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Art Exhibitions, Art Fairs, Visual Arts, Photography, Graphic Arts, Design, Video Art, Architecture, Films, Photo / Imaging Equipments, Publications


October 30, 2013

Ubermorgen Exhibition: userunfriendly, Carroll / Fletcher, London

UBERMORGEN, u s e r u n f r i e n d l y 
Carroll / Fletcher, London
Through 16 November 2013

UBERMORGEN 
Singapore Psychos, Neo, 2013
Archival Pigment Print on Canvas, 186x140cm
Image Courtesy Carroll / Fletcher, London

u s e r u n f r i e n d l y is the first solo exhibition in the UK for UBERMORGEN - the Swiss-Austrian-American duo founded in 1999 by lizvlx and Hans Bernhard. The exhibition features installations, videos, websites, actions, pixellated prints, digital-oil paintings and photographs in a hyper-active, super-enhanced exploration of censorship, surveillance, torture, democracy, e-commerce, and newspeak. The works seek to destabilise our understanding of the influence of technology, corporations and governments on our everyday lives and subvert the dominant networks of power that structure our world.

The exhibition includes two new installations - Do You Think That’s Funny? – The Edward Snowden Files (2013) and CCTV – A Parallel Universe (2013) – that continue UBERMORGEN’s open-ended investigations into corporate and governmental authority; investigations that involve and implicate both the artists and the audience in a complex global network of power and influence. Perpetrator (2013) – a series of photographic and video works based on the life of Guantanamo Bay military guard Chris Arendt and his two month stay at the artists’ home in 2008 – and [V]ote-Auction (2000) – a platform that enabled trading of electoral votes in the presidential race between George W. Bush and Al Gore – broaden the scope of the artists’ research to consider the nature of and links between institutional and individual agency and responsibility.

Throughout the exhibition the infiltration and influence of the digital realm on the physical is further explored through paintings, prints and photographs. The Deephorizon (2010) series of digital-oil paintings (based on aerial images of the 2006 oil rig disaster in the Gulf of Mexico) reconsiders ‘oil painting’ as a live performance of process-based art form. Whilst the Psych|OS (2002 and 2012) series of photographs explores our relationship with mental illness, and complements the Oldify (2013) series of prints that utilise the Oldify™ app that takes an image and ages it: ‘It’s the perfect way to confront your own mortality during the springtime of your life.’ Huffington Post

In a section of the exhibition, Aram Bartholl curates a selection of UBERMORGEN’s Net.Art works on as series of wireless routers hung in the gallery. Each artwork is assigned a single Wi-Fi router, which is accessible through devices such as smart-phones, tablets or laptops. The content of the artwork is visible only on the visitor’s private screen.

UBERMORGEN’s research-based practice is driven by a desire to satisfy their own curiosity, without the constraints of having a defined political agenda or preconceived beliefs: ‘If art and art production politicises itself, it becomes political and ceases to be art’ (UBERMORGEN.COM, Manifesto, 2009). Influenced by Dada and the Viennese Actionists, UBERMORGEN’s ‘digital actionism’ utilises modern technologies and performance-based strategies to devise multilayered, flexible narratives that blend fact and fiction to draw both the artists and the audience in a real-time, ever-evolving high-stakes game.

The exhibition is accompanied by a 32 pages publication featuring an essay by curator Magda Tyżlik-Carver and conversations between UBERMORGEN and Austrian quantum physicist Dr. Tobias Noebauer and between UBERMORGEN and Edward Snowden.

Carroll / Fletcher 
Eastcastle Street, London

October 23, 2013

Expo Sigmar Polke, Musée de Grenoble, 2013-2014


Exposition Sigmar Polke 
Musée de Grenoble 
9 novembre 2013 - 2 février 2014 

Douze ans après la dernière exposition consacrée à SIGMAR POLKE en France, et trois ans après sa disparition à l'âge de 69 ans, le musée de Grenoble présentera du 9 novembre 2013 au 2 février 2014 un important ensemble d'œuvres de l'artiste réalisées entre le début des années 80 et le milieu des années 2000. Essentiellement consacrée à la peinture, cette sélection comprendra néanmoins une section d'œuvres sur papier. Elle a été constituée grâce à l'appui et à la générosité de la Succession Sigmar Polke ainsi qu'aux prêts de nombreuses collections publiques et privées européennes.

Figure de premier plan de la peinture de ces cinquante dernières années, SIGMAR POLKE (1941-2010) comme beaucoup d'artistes allemands de sa génération a grandi en Allemagne de l'Est avant de passer à l'Ouest en 1953. Après avoir reçu une formation auprès d'un maître verrier, il suit au début des années 60 les cours de l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, dominée alors par la personnalité charismatique de Joseph Beuys. C'est là qu'il rencontre Gerhard Richter et Konrad Lueg avec qui il fonde le Réalisme capitaliste qui se veut une réponse germanique au Pop- Art américain. Préférant à l'analyse méthodique d'un Richter une approche expérimentale, libre et iconoclaste des éléments constitutifs de la peinture, il s'ingénie à rendre caduques les classifications entre figuration et abstraction, culture classique et culture populaire, sacré et profane...

De fait, tout en s'inscrivant dans les grands courants de la création artistique de son époque, du Pop Art à Fluxus en passant par l'art conceptuel, Sigmar Polke a profondément renouvelé le langage pictural de la fin du 20e siècle. Son désir incessant d'expérimentation touche aussi bien les images dont il met en question la hiérarchie et interroge le mode d'apparition, que le support qu'il active au point de le rendre pleinement constitutif du tableau, ou encore les couleurs dont il traque les potentialités tant physiques que plastiques. Sa démarche se place dans une perspective de revitalisation du pouvoir subversif de l'art en s'appuyant tant sur la déstabilisation des mécanismes de perception que sur le bouleversement des genres et des catégories.

L'exposition rendra compte, à travers les différents médiums utilisés par l'artiste, des recherches qu'il a conduites avec une extraordinaire capacité de renouvellement et un sens inné de l'iconoclasme. Prenant en compte la profonde évolution qui se produit dans sa peinture au début des années 1980, elle s'attachera aux œuvres réalisées durant les trois dernières décennies de sa vie. Elle témoignera, sous l'apparent foisonnement des expérimentations, de la très grande cohérence de cette démarche exceptionnelle.

Guy Tosatto, conservateur en chef, directeur du musée de Grenoble

Musée de Grenoble
5, place de Lavalette 38000 Grenoble

Herbert Matter, Higher Pictures, New York

Herbert Matter – Mercedes 1940
Higher Pictures, New York
October 24 - December 7, 2013 

Higher Pictures presents Mercedes 1940, by Herbert Matter. This is the first New York solo exhibition of Herbert Matter in over a decade.

The exhibition consists of eleven vintage silver gelatin photographs of Mercedes Carles by Herbert Matter, made in the summer before they married. Matter’s intimate portraits of Mercedes are the visual results of a thrilling act by an artist and lover, a dance of seduction with the camera, Mercedes’ energy and allure. Introduced in 1938 by Fernand Léger, the pair became one of the most powerful and influential art world couples of the 20th century. Throughout their sixty-year marriage, their close friends and associates included Jackson Pollock, Franz Kline, Willem de Kooning, Fernand Léger, Alexander Calder, Alberto Giacometti, Charles and Ray Eames, Buckminster Fuller and fellow Swiss photographer Robert Frank.

A pioneering figure in photography, Herbert Matter came to the United States in 1935. Matter was inspired by the Russian Constructivists and Man Ray. It is noted that his light drawings anticipated Abstract Expressionism and indeed may have influenced his friend Jackson Pollock. He employed all manner of darkroom techniques to create his photographs, including collage, montage, solarization, reverse printing, retouching, cropping, and re-photographing.

