a more enriched understanding of these creations.” 

Liu Wei
Liu Wei, Chinese, born 1965
刘炜花儿 (detail)
Untitled No. 6 "Flower", 2003
Accordion album of twenty-four leaves with silk brocade cover; pencil, acrylic, ink, and watercolor on paper
Image (each leaf): 9 5/8 × 6 1/2 in. (24.5 × 16.5 cm)
Lent by a private collection, New York
Photo courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Section 1: The Written Word
Writing is China’s highest form of artistic expression as well as its most fundamental means of communication. Valued for both its semantic content and aesthetic significance, the written word conveys personal as well as public meaning. Given the inherent power of this universal medium, the written word—particularly brush-written calligraphy—has been a rich terrain for artistic exploration in China. The exhibition features key early works by Xu Bing (b. 1955), Gu Wenda (b. 1955), Qiu Zhijie (b. 1969), and Zhang Huan (b. 1965)—all of whom have found ways to subvert the semantic and aesthetic functions of language.

Section 2: New Landscapes
For more than one thousand years, landscape imagery has been used to convey values and moral standards, both of individuals and of society as a whole. Today, as China is being transformed by modernization, artists continue to mine the symbolic potential of landscape imagery to comment on the changing face of China and to explore the “mind landscape” of the individual. A rich selection of paintings, photographs, videos, and films in this section highlighted the diverse ways in which contemporary artists have drawn inspiration from earlier compositions and themes. On view are works by Ren Jian (b. 1955), Liu Dan (b. 1953), and Yang Yongliang (b. 1980), all of whom have revived and transformed the monumental handscroll format with powerful new imagery. This section also displays works by Ai Weiwei (b. 1957), Shi Guorui (b. 1964), and Xing Danwen (b. 1967) that offer stark commentaries on the impersonal nature of China’s expanding urban landscapes; and works by Fang Lijun (b. 1963), Yang Fudong (b. 1971), and Qiu Anxiong (b. 1972), who use woodblock printing, film, or video to explore man’s increasing disconnection from the natural environment. 

Yang Fudong
Yang Fudong, Chinese, born 1971
杨福东 留兰
Still from Liu Lan, 2003
Single-channel video, 35mm black-and-white film transferred to DVD, with sound; 14 min.
Lent by Marian Goodman Gallery, New York
Photo courtesy the artist

Section 3: Abstraction
Abstraction is at the heart of Chinese painting and calligraphy. Because the brush mark has always been recognized as a record of the artist’s hand, in addition to performing a descriptive or semantic role, both painting and calligraphy have been valued for their abstract expressive potential. Benefitting from such a rich tradition of exploiting the abstract and symbolic qualities of painting and writing, contemporary Chinese artists have been able selectively to adopt Western notions of nonfigurative art to augment and expand their expressive goals. The work by classically trained calligrapher Wang Dongling (b. 1945) included in this section exemplify those artists who have used their command of traditional techniques to create large-scale abstractions emphasizing the dynamic gestural qualities of calligraphy while divorcing the work from any suggestion of semantic signification. Two examples on view from the Divine Light series by Zhang Yu (b. 1959) feature circular or rectilinear forms that evoke cosmic events—an exploding star or a planet coalescing from a sphere of gaseous elements—that are at once beautiful and terrifying. 

Wang Dongling
Wang Dongling, Chinese, born 1945
王冬龄 守白
Being Open and Empty, 2005
Hanging scroll; ink on paper
Image: 87 1/4 × 57 in. (221.6 × 144.8 cm)
The Metropolitan Museum of Art, Gift of the artist, 2013
Photo courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Section 4: Beyond the Brush
A final component of the exhibition introduces works that neither fit into the above three thematic categories nor derive their primary identity from traditional forms of ink art; yet they exhibit an ink art aesthetic through their rich associations with Chinese literati pastimes or patronage. Highlights in this section are two performance-related pieces: an album by Cai Guo-Qiang (b. 1957) that envisions his plan for Project to Extend the Great Wall of China by 10,000 Meters: Project for Extraterrestrials No. 10, presented together with a three-channel video of the actual event; and Huang Yongping’s (b. 1954) 43-foot-long handscroll documenting his installation pieces from 1985 to 2001. Other works on view includes scholars’ rocks made from silicone or stainless steel by Zhang Jianjun (b. 1955) and Zhan Wang (b. 1962) and a dragon robe made of polyvinyl chloride by Wang Jin (b. 1962). 

