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Art Exhibitions, Art Fairs, Visual Arts, Photography, Graphic Arts, Design, Video Art, Architecture, Films, Photo / Imaging Equipments, Publications


June 30, 2011

Janos Szasz, Gabor Kerekes in London at Hotshoe Gallery

Modern Visions: Hungarian Photography Then and Now
János Szász and Gábor Kerekes
HotShoe Gallery, London 
Curated by Bill Kouwenhoven
Through 9 July 2011 




Poster of the exhibition. Courtesy HotShoe Gallery
Photograph by Gábor Kerekes, Stone Ball, 1992 © Gábor Kerkes 


It is impossible to imagine the history of photography without the contributions of a vast array of extraordinary talents from Hungary. As the cliché went, “You don’t have to be Hungarian to be a great photographer—but it helps.”

Hotshoe, contemporary photography gallery in London, presents through 9 July two bodies of work from two photographers whose oeuvre spans the mid 20th Century to the present day, JANOS SZASZ and GABOR KEREKES. Their work epitomizes the Hungarian talent for innovation and artistic expression that continues the great tradition established by Brassaï, André Kertész, Martin Munkácsi, Robert Capa and László Moholy-Nagy.

János Szász, whose work remained largely unknown outside of Hungary until recently when it was heralded as the most important artistic discovery of Pécs2010 and called “a true find, one to re-write the annals of European photography” by photography historian Ulrich Rüter (formerly of the F.C. Gundlach Foundation), was born in Pécs and trained as a lawyer graduating with honours. Under the Socialist regimes of the post-war era he was unable to practice law and turned to photography and supported himself as a sign-painter. 

JANOS SZASZ
János Szász, School Ball, 1965. Photo © János Szász Estate 

Both photographers moved by stages from landscapes in the case of Janos Szasz, and architectural subjects in the case of Kerekes through distinct forms of Modernism inflected by the dynamic energies of Molholy-Nagy with his radical use of perspective and reduction to graphic abstractions. Each photographer, too, in his way experimented with manipulations of photographic techniques and materials with Kerekes taking over in the 1990s from where Szász left off in the 1980s.

Since his discovery in the West after the fall of the Berlin Wall, Gabor Kerekes has been heralded as the master who brought post war Hungarian photography to light.  His work, which combines the Hungarian love for technology and dynamism, has been widely collected in Europe and America and Kerekes as one of the most important living Hungarian photographers. Regardless of whichever process he uses, his images reflect his great forebears and the forceful vision of János Szász. As such, Kerekes represents a turning point in the history of Hungarian photography and a bridge between the old and the new Hungary.

Both Janos Szasz and Gabor Kerekes can be seen as having continued this great Hungarian tradition of innovation and artistic articulation in photography throughout the difficult years of the 20th century that saw so many changes in Hungarian society and politics. Their work can also be seen as inspirational to the younger generation of Hungarian photographers now coming of age 20 years after the fall of Communism in Eastern Europe.

Curated by Bill Kouwenhoven

HOTSHOE GALLERY 
29-31 Saffron Hill, Farringdon
LONDON EC1N 8SW, UK

www.hotshoegallery.com

See also Hotshoe Magazine
www.hotshointernational.com

June 24, 2011

Steve McCurry's Best of Photographs about Human Experience

From its Robert Capa Gold Medal to now, Steve McCurry (b.1950), member of Magnum Photos since 1986, is one of the world’s leading colour photographers. Phaidon Press have just released

Steve McCurry: The Iconic Photographs 

STEVE McCURRY - PHAIDON PRESS

a large-format limited edition book and print that includes 165 of his most evocative, very finest and famous photographs taking all over the world. This special edition is limited to 3300 copies each with C-type Lambda print signed by the photographer. From one photo to an other this beautifully designed book transport us in Southeast Asia, Africa, the Middle East... A collection of best of photographs from on of the best of photographer, this is what this wonderful book about human experience offer. 

STEVE McCURRY

This best of Steve McCurry luxury book includes the photo Boy at Ganesh Chaturthi festival, Mumbai, India, 1996 and famous green-eyed Afghan Girl photographed for the National Geographic in 1985, which is one of the most recognizable photograph in the world...

STEVE McCURRY
Dust storm, Rajasthan, India, 1983 and Flower seller, Dal Lake, Srinagar, Khasmir, 1996, signed and numbered print accompagnying book.