Reticent but much respected, the Swiss-born New York photographer HERBERT MATTER (1907-1984) was the rare figure who bridged the commercial arts and fine arts. His wife, Mercedes Matter (1913-2001), the painter, muse and New York School maven was born into the art world. Her mother was Mercedes de Cordoba, who modeled for Edward Steichen and other members of the Photo-Secession; her father was the early American modernist painter Arthur B. Carles.

Upcoming Exhibition: Bruce Gilden 

HIGHER PICTURES
980 Madison Avenue
New York, NY 10075
Gallery website: www.higherpictures.com

October 21, 2013

Fujifilm instax mini 90 Neo Classic

Fujifilm instax mini 90 Neo Classic

FUJIFILM instax mini 90 « Neo Classic »

Fujifilm présente un nouvel appareil photo instantanée avec le nouvel instax mini 90 « Neo Classic », la « crème » des minis appareils photo instantanée de la gamme instax. Cet élégant boîtier au design haut de gamme se démarque du design des précédents modèles et bénéficie d’un large éventail de modes photographiques pour des images encore plus authentiques.

Petites images à offrir ou à conserver, la gamme intax proposent un espace d’écriture pour une dédicace, un mot doux, une légende… Le nouvel instax mini 90 « Neo Classic », aux performances photographiques optimisées, est doté d’un design haut de gamme original qui devrait séduire les utilisateurs des boîtiers à objectifs interchangeables et les amoureux d’appareils photo perfectionnés. L’instax mini 90 mesure la luminosité ambiante et propose des photos de grande qualité via un réglage automatique de la vitesse d'obturation et de l'intensité du flash.

L'instax mini 90 « Neo Classic » gagne en efficacité avec quelques nouveaux modes photographiques comme la double exposition (deux pressions sur le déclencheur génèrent deux images sur la même image) et la pose B*1 (10 secondes maximum) pour restituer parfaitement l’ambiance des scènes de nuit ou des filés de lumière*2 ouvrant à une utilisation artistique typiquement « instax ». Cet appareil est doté de modes photographiques adaptés à toutes les situations, notamment :
- le « mode macro » (pour la réalisation de gros plans sans recourir à une bonnette macro),
- le « mode enfants » (destiné aux sujets mobiles, voire turbulents, via l’utilisation d'une vitesse d'obturation rapide),
- le « mode fête » pour photographier un sujet et son arrière-plan, avec précision, même dans l'obscurité. 

L'instax mini 90 Neo Classic ouvre ainsi une large gamme d’opportunités photographiques.

FUJIFILM instax mini 90 « Neo Classic »

Fujifilm instax mini 90 Neo Classic : Caractéristiques principales
- Design élégant de haut de gamme
- Détection automatique de la luminosité ambiante, réglage automatique de l'intensité du flash et de la vitesse
- Nombreuses fonctions photographiques :
o Double exposition : 2 images sont reproduites sur 1 image via deux pressions sur le déclencheur,
o Pose B : L'obturateur reste ouvert lorsque l'utilisateur appuie sur le déclencheur (10 secondes maximum), ce qui permet de restituer la lumière sous forme d’un filé,
- Mode macro : prise de vue rapprochée (30-60 cm),
- Mode enfants : adapté à la prise de vue d'enfants, d'animaux domestiques et d'autres sujets en déplacement rapide (utilisation d'une vitesse d'obturation rapide),
- Mode fête : restitution claire et nette du sujet et de l'arrière-plan,
- Divers (mode paysage, mode flash activé/désactivé)

*1 Obturateur ouvert tant que l'utilisateur appuie sur le déclencheur. Ce mode permet de réaliser de longues expositions afin d’enregistrer sur le film la faible lumière présente dans les lieux très sombres. Si le sujet bouge pendant l'exposition, son mouvement est restitué sous forme d’un filé ou d’un flou. 
*2 Lumière résiduelle laissant une trace

FUJIFILM instax mini 90 « Neo Classic »

October 19, 2013

Fiac 2013 - La 40eme édition

FIAC - THE FIRST FORTY YEARS
Grand Palais & Hors les murs
24-27 octobre 2013

Affiche de la FIAC 2013
(c) M/M, Paris

Cette année la FIAC célèbre sa 40ème édition. Elle poursuit son développement et confirme son statut de foire internationale de premier plan. Rester attentif aux évolutions et aux enjeux de la création contemporaine ; s’interroger devant les transformations des métiers de galeriste et de l’exposition ainsi que les pratiques artistiques elles-mêmes ; mener des actions prospectives ; être créatif et réactif tout en assurant un esprit de continuité dans la conception de l’événement ; tels sont les fondements de cette quarantième édition de la FIAC.

La FIAC 2013 rassemblera au Grand Palais 184 galeries venues de 25 pays. La France est représentée par 55 galeries, puis viennent les Etats-Unis avec 33 galeries, l’Allemagne avec 22 galeries, l’Italie avec 13 galeries, le Royaume-Uni avec 12 galeries, la Belgique avec 11 galeries, la Suisse et le Brésil avec 5 galeries chacun. Les pays nouvellement représentés cette année sont le Canada, l’Irlande et la République Tchèque. 36 galeries participent pour la première fois ou sont de retour à la FIAC.

La FIAC témoigne cette année encore de son ouverture aux différentes formes de création en amplifiant son programme Hors les Murs : Rayonnant depuis sa base historique, le Jardin des Tuileries, Domaine National du Louvre, premier site Hors les Murs inauguré en 2006, la FIAC s’étend au Jardin des Plantes et aux différents espaces du Muséum national d’Histoire naturelle, à la Place Vendôme et pour la première fois le long de la Seine grâce au réaménagement des Berges de Seine rive Gauche, projet phare de la Ville de Paris pour l’année 2013. 

Le programme de performances de la FIAC, Ouvertures/Openings, conçu et réalisé en collaboration avec le Musée du Louvre, trouve cette année un complément avec l’inauguration de In Process, cycle de performances dédié à la jeune création conçu en collaboration avec le commissaire d’exposition Medhi Brit. Les programmes de films d’artistes au Cinéphémère (réalisé en collaboration avec la Fondation d’entreprise Ricard) et à l’Auditorium du Grand Palais se poursuivent et s’étoffent grâce à la collaboration avec MK2. Initiés en 2012, les deux programmes de conférences sont renouvelés cette année, ainsi que les cartes blanches du Silencio proposées aux artistes.

La 40ème édition de la FIAC sera aussi l’occasion de découvrir une programmation artistique exceptionnelle à Paris et en régions. Les synergies que la FIAC développe avec les acteurs de la vie culturelle par des initiatives telles que le Parcours Privé et la Nocturne des galeries parisiennes, jeudi 24 octobre, participent à la valorisation internationale de la scène artistique française.

GRAND PALAIS 
Avenue Winston Churchill, 75008 Paris

JARDIN DES TUILERIES 
Entrées Place de la Concorde 
Rue de Rivoli 
Quai des Tuileries 
Avenue du général Lemonnier 
Passerelle Solferino

JARDIN DES PLANTES 
Entrées 57 rue Cuvier
2 rue Buffon 
36 rue Geoffroy-Saint-Hilaire 
place Valhubert 
75005 Paris 

PLACE VENDÔME 

Chrifra 1, Exposition Chine-France, Paris

CHIFRA#1 L’EXPOSITION CHINE - FRANCE 
Face au Grand-Palais, Avenue des Champs-Elysées, Paris 
22-28 octobre 2013


Ce projet d’envergure a été créé sur l’impulsion d’une collectionneuse de Pékin, DENG Xihong, mue par le désir de montrer trois générations d’artistes chinois, de premier plan, qui devraient bénéficier en Occident d’une aura comparable à celle des stars de l’art contemporain promues par les médias internationaux. En effet, les artistes qu’elle soutient, formés aux techniques de l’art pictural tiennent une place de première importance dans le panorama culturel chinois, ont l’amour du public et constituent des valeurs sûres du marché de l’art asiatique.