Ai Weiwei
Ai Weiwei, Chinese, born 1957
艾未未浪
The Wave, 2005
Glazed ceramic
H. 6 1/8 (15.7 cm); W. 16 7/8 in. (42.9 cm); D. 14 3/4 in. (37.6 cm)
Lent by a private collection, New York
Photo courtesy of The Metropolitan Museum of Art

Zhan Wang
Zhan Wang, Chinese, born 1962
展望假山石
Artificial Rock #10, August 8, 2001
Stainless steel; wood stand
H. 29 1/2 in. (75 cm); W. 17 11/16 in. (45 cm); D. 7 1/2 in. (19 cm)
The Metropolitan Museum of Art, Purchase, Friends of Asian Art Gifts, 2006
Photo courtesy of The Metropolitan Museum of Art

In conjunction with the exhibition, the Museum will present a full-day public symposium with talks by leading scholars of Chinese contemporary art on February 21 and a Sunday at the Met program on February 23, as well as gallery talks, a studio workshop, an artist demonstration of calligraphy techniques, and a teen program called Ink Experiments.

The exhibition is accompanied by a fully illustrated catalogue.  

Ink Art: Past as Present in Contemporary China is curated by Maxwell K. Hearn. 

The exhibition is featured on the Museum’s website: www.metmuseum.org

January 5, 2014

Centre Pompidou : Bilan fréquentation 2013

La fréquentation du centre pompidou en 2013 égale le record établi en 2012

Au musée et dans ses expositions, le Centre Pompidou a réalisé 3,745 millions d’entrées en 2013. Cette fréquentation est sensiblement équivalente au record historique établi en 2012 (3,791 millions de visites).

Elle est à l’image du succès de l’exposition Roy Lichtenstein (546 229 visiteurs) ou encore celle de Dalí (790 090 visiteurs), qui a confirmé l’engouement du public pour les grandes rétrospectives monographiques. Le public a également été nombreux à découvrir l’oeuvre de Simon Hantaï (260 365 visiteurs) ou de Pierre Huyghe (actuellement plus de 1 700 visiteurs par jour).

Hors les murs, les expositions proposées par le Centre Pompidou ont également rencontré un vif succès avec près de 667 000 visiteurs.

Le public brésilien a notamment réservé un excellent accueil à l’exposition « Elles » au Centro Cultural Banco do Brasil de Rio de Janeiro (247 290 visiteurs) et au CCBB de Belo Horizonte (67 309 visiteurs) ; en Suisse, l’exposition « Modigliani » présentée à la Fondation Gianadda à Martigny a reçu 155 000 visiteurs ; à Dhahran en Arabie Saoudite, l’exposition « Couleurs Pures » a accueilli en six semaines 44 113 visiteurs.

Enfin, www.centrepompidou.fr, centre de ressources et plateforme de diffusion de contenus sur internet, a accueilli près de 6 millions de visites.

January 4, 2014

Les Impressionnistes en privé, Musée Marmottan Monet, Paris : Cent chefs-d'oeuvre de collections particulières

Les Impressionnistes en privé. Cent chefs-d'oeuvre de collections particulières 
Musée Marmottan Monet, Paris
13 février - 6 juillet 2014 

Ouvert pour la première fois au public en 1934, le musée Marmottan Monet célèbrera son quatre-vingtième anniversaire en 2014. En moins d’un siècle, le musée a bénéficié de legs et de donations d’une envergure sans égale faisant de lui le dépositaire du premier fonds mondial d’œuvres de Claude Monet et de Berthe Morisot. Sans la générosité des collectionneurs et des descendants d’artistes, il ne serait pas devenu un haut lieu de l’impressionnisme. Conscient de cet héritage, le musée souhaite débuter les cérémonies de son anniversaire en rendant hommage aux collections privées.