Other books by Steve McCurry published by Phaidon

STEVE McCURRY - Courtesy Phaidon
Steve McCurry: The Unguarded Moment includes images from Mali, Yemen, Cambodia, India, Sri Lanka, Afghanistan, France and the former Yugoslavia. 380 x 275 mm, 15 x 10 7/8 in - 156 pp with 75 colour photographs.

STEVE McCURRY - Courtesy Phaidon
In the Shadow of Mountains by Steve McCurry. The photographer's best known and previously unpublished images of Afghanistan and its people.

STEVE McCURRY - Courtesy Phaidon
Looking East: Portraits by Steve McCurry. 380 x 275 mm, 15 x 10 7/8 in, 128 pp with 75 colour photographs

STEVE McCURRY - Courtesy Phaidon
Steve McCurry: South Southeast. Powerful images from South and Southeast Asia. 275 x 380 mm, 10 7/8 x 15 in, 156 pp - 69 photographs.

F. Clavère, S. Réno, L. Scoccimaro, Expo Mauvais Genre, Galerie Sollaris, Toulouse

Exposition Mauvais genre
Frédéric Clavère, Sylvie Réno & Lionel Scoccimaro 
Galerie Sollertis, Toulouse 
Jusqu'au 2 juillet 2011 

Mauvais genre réunit trois artistes qui ne s’embarrassent pas de préséance pour témoigner de la vanité de nos existences, pointer du doigt nos petites astuces bien dérisoires pour croire la vie formidable et dénoncer l’absurdité de nos petits arrangements quotidiens. Violence, angoisse, désir, mélancolie et romantisme s’entrechoquent dans cette exposition détonnante et dérangeante.

Fascinante et terrifiante, hilarante et angoissante, l’oeuvre à l’esthétique gore de Frédéric Clavère nous projette avec une diabolique efficacité dans des tableaux où la face noire de l’humanité vient se donner en représentation révélant les ignominies tapies dans les recoins de notre histoire. Le monstrueux y devient l’ordinaire du monde, la sexualité y est un lapsus mis à jour. Puisant autant dans les réserves du grand art que dans celles de la culture populaire, Frédéric Clavère sertit ses scènes de mauvais genre d’humour insolent et d’un usage iconoclaste du mauvais goût. 


FREDERIC CLAVERE
Frédéric Clavère, Hand over, 2010 
Huile sur toile, 140 x 140 cm 
Courtesy Galerie Sollertis, Toulouse 

FREDERIC CLAVERE
Frédéric Clavère, Mothers War, 2008 
Huile sur toile, 190 x 180 cm 
Courtesy Galerie Sollertis, Toulouse 


SYLVIE RENO
Browing, Hecler&Koch, Hauser, Delta Gold Cup et autres flingues peuplent l’univers “cartonisé” et compulsif de Sylvie Réno qui confectionne avec virtuosité et obsession des doubles inoffensifs, des apparences désactivées, des artefacts innocents de ces objets de fascination et de terreur. Avec une patiente ironie et une désinvolture effrontée, l’artiste expose également ses “petites” collections de curiosités, inventaire de plaisirs et dépendances, de désirs et dérives. Subutex, Rohypnol, Atarax, Heineken et Vodka, l’armoire à pharmacie de Sylvie Réno amèrement nommée “Dr Maman” pallie à toutes les angoisses. 

SYLVIE RENO
Sylvie Réno, Crâne n°30, un rêve, 2010 
Carton ondulé, 29 x 36 x 3 cm 
Courtesy Galerie Sollertis, Toulouse 

SYLVIE RENO
Sylvie Réno, Smith & Wesson 457, 2010 
Carton ondulé, plexiglas, 30 x 22 x 10 cm 
Courtesy Galerie Sollertis, Toulouse 

LIONEL SCOCCIMARO
Profondément underground par ses détournements et sa lecture décalée du monde, l’oeuvre de Lionel Scoccimaro tend aux univers du surf, du custom, du skateboard, bref à une contre-culture d’origine nord américaine dont elle adopte les codes visuels. Sous les sunlights du kitsh et du pop, les oeuvres méchamment racoleuses de Lionel Scoccimaro, bardées des couleurs de la frime et moulées dans les formes innocentes de l’enfance s’imposent comme des miroirs déformants des pulsions contemporaines : celles qui font basculer chacun vers les mondes enchantés de l’enfance, avant qu’un sauvage désir de transgression ne fasse irruption. 