Cette exposition, est coordonnée par le directeur du Namoc à Pékin (Musée d’Art national de Chine), FAN Dian. Elle a reçu le soutien du Ministère de la culture de la RP de Chine.

L’exposition, voulue par DENG Xihong, mécène du projet montre le rôle décisif qu'a tenu la France au XXème siècle, Paris étant alors le socle de l'art international.

En effet elle souligne combien l’enseignement traditionnel de l’art en France a influencé la peinture et la sculpture chinoise. La première génération d’artistes chinois est venue en France au début des années 30, avant de repartir en Chine pour transmettre aux plus jeunes les techniques apprises à Paris.

Après la fin de la Révolution culturelle, dans les années 80, la Chine s’ouvrant au monde et créant de nouveaux rapports avec le « monde occidental » , les nouvelles générations d’artistes ont pu s’exprimer avec une diversité de sources d’inspiration et de mediums et participer au développement de l’art chinois contemporain, pendant que de nouvelles avant-gardes voyaient le jour.

« En Chine, la modernité en art n’est pas une valeur en soi. Chaque génération d’artiste n’a pas à provoquer de rupture pour s’affirmer et exister. Les transmissions et enseignements aussi bien dans la peinture sur papier que dans la peinture à l’huile, n’ont pas changé et on y apprend à peindre comme toujours mais sans fermer les yeux sur le monde », déclare Rémy ARON, fondateur de l’association ChiFra Paris.

Un éloge de la peinture, loin des jeux de la spéculation

Selon Alin AVILA, curateur, cette exposition est avant tout un éloge de la peinture. « Deux sources de l’art sont en confluence, permettant d’en apprécier les différences mais aussi de mesurer ce qu’ils ont en commun.

Si les valeurs, les techniques et les sujets en Chine et en Occident sont différents, la peinture joue un même rôle philosophique et symbolique. La peinture revient au coeur de son mystère, celui qui lie l’homme à la nature et aux autres. On retrouve son métier, l’invention des lumières, des mythes et des forces tutélaires.

Cette exposition renonce à tous les jeux spéculatifs qui altèrent l’image de l’artiste, pour en faire l'otage de, l'idéologie, du marché et de la mode.

L'artiste redevient démiurge, sa main redevient créatrice, et son oeuvre un univers à part entière, ouvert à toutes les inventions ».

CHIFRA#1 L’EXPOSITION CHINE - FRANCE : LES ORGANISATEURS
DENG Xihong, mécène et coordination générale
Rémy ARON, président de l’association ChiFra Paris, Artiste
FAN Dian, curateur pour la sélection chinoise
Directeur du NAMOC (National Art Museum of China)
Alin AVILA, curateur pour la sélection française, critique d’art et curateur indépendant

CHIFRA#1 L’EXPOSITION CHINE - FRANCE : LES ARTISTES

ARTISTES CHINOIS
BAI Ming, CHAO Ge, DU FangXiao, DUAN Zhengqu, FEI Zheng, GUANG Jun, GUO Runwen, HAO Qiang, HONG Ling, JIA Juanli, LI Dongxia, LI Lei, LI Xiangming, LIN Mao, LUO Ling, SUN Jiabo, TAN Ping, TIAN Haipeng, WANG Keiju, WANG Wenming, WANG Yishi, WU Yang, XU Ze, XU Zhongou, YAN Ping, YANG Yongsheng, YANG Feiyun, YUAN Zhengyang.

ARTISTES FRANCAIS
Pat ANDREA, Rémy ARON, Jean CARDOT, Pierre CARRON, Erik DESMAZIERES, Philippe GAREL, Abraham HADAD, Christine JEAN, Natalie MIEL, Zwy MILSHTEIN,  Moreno PINCAS, Serge PLAGNOL, Marie RAUZY, Vladimir VELICKOVIC.

INFORMATIONS PRATIQUES
Avenue des Champs-Elysées, Paris, face au Grand Palais pendant la Fiac
Ouverture au public tous les jours de 11h00 à 20h00
Vernissage le mercredi 23 octobre, de 15h00 à 22h00
Tarifs : 8€ (dont une partie sera reversée aux associations d’aide à l’éducation artistique d’orphelins en Chine) - Gratuit pour les étudiants, les demandeurs d’emploi, les jeunes de moins de 25 ans.

Métro : Lignes 1 ou 13 [Champs-Elysées-Clémenceau] et Lignes 1, 8 ou 12 [Concorde]

Catalogue en vente

October 18, 2013

Expo Art Arborigène, Bordeaux, Musée d'Aquitaine

Mémoires Vives, Une histoire de l'art Arborigène 
Musée d'Aquitaine, Bordeaux 
16 octobre 2013 - 30 mars 2014

Le musée d'Aquitaine présente à travers l'exposition Mémoires Vives une introduction à l’histoire de l’art Aborigène australien dans sa relation à l’ancien et au moderne. Le parcours confronte objets traditionnels et oeuvres contemporaines pour comprendre les transformations et le dynamisme de cette tradition artistique vieille de plus de 40.000 ans, à l’origine de nombreux mouvements contemporains en Australie.  

Imants Tillers & Michael Nelson Jagamara 
Fatherland, 2008 
Acrylique et gouache sur panneaux, 228 x 356 cm 
Collection particulière, Australie 

William Barak 
Danse du boomerang, début du 20e siècle 
Aquarelle 
Collollection du Musée d'ethnographie de Neuchâtel, © Alain Germond 

La colonisation européenne de l’Australie à la fin du 18e siècle a provoqué une dislocation partielle des 250 cultures aborigènes qui vivaient sur le continent. L’art rituel, au cœur de la vie religieuse et sociale aborigène, a cependant réussi à survivre dans de nombreuses régions et à constituer la base de nouvelles formes d’art qui ont émergé comme réponses créatives à l’invasion européenne. Fresques éphémères sur sable, peintures sur le corps ou sur la roche, gravures sur bois ont ainsi été transposées sur de nouveaux supports mobiles et permanents: écorces, toiles, photographies, vidéos, installations révélant une profonde capacité d’innovation tant formelle que conceptuelle. Alors que la plupart des pratiques traditionnelles donnent à voir l’origine mythique de lieux sacrés, les œuvres actuelles participent aussi à définir la place des artistes autochtones dans un monde globalisé.

La question de l’authenticité des œuvres créées depuis l’irruption coloniale traverse l’ensemble de la création Aborigène et tend à montrer que tradition et modernité ont toujours été deux forces simultanément actives dans les expressions artistiques australiennes.

De nombreux artistes Aborigènes aux influences interculturelles variées réinterprètent aujourd’hui la culture matérielle de leurs ancêtres et lui confèrent un sens nouveau, posant la question de la place des artistes non occidentaux dans la société australienne et dans le monde. C’est donc ce mouvement de renaissance d’une culture ancienne que l’exposition se propose de montrer en reliant des œuvres contemporaines à leurs sources traditionnelles. 