Berthe Morisot
Berthe MORISOT 
Le Piano, 1888 
Collection particulière

Le musée Marmottan Monet présente ainsi du 13 février au 6 juillet 2014 une exposition intitulée : Les Impressionnistes en privé. Cent chefs-d'oeuvre de collections particulières, réunissant exclusivement des œuvres en provenance de collections particulières. L’historienne de l’art, Claire Durand-Ruel Snollaerts et Marianne Mathieu, adjointe au directeur du musée Marmottan Monet chargée des collections, assurent le commissariat de cette exposition.

Cinquante prêteurs se sont associés avec enthousiasme à ce projet et ont accordé des prêts en provenance de France, des Etats-Unis, du Mexique, de Suisse, de Grande-Bretagne et d’Italie. Cette exposition offre l’opportunité unique au public de découvrir des tableaux pour la plupart jamais vus. Une centaine de chefs-d’œuvre impressionnistes constituent un ensemble d’exception. Quatre-vingt peintures et une vingtaine d’œuvres graphiques par Jean-Baptiste-Camille Corot, Eugène Boudin, Johan Barthold Jongkind, Edouard Manet, Frédéric Bazille, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Gustave Caillebotte, Berthe Morisot, Armand Guillaumin, Paul Cézanne, Mary Cassatt, Eva Gonzalès et Auguste Rodin permettent de retracer une histoire de l’impressionnisme à travers des œuvres inédites. 

Armand Guillaumin
Armand GUILLAUMIN 
Quai de la Rapée, 1873 
Collection particulière

Le parcours de l’exposition présente d’abord les prémices de l’impressionnisme. Il continue avec son éclosion vers 1874, puis avec les années 1880-1890 quand le groupe des impressionnistes se disloque pour laisser place au génie créatif de chacun de ses membres. Enfin, l’œuvre ultime de maîtres tels Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley et Claude Monet, qui, par bien des égards se situe au-delà de l’impressionnisme, ouvre une fenêtre sur l’art moderne et clôt la manifestation.  

L’accrochage, chronologique, commence par des paysages de Jean-Baptiste-Camille Corot, Johan Barthold Jongkind et Eugène Boudin, dont, de ce dernier, La Plage de Bénerville, d’un format hors du commun.  Le Bar aux Folies Bergères d’Édouard Manet d’une part, et La Terrasse à Méric de Frédéric Bazille d’autre part concluent cette première partie. Chaque impressionniste est ensuite représenté à travers une dizaine de peintures couvrant l’ensemble de sa carrière. 

Edgar Degas
Edgar DEGAS 
Mary Cassat au Louvre, 1879-1880 
Collection particulière

Sur les planches de Trouville, hôtel des Roches Noires de Claude Monet (1870), en passant par cette jeune inconnue portraiturée par Berthe Morisot en 1871,  une Meule de Camille Pissarro (1873)  ou Le Jardin de Maubuisson de Paul Cézanne (c. 1874), sont quelques exemples éblouissants de la section dévolue aux années 1870. 

Le Tournant du Loing à Moret d’Alfred Sisley (1886), Les Jeunes filles au bord de la mer d’Auguste Renoir (vers 1890), le double portrait de Pagans et le père de l’artiste d’Edgar Degas (vers 1895) ou Les Dahlias, le jardin du Petit-Gennevilliers de Gustave Caillebotte (1893), sont en revanche des travaux typiques de la fin du XIXème siècle. 

Auguste Renoir
Pierre-Auguste RENOIR 
Le chapeau épinglé, première planche, 1897 
Collection particulière

Paul CEZANNE 
Les grands baigneurs, Vers 1896-1898 
Collection particulière

A côté de ces toiles, l’exposition dévoile deux exceptionnelles sculptures, La Petite danseuse de 14 ans par Edgar Degas et Le Penseur, en terre cuite, d’Auguste Rodin, représentatifs d’une sélection digne des plus grands musées.