LIONEL SCOCCIMARO
Lionel Scoccimaro, GAP, 2010 
Bois de hêtre, tourné, teinté, patiné ciré, clouté, 65 x 35 cm, 
Courtesy Galerie Olivier Robert, Paris / Galerie Sollertis, Toulouse


Le vernissage de cette exposition a eu lieu le 26 mai 2011 dans le cadre du Week end de l’art contemporain organisé par PINKPONG, réseau d’art contemporain de l’agglomération de Toulouse. 

La Galerie Sollertis remercie Lucy Pike et Olivier Robert pour leur collaboration. 

GALERIE SOLLERTIS
12 rue des Régans
31000 TOULOUSE

www.sollertis.com

June 22, 2011

Photographes Bruno Levy, Jean Turco Actualités, publications...

Actualités sur les photographes Bruno Levy et Jean Turco rassemblés ici par leur éditeur commun, Pearson, mais aussi par la photographie de portraits...

Pour les parisiens intéressés par la photo de portraits Bruno Levy sera demain, jeudi 23 juin 2011 à 17h à la FNAC de la place d'Italie. Pearson, son éditeur, annonce la possibilité de participer à une séance photo professionnelle et de repartir avec son portrait (le votre, pas celui de Bruno Levy). Je sais que c'est un peu tard pour prévenir...

BRUNO LEVY, Le Portrait, Pearson, 2010. Courtesy Pearson

BRUNO LEVY est l'auteur d'un livre excellent Zoom sur LE PORTRAIT paru chez Pearson en décembre 2010. Après avoir exercé ses dons dans le tirage argentique en noir et blanc pour l'AFP puis pour l'agence SIPA, il entre au service photo de Libération. Depuis 2007, c'est en tant que photographe freelance qu'il collabore avec différents journaux et magazines en étant spécialisé dans le portrait. Sur son blog Bobines, Bruno Levy met en ligne des portraits réalisés au hasard de gens qu'il rencontre dans la rue, dans le métro, des photos d'amis ou de personnes rencontrées à l'occasion de son travail. Passez voir son blog, il est vraiment sympa. Vous noterez, au passage, sa préférence pour les photos de jeunes femmes au physique attrayant. Mais cela peut être lié au hasard, ou bien peut être qu'il est timide et moins impressionné par les jolies jeunes femmes. C'est une plaisanterie, car on trouve en fait sur son blog des portraits de tout style de personnes. 

Pearson annonce également la présence de Jean Turco à la même FNAC, samedi 25 mai 2011, à 16h pour une séance dédicace de son livre Zoom sur La Photo de Nu paru également chez Pearson en juin 2010. 

JEAN TURCO est un photographe connu pour ses nus mais aussi pour ses portraits et natures mortes. Il expose régulièrement ses travaux, organise des stages et réalise également de très belles photos pour la publicité ou des particuliers. 

En septembre 2011 doit paraître (toujours chez Pearson) un nouveau livre par Jean Turco sur la lumière en photographie : Zoom sur L'ART DE L'ECLAIRAGE. Le livre en trois parties aborde la gestion de la lumière naturelle en appartement (et non en extérieur), l'utilisation d'éclairages non destinés à la photographie (de la bougie à la lampe de chantier, en passant par quelques "bidouilles" maisons astucieuses) et les flashs. Ce prochain livre de Jean Turco proposera des fiches pratiques très... pratiques, avec, en particulier, des photos de portraits, de nus, d'objets, avec, pour chacun d'eux, le plan présentant l'emplacement des sources d'éclairage utilisé pour réaliser la photo. Ce guide pratique fournit ainsi de précieux conseils et des solutions clés en mains pour des prises de vue avec tel ou tel effet recherché, avec tel angle de prise de vue... en tenant compte des contraintes, dont celle du matériel disponible. Quant on connait la difficulté de l'éclairage en photographie d'intérieur on attend avec impatience ce livre. Il en existe d'autres, bien sûr, mais Jean Turco est ici dans un domaine qu'il maîtrise parfaitement. Ce sera certainement un ouvrage de référence pour ceux et celles qui s'adonnent à la photo de studio chez eux. On apprécie évidemment le fait que cet ouvrage tienne pleinement compte des photographes non professionnels devant "faire avec" du matériel abordable financièrement, faute de (ou avant de...) pouvoir disposer de ses fameux deux flash de studio 1600 w/s équipés de softbox de 1,5 x 1,5 mètres et toute la panoplie dédiée à chaque type, style et sujet de la prise de vue ;) ... et que, du reste, Bruno Levy ne doit pas toujours emporté avec lui dans le métro parisien.