Brook Andrew 
YOU'VE ALWAYS WANTED TO BE BLACK (white friend), 2006 
Néon et peinture murale 
Galerie nationale d’Art Zachęta, Varsovie & Centre d'art contemporain, Vilnius
© Courtesy the artist and Tolarno Galleries 

Artistes : Brook Andrew, William Barak, Tommy Mc Rea, , Albert Namatjira, David Mowarljarlai, Uta Uta Jangala, Yala Yala Gibbs Tjungurrayi, Mick Namarari Tjapaltjarri, Shorty Lungkarda Tjungurrayi, Timmy Payungka Tjapangati, Turkey Tolson Tjupurrula, Coiley Campbell, Cliff Reid, Reko Rennie, Archie Moore, James Iyuna, Tom Djawa, Dawidi, John Mawurndjul, Kay Lindjuwanga, Rover Thomas, Paddy Bedford, Boxer Milner, Ray James Tjangala, Nora Wompi, Eubena Nampitjin, Gordon Bennett, Zhou Xiaoping, Imants Tillers, Karel Kupka, Sidney Nolan, Esther Giles Nampitjinpa, Nyurapayia Nampitjinpa, Shorty Jangala Robertson, George ward Tjungurrayi, Michael Nelson Jagamarra, Curtis Taylor, Lily Hibberd, Sally Gabori, Pierre Alechinsky, Mike Kelley, Danie Mellor, Paji Honeychild Yan Karr, Johnny Bulunbulun, Garry Jones, Tim Johnson, Christian Thompson, Lydia Balbal. 

Commissaires de l'exposition : Paul Matharan, conservateur chargé des collections extra-européennes (Musée d’Aquitaine) et Arnaud Morvan, anthropologue, Laboratoire d’Anthropologie sociale (Paris)

MUSEE D'AQUITAINE, BORDEAUX
20 Cours Pasteur, 33000 Bordeaux
www.musee-aquitaine-bordeaux.fr 

October 17, 2013

Sol LeWitt at Turner Contemporary, Margate, Kent, UK

Sol LeWitt, Wall Drawing #1136 
Turner Contemporary, Margate, Kent 
3 December 2013 - 8 June 2014

Turner Contemporary in UK showcases work by the prolific and influential American artist SOL LEWITT (1928-2007), presenting his spectacular Wall Drawing #1136 in the gallery’s Clore Learning Studio from the 3 December 2013 until 8 June 2014.

The work is one of a number of vibrant drawings Sol LeWitt made in the last years of his life, following his earlier works in pencil and ink. Curved and vertical bands of brightly coloured acrylic paint (every primary and secondary colour plus grey) are applied by hand directly onto the walls to create a dazzling environment that surrounds the viewer.

Sol LeWitt is particularly associated with the development of Conceptual art in the 1960s. Like other conceptual art works by Sol LeWitt, Wall Drawing #1136 is concerned with ideas of geometry, repetition and mathematical precision and exists as a set of instructions written by the artist and accompanied by an illustrated diagram. Designed to be physically executed by others (only the very first Wall Drawing was produced by LeWitt himself) the works can be endlessly repeated in different locations at different times, generally only existing for the period of the exhibition.

Wall Drawing #1136 is on loan from ARTIST ROOMS, an inspirational collection of modern and contemporary art acquired for the nation by Tate and The National Galleries of Scotland through the generosity of Anthony d'Offay with additional support from funders, including the Art Fund. The ARTIST ROOMS tour programme, now in its sixth year, is showing at 18 museums and galleries across the UK in 2014. The tour is made possible thanks to the support of Arts Council England and the Art Fund.

To find out more information about ARTIST ROOMS On Tour visit artfund.org/artistrooms. To see the full ARTIST ROOMS collection visit tate.org.uk/artistrooms and nationalgalleries.org/artistrooms.

TURNER CONTEMPORARY 
Rendezvous, Margate, Kent, CT9 1HG, UK

Expo Edith Piaf, Ministère de la Culture, Paris

Edith Piaf, petite robe noire et autres souvenirs issus des collections de la BnF 
Ministère de la Culture et de la Communication, Paris 
Jusqu'au 9 novembre 2013 

A l’occasion des cinquante ans de la disparition d'EDITH PIAF, le ministère de la Culture et de la Communication présente l’exposition intitulée Edith Piaf, petite robe noire et autres souvenirs. Elle réunit un florilège d’une soixantaine de pièces et documents provenant des collections de la Bibliothèque nationale de France et évoque la vie et la carrière de la chanteuse, star de renommée internationale et idole populaire d’hier et d’aujourd’hui. 

Le public peut admirer la petite robe noire d’Edith Piaf si emblématique de sa présence en scène. Il découvrira ou redécouvrira des affiches, programmes et pochettes de disque de l’époque, des photographies, de son enfance, de ses proches et de sa carrière à la scène et au cinéma, des lettres d’anonymes ou d’artistes connus comme Jean Cocteau, Charles Aznavour ou Charles Dumont, ainsi que la matrice en cuivre des inédits de Piaf découverts en 2003.

Les pièces exposées sont toutes issues des collections de la Bibliothèque nationale de France. Le département des Arts du spectacle, la plus importante collection patrimoniale consacrée au spectacle vivant en France, conserve en particulier un fonds d’archives « Edith Piaf » constitué grâce à la générosité de Danielle Bonel, secrétaire et confidente de l’artiste, et de l’association Les Amis d’Edith Piaf. Les autres trésors exposés proviennent des départements de l'Audiovisuel, des Estampes et de la Photographie, et de la Musique. 

Commissaire de l’exposition : Joël Huthwohl, directeur du département des Arts du spectacle (BnF)

Exposition au ministère de la Culture et de la Communication, 182, rue Saint-Honoré, 75001 PARIS

Dans le cadre de cette exposition est projeté le film Piaf intime réalisé par Valérie Esposito Coproduction Imagine INA 2013

October 12, 2013

The Broncolor Softbox System

New Softboxes and Octaboxes from Broncolor 

 Photo (c) Broncolor

Square, rectangular, as a strip or octagonal. The new Softboxes and Octaboxes from broncolor are optimised light shapers for precise lighting design in nine different shapes and sizes. 

These quality, high-performance light shapers extend your flash system and offer countless additional lighting effects. Three different diffusers enable a soft light with slight central emphasis through to perfectly homogeneous distribution over the entire area. Two diffusers are already included in the delivery, a third diffuser is available as an option. With a light grid, light control can be even more precise. With appropriate speedrings, Softboxes can also be used with flash units from other manufacturers as Profoto, Hensel, Elinchrom, Bowens, Multiblitz-Profilux/Varilux and for other camera
flash units.

Photo (c) Broncolor

With the colour coding on the rear face of the speedrings, it is child’s play to quickly assemble any Softbox. broncolor offers for numerous different flash manufacturers speedrings so that any Softbox becomes independent of a particular system. 

Photo (c) Broncolor

Two diffusers are included in the delivery of every Softbox. The third diffuser can be ordered separately. It has a distinct black border, which enables clean work with strongly reflective objects. The broncolor Softbox is then perfectly and uniformly illuminated over its entire surface. With an additional light grid for every Softbox, the radiation angle can be reduced, and so unwanted scattered light avoided. 

More information at www.broncolor.com

Cinéma au Salon de la Photo 2013 : le 7ème Art à la 7ème édition du Salon de la Photo à Paris

POUR SA 7e ÉDITION,
LE SALON DE LA PHOTO
BRAQUE SES PROJECTEURS
SUR LE 7ème ART

7ème ART, avec des portraits de stars hollywoodiennes :
Exposition STARS AU FIRMAMENT D’HOLLYWOOD, COLLECTION DE LA MEP

La Maison Européenne de la Photographie a imaginé, spécialement pour le SALON DE LA PHOTO, une exposition de 26 portraits des stars les plus mythiques d’Hollywood des années 1930 à 1960, réalisés par de prestigieux photographes : Richard Avedon, Walter Carone, George Hurrell, Jean-Loup Sieff, Raymond Voinquel.