Cette exposition, unique et incontournable, témoigne de la présence et de l’engouement toujours vifs des maîtres impressionnistes au sein des collections privées.

MUSEE MARMOTTAN MONET 
2 rue Louis-Boilly - 75016 Paris
www.marmottan.fr 

January 2, 2014

Joseph Cornell et les surréalistes à New York, Musée des Beaux-Arts de Lyon

Joseph Cornell et les surréalistes à New York 
Musée des Beaux-Arts de Lyon 
Jusqu'au 10 février 2014 

L’exposition Joseph Cornell et les surréalistes à New York s’intéresse à l’œuvre de l’artiste américain, pionnier du collage, du montage et de l’assemblage, des années 1930 à 1950. Elle propose de situer son œuvre dans le contexte du surréalisme, courant qui connaît alors son apogée aux Etats-Unis. Plus de 250 œuvres seront montrées parmi lesquelles des pièces majeures de Joseph Cornell (1903-1972), mais aussi d’artistes emblématiques du surréalisme comme Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Max Ernst et Man Ray alors installés à New York. Cette exposition est la première consacrée à Joseph Cornell dans un musée français depuis l’exposition itinérante organisée par le Museum of Modern Art de New York et présentée au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris en 1981.

Souvent présenté comme un satellite dans la constellation surréaliste, Joseph Cornell est une figure essentielle de la création en Europe et aux Etats-Unis après la seconde Guerre mondiale. L’exposition se concentre sur les années 1930-1950, qui correspondent aux années de maturité de l’œuvre de l’artiste et à une phase de diffusion importante du surréalisme aux Etats-Unis. Le travail de Joseph Cornell se caractérise par la diversité et l’interrelation des pratiques et des formats en deux et trois dimensions : collages, pièces et boîtes réalisées à partir d’objets trouvés. L’artiste utilise aussi la photographie et le cinéma, ses « films collages » sont novateurs, ainsi que ce qu’il appelait ses « explorations », archives en tout genre de documents imprimés. 

Le surréalisme a eu une influence déterminante sur l’œuvre de Joseph Cornell. Il est à l’origine de sa méthode de travail : le collage et les processus associés que sont le montage, la construction et l’assemblage. Si Joseph Cornell doit beaucoup au surréalisme, notamment sa conception fondamentale de l’image comme produit de la juxtaposition poétique, l’inverse est également vrai. L’exposition permet de mieux comprendre ce que l’artiste a apporté au courant. Cette exposition a pour première ambition de faire découvrir l’un des plus grands artistes du 20e siècle et de dévoiler les échanges entre les scènes américaine et européenne. Si les courants transatlantiques avaient déjà été explorés en 2008 dans une précédente exposition, Repartir à zéro comme si la peinture n’avait jamais existé, c’est une autre traversée artistique et intellectuelle qui est proposée ici. 

L’exposition est organisée en collaboration avec le Fralin Museum of art, University of Virginia et avec le concours de collections françaises et étrangères, publiques et privées. Elle sera présentée au Fralin Museum of art dans une version adaptée. Cette manifestation est organisée avec le soutien de Terra Foundation for American Art, du réseau de coopération culturelle FraMe (French Regional American Museum Exchange), de la Fondation Annenberg, et de l’ambassade des Etats-Unis d’Amérique.

Commissaires d'exposition : Sylvie RAMOND, Conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée des Beaux-Arts de Lyon 
Matthew AFFRON, Muriel and Philip berman Curator of Modern art, Philadelphia Museum of Art

Cette exposition est accompagnée d’un riche catalogue publié aux éditions Hazan :

Joseph Cornell et les surréalistes à New York
Catalogue de l'exposition, Courtesy Hazan

Cette exposition est reconnue d’intérêt national par le Ministère de la culture et de la communication / Direction des musées de France. 

Musée des Beaux-arts de Lyon