Walter CARONE
Marlon Brando, chez Hervé Mill, juin1949
© Serena Carone
Collection Maison Européenne de la Photographie, Paris

Walter CARONE
Marilyn Monroe sur un éléphant rose, au cirque Barnum, mars 1955 
© Serena Carone
Collection Maison Européenne de la Photographie, Paris

7ème ART, avec les photos de tournage de la Nouvelle Vague par le photographe Raymond Cauchetier à qui le salon consacre une rétrospective : « Flashback sur Raymond Cauchetier » où l’on retrouvera une vie de photographies: ses années en Indochine, ses voyages en Asie, ses quêtes d’Art médiéval…

Raymond CAUCHETIER
1964 - La Peau Douce (François Truffaut)
Haute coiffure. Nicole Félix semble surprise de l’essor de la coiffure de Françoise Dorléac
© Raymond CAUCHETIER

« J’ai fait mes débuts dans le monde du cinéma, sans me douter que j’allais bientôt illustrer à ma façon la révolution cinématographique que devait être la Nouvelle Vague. Le photographe de plateau est alors un technicien aux fonctions mal définies. On lui demande surtout de faire une photo, place caméra, à la fin d’un plan et de disparaître illico. (.…) On ne sait trop quoi faire de ses photos, qui n’intéressent guère que la script en quête de raccords. Pourtant, c’est à ce moment qu’apparaît Jean-Luc Godard, qui se lance dans le tournage d’A Bout de Souffle. Un souffle nouveau bouleverse le monde du cinéma… » -- Raymond Cauchetier

Raymond CAUCHETIER
1962 - La Baie Des Anges (Jacques Demy)
Jeanne Moreau et Claude Mann 
© Raymond CAUCHETIER

7ème ART, avec les Grandes Rencontres
Les appareils photo développent la fonction vidéo et les reflex sont utilisés pour le tournage de films, notamment, par le réalisateur Cédric Klapisch. II sera l’invité samedi 9 novembre des Grandes Rencontres. 

Pour son film Ma Part du Gâteau, Cédric Klapisch a, en plus des images tournées en cinémascope traditionnel, réalisé environ un quart des images avec des appareils photo reflex : 

« C’était assez improbable, on a vite vu qu’en nuit, l’appareil photo était bien meilleur que la pellicule. Nous avons obtenu des images qui étaient pratiquement impossibles en film. Outre leur taille très réduite, qui permet de les embarquer dans des endroits inaccessibles, les appareils photo permettent surtout de laisser beaucoup de liberté aux acteurs, car on n’a plus à se soucier ni de la durée ni du coût de la pellicule. Et vu le prix réduit des appareils, on peut aussi en utiliser plusieurs pour une même prise. Cela a été une nouvelle façon de travailler, qui permet plus de naturel, voire même qui nous rapproche du documentaire. Au final, l’image est différente à la fois dans le rendu technique, mais aussi dans la mise en scène. » -- Cédric Klapisch



LE SALON DE LA PHOTO
07 - 11 NOVEMBRE 2013
PARIS EXPO - PARIS - PORTE DE VERSAILLES

October 11, 2013

Shirazeh Houshiary exhibition at Lehmann Maupin Gallery, NYC

Shirazeh Houshiary: The eye fell in love with the ear 
Lehmann Maupin Gallery, New York 
30 October - 28 December 2013

SHIRAZEH HOUSHIARY
Echo, 2013
Pencil, pigments and black aquacryl on canvas and aluminum, two panels, 
each 74.8 x 106.3 inches, 190 x 270 cm; overall 74.8 x 212.6 inches, 190 x 540 cm.
Courtesy of Lehmann Maupin Gallery

SHIRAZEH HOUSHIARY’s sixth solo show with Lehmann Maupin features a selection of new paintings that continue to demonstrate the artist’s scale of effort and process which unites line, color, and light to shape a meditative visual experience. The eye fell in love with the ear will also include Houshiary’s new animation Dust in addition to a series of anodized aluminum twisting helical sculptures. 

Shirazeh Houshiary’s work explores the very nature of existence. Through her chosen media of painting, sculpture and video, the artist exposes the nature of human experience to time and space, marked by a multitude of binary ideas which include transparency and opacity, presence and absence, and light and shadow. By exploring these polarities, Houshiary illuminates unique moments suspended in time that reveal and ignite qualities that are often unseen. In creating her works the artist draws inspiration from both established formal principles of Western painting and the rich traditions of Islamic art, however the aesthetic outcome is a new order that is foreign to both. Houshiary’s paintings, which she describes as “a thin skin,” unravel concepts such as perception and cognition to suggest multiple visual planes that appear to pulse and undulate. Intricate markings resembling script are repeated and overlapped across each canvas to create luminous patterns that seem to morph into vapor. The depicted gashes and hazy abstract imagery of each work hint of an infinite dimension and create a space for both imagination and contemplation. Subsequently, the artist’s intense concentration and process in realizing these works is then echoed in the contemplative gaze of the viewer.

Shirazeh Houshiary’s current body of work ambitiously expands her concepts in both scope and scale. Echo, the second diptych painting ever produced by the artist, offers an immersive experience to the viewer that evolves and is altered by their physical relationship to the painting. 

Her newly produced animated film entitled Dust further captures the unseen through a combination of moving images of a single candle burning. As soot from the flame accumulates and dissipates at varied time intervals, these visual transformations paired with a chant, moving as a wave from low to high and back to low, by soprano Olivia Salvadori convey the past, present and future simultaneously. 

Finally, a new trio of sculptures further explore the dichotomy and tension found in Shirazeh Houshiary’s paintings and illustrates the visual vibration of her two-dimensional works in full form. 

SHIRAZEH HOUSHIARY (b. 1955; Shiraz, Iran) moved to London in the mid 1970s, where she studied at the Chelsea School of Art, London and later at Cardiff College of Art. Shirazeh Houshiary quickly became established alongside a generation of sculptors working in Britain in the 1980s, including Anish Kapoor and Richard Deacon. A Turner Prize nominee in 1994, Houshiary has been included in solo and group exhibitions at the Broad Art Museum, Michigan (2013); Royal Academy of Arts, London (2012); The Dayton Art Institute, Ohio (2011); Museum of Modern Art, New York (2007); Tate Liverpool (2003); and Camden Arts Centre, London (1993), among others. In 2013, Houshiary’s work was included in two collateral exhibitions at the 55th Venice Biennale, including a site-specific installation at La Torre di Porta Nuova, Arsenale Nord and Glasstress 2013. The artist’s work was also recently featured in the Kiev Biennale (2012) and the 17th Biennale of Sydney (2010). 

Shirazeh Houshiary’s work can be found in prestigious public collections including the British Council Collection, London; The Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Contemporary Art, Prato; Museum of Modern Art, New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; and Tate Modern, London, among others. 

Shirazeh Houshiary lives and works in London. 

Lehmann Maupin Gallery
201 Chrystie Street, New York, NY 10002 

October 10, 2013

Expo Katryn Cook, MuCEM, Marseille : Memory of trees. Un travail sur la mémoire de l’histoire arménienne

Kathryn Cook : Memory of trees 
MuCEM, Fort Saint-Jean, Marseille 
Jusqu'au 18 novembre 2013 

KATRYN COOKMemory of trees © Kathryn Cook

KATRYN COOK, photographe de l’Agence Vu, réalise un travail sur la mémoire de l’histoire arménienne de 1915 à nos jours, des villages arméniens aux quartiers Marseillais. Memory of Trees regroupe des photographies et une vidéo de l’artiste qui confronte les archives historiques aux quelques traces qui subsistent en Arménie.

Née en 1979, de nationalité américaine, Kathryn Cook grandit à Albuquerque au Nouveau Mexique. Elle débute sa carrière professionnelle à l’agence Associated Press en 2003. Elle quitte l’agence deux ans plus tard pour se consacrer à ses projets personnels. En 2006 elle s’installe à Istanbul, en Turquie où elle démarre un projet de longue haleine sur les traces du génocide arménien. Elle partage désormais sa vie entre Istanbul et Rome et se concentre sur la mémoire et la conscience collective dans les sociétés post-génocidaires, notamment en Turquie, au Moyen-Orient et au Rwanda. 

KATRYN COOK, Lake Van, Eastern Turkey, 2007 © Kathryn Cook

Le travail photographique de Kathryn Cook depuis plus de trois ans, explore la mémoire du génocide arménien en Turquie. Il s’attache à transmettre les vestiges, les traces de cette tragédie. Il repose sur l’idée que le passé doit être exhumé, discuté et partagé pour construire un futur collectif. Régulièrement partie à la rencontre de la diaspora arménienne, notamment à Vakifli, dernier village arménien en Turquie, à Beyrouth, ou encore dans les villes où les survivants au génocide ont trouvé refuge, Kathryn Cook a achevé son travail lors d’une résidence à Marseille, l’une des principales villes refuges pour les exilés arméniens.

Outre l’intérêt documentaire que l’on pourra trouver à ces portraits et ces paysages recomposés, Kathryn Cook établit une relation nouvelle à la question de la représentation de la souffrance et du malheur. Elle procède par allitération et symboles. Là où d’autres désignent, elle suggère, contourne et jamais ne prescrit. 

MuCEM - Musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée, Marseille
Site internet du musée : www.mucem.org

October 9, 2013

Expo Marco Del Re, Galerie Maeght, Paris

Marco Del Re : Fables, contes et métamorphoses 
Galerie Maeght, Paris 
18 octobre - 14 décembre 2013 

MARCO DEL RE 
L'ours et les deux compagnons — L V F XX, 2010 
Gouache sur papier, 76 x 56 cm 
© Galerie Maeght Paris 

« Marco Del Re, est un artiste qui dans une société en crise, choisit de s’opposer à la présence de l’inquiétude et des périls, par un contre-pied esthétique et éthique : l’exercice, dans son œuvre, d’une légèreté et d’une joie permettant, non d’oublier mais de trouver, dans l’art, un plaisir spirituel et joueur comme une réponse à la mélancolie. » C’est en ces termes qu’Olivier Kaeppelin préface le catalogue de l’exposition que la Galerie Maeght propose du 17 octobre au 14 décembre 2013. 

Les gouaches, encres et huiles que Marco Del Re consacre aux Fables de La Fontaine, à la Cendrillon napolitaine ou aux Métamorphoses d’Ovide sont autant de prétextes à faire vivre autrement les contes et légendes. Marco Del Re crée par la littérature. Ses œuvres se détachent de la logique fonctionnelle du récit ; la peinture s’échappe de la narration pour créer des fictions purement picturales. Elle ne raconte ni ne nomme, elle capte l’essentiel des mouvements, le cœur des métamorphoses. Les œuvres de Marco Del Re, parfois illustratives et souvent énigmatiques, ont pour objet d’énoncer autrement ces histoires qui font vivre son imaginaire et notre inconscient collectif. Ces personnages, qui pourtant sont là de toute éternité, créent un sentiment paradoxal d’une familiarité inconnue. 

MARCO DEL RE 
L'homme et son image — L I F XI, 2010 
Huile sur toile, 46 x 65 cm 
© Galerie Maeght Paris 

Dans cette exposition, Marco Del Re a créé un moment de liberté et de peinture. Les créatures prennent forme, l’essentiel étant la naissance de figures nouvelles, la transformation, le déroulement ininterrompu. Les outils du peintre : l’imaginaire, la couleur, la mémoire et la danse, au rythme des différentes techniques et surfaces que Marco Del Re utilise avec gourmandise − gouaches et encres sur papier, épurées, huiles sur papier Népal, profondes et envoutantes, huiles sur toile. 

MARCO DEL RE 
Cendrillon XV, 2011 
Encre sur papier, 75 x 110 cm 
© Galerie Maeght Paris 

« Les formes surgissent rapidement pour conserver l’impulsion de la fable » précise Marco Del Re, qui réenchante la littérature par le regard et, notamment, l’emploi de la couleur. Elle se dilate, recouvre, figure par une tache ou une trajectoire libre ; parfois assourdie, parfois éclatante, elle joue avec la profondeur des papiers et de la toile. Gris, bruns, roses, éclats de jaunes et de rouges, composent un mouvement léger, une rêverie, disent l’essentiel. 

Ainsi, avec une façon singulière de poser le lavis, la tempera, Marco Del Re cherche les surfaces liquides, transparentes ; la métamorphose prend alors un sens nouveau. 

MARCO DEL RE 
Les Métamorphoses d'Ovide I, 2011 
Gouache sur papier, 90 x 63 cm 
© Galerie Maeght Paris 

MARCO DEL RE 
Les Métamorphoses d'Ovide XXX, 2011 
Gouache sur papier, 106 x 76 cm 
© Galerie Maeght Paris 

Le catalogue de l’exposition, préfacé par Olivier Kaeppelin, met en regard les œuvres de Marco Del Re avec quelques uns des textes originaux, toujours à redécouvrir et plus que jamais de notre temps. 

Marco Del Re : Editions 

MARCO DEL RE 
Côte d'Azur III, 2013 
Linogravure originale sur Népal, 70 x 50 cm 
18 exemplaires 
© Galerie Maeght Paris 

Lors de son dernier séjour dans les ateliers Maeght à Saint Paul, Marco Del Re a enrichi son Œuvre gravé de 8 pointes sèches et 12 linogravures originales. Ces œuvres gravées seront présentées dans la librairie pendant l’exposition. Dans la continuité de son travail pictural, Marco Del Re se libère de ses intérieurs. Des jardins plantureux et expansifs, révèlent la nature toute entière. Dans cette nouvelle série, intérieurs, paysages méditerranéens et l’atelier du peintre forment l’espace de l’artiste, tel un théâtre et ses décors. La réplique est donnée par des références picturales, historiques, mythologiques ou encore statuaires. Un patrimoine culturel que l’artiste s’approprie dans ces œuvres. Marco Del Re nous invite ainsi à prendre part à un dialogue dont l’enrichissement est permanent. 

GALERIE MAEGHT
42, rue du Bac
75007 PARIS
www.maeght.com

October 8, 2013

Expo Robert Doisneau, Campredon Centre d'art, L' Isle-sur-la-Sorgue : Du métier à l’oeuvre – Palm Springs 1960

Robert Doisneau, Du métier à l’oeuvre – Palm Springs 1960 
Campredon Centre d'art, L' Isle-sur-la-Sorgue 
26 octobre 2013 - 8 février 2014 

ROBERT DOISNEAU, La voiture fondue, 1944 
© Robert Doisneau-Atelier Doisneau 

La ville de l’Isle-sur-la-Sorgue présente une double exposition du photographe ROBERT DOISNEAU qui « toute sa vie s’est amusé, s’est fabriqué son petit théâtre », en mêlant intimement poésie et réalisme. Aux côtés des photographies noir et blanc prises à Paris et autour de la petite ceinture, l’exposition réunit des clichés en couleur moins connus, réalisés à Palm Springs en 1960. Avec « Robert Doisneau : Du métier à l’oeuvre / Palm Springs, 1960 », CAMPREDON Centre d’art propose un autre regard sur l’oeuvre d’une des grandes figures de la photographie française. Effet de contraste garanti ! 

ROBERT DOISNEAU, « du métier à l’oeuvre »

La série intitulée « Du métier à l’oeuvre » propose une centaine d’épreuves originales noir et blanc réalisées entre 1930 et 1966. En 2010, la Fondation Henri Cartier Bresson les exposait pour la première fois sous le commissariat d’Agnès Sire ; « longtemps Robert Doisneau a été perçu comme le chantre du pittoresque parisien. Illustrateur de génie, il a su comme personne saisir l’image agréable, l’anecdote inattendue : on a reconnu en lui le professionnalisme et la poésie simple de l’instantané. Mais l’oeuvre de Robert Doisneau est infiniment plus complexe », explique-t-elle.

A partir du 26 octobre 2013, CAMPREDON Centre d’art nous fait (re)découvrir des clichés légendaires pris aux Halles de Paris, au Pavillon de la viande en 1955, ou ceux du Bal du 14 juillet de la Bastille ainsi qu'une sélection de portraits d'enfants et de personnalités emblématiques, que le photographe a rencontrés, au gré de ses pérégrinations, dans les rues de Paris et de sa banlieue.

ROBERT DOISNEAU, Carrefour Saint-Germain, Paris, 1945 
© Robert Doisneau-Atelier Doisneau

Cette première partie de l’exposition souligne comment Robert Doisneau est passé, comme le dit le critique d’art Jean-François Chevrier « du métier à l'oeuvre », en inscrivant sur la pellicule un monde dont il voulait révéler l'existence. Les instantanés du « photographe du dimanche », selon sa propre expression, laissent place à un témoignage empreint de tendresse sur un monde plus sombre. « Comme tous les familiers de la rue, Doisneau a su fixer cette gravité rayonnante qui isole un être humain de la foule, ces moments de grâce qui rassemblent des passants dans « l'illusion d'un instant » comme dans une géométrie de rêve" explique Jean-François Chevrier.

ROBERT DOISNEAU, « Palm Springs, 1960 » ; au soleil de la côte ouest

En 1960, le magazine Fortune envoie Robert Doisneau aux Etats-Unis. Destination : Palm Springs, refuge des riches retraités américains, pour un reportage sur la vie sociale et l’émergence des golfs en plein coeur du désert du Colorado. 

« Pourquoi m’a-t-on expédié à Palm Springs, Californie ? Pour faire des photos de golf. Je sais tout juste qu’il faut envoyer très loin, sur un gazon vert, une petite balle blanche dans un trou à peine assez grand pour la recevoir. On vient ici de très loin, même les palmiers sont venus du Mexique par la route, et les graines de gazon, qui avaient tendance à s’envoler au vent de la nuit, ont été fixées au sol grâce à une pluie de colle tombée des hélicoptères » révèle le photographe français à peine débarqué dans ce paysage artificiel.

Mais Robert Doisneau s’intéresse rapidement à cette oasis peuplée de milliardaires. Il nous montre des files de Cadillac alignées dans les rues, devant l’exubérance de ces dames aux bigoudis ou couvertes de fourrures en plein désert, et parvient à saisir, au fil de ses photographies, l’atmosphère démesurée de ce coin de paradis. 

A cette occasion, il utilise pour la première fois la photographie couleur dans une nouvelle perspective esthétique et dresse ainsi le portrait amusé d’un univers surfait, vitrine de l’American way of luxury life des années 1960. 

« Alors, dans ce désert, devant cette étrange et fascinante pluie d'images venue du temps de nos pères, on est parfois en droit de se demander si cette ville-là, ce fantasme racial, cette composition ethnique et clinique a, au fond, jamais existé ? Doisneau a-t-il photographié un mirage ? » questionne Jean-Paul Dubois dans la préface du livre « Palm Springs, 1960 de Robert Doisneau » (édition Flammarion, 2010). 

ROBERT DOISNEAU, Voiture Blanche et pinceau, 1960 
© Robert Doisneau-Atelier Doisneau

En présentant une trentaine de tirages de la série « Palm Springs, 1960 », réalisés sous diasec ou contrecollés sur dibon à la manière de la photographie la plus contemporaine, CAMPREDON Centre d’Art souligne le talent, la curiosité et la démarche d’exploration du photographe.

L’exposition est complétée par des documents d’époque, des épreuves vintage et un tirage moderne du Baiser de l’hôtel de Ville, devenu l’image iconique de ce photographe français connu internationalement. 

CAMPREDON Centre d'art
20, rue du Docteur Tallet 
84801 L’Isle-sur-la-Sorgue 

Expo photo Philippe Monsel : New York, Galerie Esther Woerdehoff, Paris

Philippe Monsel : New York
Galerie Esther Woerdehoff, Paris 
Jusqu'au 2 novembre 2013 

Avec New York, le photographe français PHILIPPE MONSEL présente à la galerie Esther Woerdehoff, Paris, une image de l’Amérique conceptuelle et très contemporaine. Son oeuvre s’intitule Triptyque Mansour Coca-Cola et résulte de l’assemblage de 300 photographies prise à New York en août 2012. 

Cette oeuvre immense déploie de façon cinématographique la journée de travail d’un livreur de boissons dans Manhattan devant son camion rouge au logo de Coca-Cola. Autorisant plusieurs niveaux de lecture, cette métaphore du rêve américain juxtapose une multitude de scènes qui découpent le temps et l’espace et interrogent la réalité et sa représentation. 



PHILIPPE MONSEL, NEW YORK MANSOUR’S PERFORMANCE,
01.08.2012 (6 h 21 - 13 h 34), 2012 (détails)
Tirage Lambda contre-collé sur alucobond, 80 x 120 cm (x 3)
© Philippe Monsel, Courtesy Galerie Esther Woerdehoff

Cette exposition est présentée en parallèle à celle consacrée aux photographies de Simone Kappeler (post précédent).

Galerie Esther Woerdehoff
36 rue Falguière
75015 Paris - France
Site internet : www.ewgalerie.com

Expo photo Simone Kappeler, Galerie Esther Woerdehoff, Paris

Simone Kappeler : Through America 
Galerie Esther Woerdehoff, Paris 
Jusqu'au 2 novembre 2013

SIMONE KAPPELER, Erie-See, 10.6.1981, 1981
Tirage Ilfochrome, 50 x 50 cm ou 100 x 100 cm
© Simone Kappeler, Courtesy Galerie Esther Woerdehoff

Née en 1952, SIMONE KAPPELER commence à prendre des photographies dès l’âge de 11 ans. Après des études en littérature allemande et en histoire de l’art, elle étudie la photographie à l’Ecole de Design de Zurich. 

En 1981, Simone Kappeler entreprend un voyage de quatre mois à travers les Etats-Unis au volant d’une vieille Gran Torino. Durant ce road trip, elle prend des clichés, en noir et blanc ou en couleurs avec des appareils photos bon marché, dont un Diana. 

SIMONE KAPPELER, Elk City-Oklahoma-Pool-III, 23.6.1981, 1981
Tirage Ilfochrome, 50 x 50 cm ou 100 x 100 cm
© Simone Kappeler, Courtesy Galerie Esther Woerdehoff

Ces images, redécouvertes seulement en 2010, nous plongent dans un univers de sensations, une représentation personnelle de ce qu’étaient les Etats-Unis il y a trente ans, bien avant l’ère Bush, l’invention d’internet et les téléphones portables. L’aspect aléatoire et les défauts liés à l’usage de ces appareils photos apportent une qualité particulière aux photographies de Simone Kappeler, images de l’intime plus proche de l’évocation que du documentaire. 

Vibrantes de lumière et de couleur, certaines photographies rappellent l’univers de Robert Frank ou de William Eggleston, et Simone Kappeler parsème ces images, pourtant très personnelles, de références subtiles à l’histoire de la photographie.

La photographe possède des dizaines d’appareils différents, Hasselblad, Leica, Diana, Brownie ou Polaroid dont elle explore les spécificités techniques. Elle utilise un stock de films qui ne sont désormais plus produits et apporte un soin extrême aux tirages, réalisés sur des papiers également en fin de production.

SIMONE KAPPELER, Los Angeles II, 18.7.1981, 1981
Tirage argentique, 50 x 50 cm ou 100 x 100 cm
© Simone Kappeler, Courtesy Galerie Esther Woerdehoff

SIMONE KAPPELER, Niagara Falls XII, 10.6.1981, 1981
Tirage argentique, 50 x 50 cm ou 100 x 100 cm
© Simone Kappeler, Courtesy Galerie Esther Woerdehoff

Galerie Esther Woerdehoff, Paris 
Site web : www.ewgalerie.com

October 7, 2013

Léger: Modern Art and the Metropolis, Philadelphia Museum of Art

Léger: Modern Art and the Metropolis
Philadelphia Museum of Art 
October 14, 2013 - January 5, 2014 

FERNAND LEGER, French, 1881 - 1955 
Composition à la main et aux chapeaux, 1927 
Oil on canvas, 97 3/4 x 73 inches (248.3 x 185.4 cm) 

Centre Pompidou, Paris Musée national d'art moderne/Centre de création industrielle 

Comprising approximately 160 works, including loans from public and private collections in Europe and the United States, this multimedia exhibition will unite The City with other important paintings from this period by the French painter FERNAND LEGER (1881-1955), and with key works in film, theater design, graphic and advertising design, and architecture by the artist and his avant-garde colleagues, including Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Cassandre, Amédée Ozenfant, Le Corbusier, Francis Picabia, Alexandra Exter, Gerald Murphy, and others. 

Returning to Paris after military service in World War I, Fernand Léger encountered a changed city, infused with a new boisterous energy that would inspire him to create one of his landmark achievements, the monumental painting The City (1919). The creation of this work signaled the beginning of the most experimental period in Léger’s work, lasting through the 1920s, when the artist challenged and redefined the practice of painting by bringing it into active engagement with the urban popular and commercial arts. Léger: Modern Art and the Metropolis will examine the centrality of this masterpiece in Léger’s career and the European avant-garde in the years immediately after World War I.

FERNAND LEGER, French, 1881 - 1955 
Les Disques, 1918 
Oil on canvas, 105 1/2 × 81 7/8 × 1 9/16 inches (268 × 208 × 3.9 cm) 
Musée d'art moderne de la ville de Paris 

Timothy Rub, the George D. Widener Director and Chief Executive Officer of the Philadelphia Museum of Art, said: “Léger’s The City, donated to the Museum by the artist and collector A.E. Gallatin, is one of the greatest works in our collection and a landmark in the history of modern art. This exhibition examines the painting in context and marks the first time that the culture of the modern metropolis is explored as a catalyst for Léger’s pursuits in a variety of media.”

In the United States, the exhibition will be seen only in Philadelphia. Following its presentation at the Museum, it will travel to Venice where it will be on view at the Correr Museum, Piazza San Marco (a Fondazione Musei Civici di Venezia institution).

A monumental painting in a post-Cubist style, The City was intended by the artist to convey viscerally the density and spatial complexity of the urban environment. Fernand Léger considered The City a “mural” painting both because of its grand scale and because he believed it spoke to a mass audience. With its composition characterized by montage-like cross-cuts from one scene to the next and dramatic “close-ups,” The City emulated the most popular of modern urban entertainments, the cinema. With his enthusiasm for modernity and urban culture continuing to grow, Léger considered abandoning painting for filmmaking. In 1922-1924 he designed, produced, and directed for the cinema and theater. During this time, in collaboration with Amédée Ozenfant, Fernand Léger established a free school where he taught with Alexandra Exter (photo) and Marie Laurencin. In 1924, influenced by the work and theories of Theo van Doesburg and Le Corbusier, Fernand Léger produced the first of his entirely abstract "mural paintings.”

ALEXANDRA EXTER, Russian (born Ukraine), 1882 - 1949 
Design from Décors de Théâtre, 1930 
Pochoir print, 20 1/2 x 13 inches (52.1 x 33 cm), Framed: 29 1/2 × 23 1/2 × 1 1/4 inches (74.9 × 59.7 × 3.2 cm) 
Jerome Robbins Dance Division, The New York Public Library for the Performing Arts, Astor, Lenox and Tilden Foundations

The exhibition will be organized thematically to reflect the fertile relationships between painting and urban culture during this period. The first section of the exhibition will examine the notion of “publicity” and the excitement Léger felt for the evolving visual language of mass communication in the city: the bustle of billboards, traffic signs, and shop window displays. Léger’s paintings, his designs for advertising posters, and his print illustrations will be seen alongside work by other artists and designers, such as Gerald Murphy (photo), Cassandre, and Jean Carlu.

GERALD MURPHY, American, 1888 - 1964 
Razor, 1924 
Oil on canvas, 32 1/16 × 36 1/2 inches (81.4 × 92.7 cm), Framed: 34 × 38 inches (86.4 × 96.5 cm) 
Dallas Museum of Art, Foundatino for the Arts Collection, gift of the artist

The exhibition will also explore Léger’s interest in public entertainment and staged performance, mainly the theater and cinema, highlighting the set and costume designs produced by Léger for film and ballet. This part of the exhibition will survey avant-garde activities around cinema and the stage and include works by Picabia, Alexandra Exter, Georgii Yakoulov, and others. The exhibition’s final section will address the theme of “space” by presenting the artist’s abstract mural compositions of the mid-1920s, intended as decorative architectural panels, in the context of the avant-garde’s exploration of integrating architectural and pictorial space. This section of the exhibition will include works by artists, architects, and designers such as Piet Mondrian (photo), van Doesburg, Robert Mallet-Stevens, Alexander Archipenko and Le Corbusier.

PIET MONDRIAN, Dutch, 1872 - 1944 
No. VI / Composition No. II, 1920 
Oil on canvas, 39 3/16 × 39 3/8 inches (99.5 × 100 cm) 
Tate: Purchased 1967

“For many artists, the metropolis imposed a new way of seeing and demanded new practices of artmaking,”comments exhibition curator Anna Vallye, the Museum’s Andrew W. Mellon Postdoctoral Curatorial Fellow in Modern and Contemporary Art. “It inspired Léger to probe the boundaries between the arts, and between fine art and common culture.”

The exhibition is accompanied by a catalogue published by the Philadelphia Museum of Art in collaboration with Yale University Press. Featuring essays by scholars of art, architecture, and film history, a selection of historical texts by Léger and other avant-garde figures not previously published in English, and more than 250 full-color illustrations, the catalogue conveys the experimental spirit of the 1920s.

PHILADELPHIA MUSEUM OF ART
Museum's website: www.philamuseum.org