Site français de l'éditeur PEARSON : www.pearson.fr
Blog de Bruno Levy : http://bobines.blogs.liberation.fr 
Pour Jean Turco : www.jeanturco.book.fr 

FNAC - Centre commercial Italie2 
30, avenue d'Italie - 75013 Paris

Pour ceux et celles qui comprendront : Wanafoto se dégage de toute responsabilité et n'encourage en aucun cas par ce post la prise de clichés photographiques en des lieux où certains (dont on ne connait pas les noms, sinon, vous pensez bien qu'on hésiterait pas) se croient autorisés à la faire alors qu'ils ont même pas le droit (remarque, il a peut être une autorisation, après tout.. oui, ça doit être ça...)

Charlotte Lichtblau: Seeing And Believing Exhibition in Manhattan

Art exhibition: Charlotte Lichtblau: Seeing And Believing 
Church of St. Mary the Virgin, Midtown Manhattan, New York 
June 13 - July 31, 2011 

Opening Reception: Tuesday, June 28, 5:00 - 8:30 pm 
" My work starts from a basic and essential modernism, growing out of the European tradition of expressionism. That tradition was meant to strip away the academic and baroque overlays of moralizing and mythologizing. It brought with it a clear emphasis on form – the absolute cognition of what is – which is to say a commitment to finding such truth as one can, whether in depictions of contemporary life or in pictures of historical or biblical subjects. 
What this came to mean for me is that images and narratives should be shaped by inquiry rather than by sentiment. Some of these works are about biblical themes and subjects. My concern in them has not been to illustrate the Bible, nor have I wanted in any way to predetermine the impact of its troubling claims and tales. Instead, I have tried to let the works speak to the viewer directly about essential matters of life and death, love and sorrow, joy and despair. " -- Charlotte Lichtblau (from artist's statement)
CHARLOTTE LICHTBLAU (painter's biography) paintings are exhibited at St. Mary the Virgin in the heart of Times Square at 145 West 46th Street. The retrospective, entitled SEEING AND BELIEVING, runs through July 31st with admission daily from 2:00 pm to 6:00 pm by appointment. There will be an opening reception, free to the public, next Tuesday, June 28th from 5:00 to 8:30 pm. There will be Open House on the following Mondays, from 5:00 - 8:00 pm, also free and open to the public: July 11, July 18, July 25.  

This exhibition, SEEING AND BELIEVING, is curated by Bruce Payne, Executive Director, The Shelley & Donald Rubin Foundation. 

Artist's website : www.charlottelichtblau.com 

June 19, 2011

The Art Institute of Chicago has opened its expanded new galleries of African art and Indian art of the Americas

The Art Institute of Chicago recently (June 3, 2011) opened its expanded galleries of African art and Indian art of the Americas. Following an extensive four-year planning, construction, and reinstallation project, the combined 7,500 square foot gallery spaces—located in the Art Institute’s lower Morton Wing (G136 and G137)—have now been freshly conceived and completely renovated to accommodate more than 550 objects on display. For the first time in the museum’s history, the majority of the Art Institute’s superb collection of African art and Indian art of the Americas can finally be seen in cohesive presentations that are impressive and enlightening.

Art Institute of Chicago's new African Art gallery 
Art Institute of Chicago: Digital gallery rendering, African art gallery. Copyright © 2011 wHY Architecture
“ The new galleries of African art and Indian art of the Americas will be a revelation to visitors,” said James Cuno, President and Eloise W. Martin Director of the Art Institute. “Our collections are extraordinary; only a small fraction have ever been seen. They will now be shown in their true glory. A great deal of time, effort, research, and creativity went into conceptualizing these state-of-the-art installations. Viewers will find them unlike any of our other galleries, and they will be at the forefront of professional practices for years to come. We are really looking forward to seeing our visitors experience these galleries and these collections. We believe their patience will be well rewarded. ”
Seeking a unique approach to displaying African art and Indian art of the Americas, the Art Institute commissioned wHY Architecture and Planning—the California-based architectural firm responsible for the museum’s renovated galleries for prints and drawings, European decorative arts, and Japanese art—to create a unified set of galleries that present an exciting range of forms and materials. The new galleries, with expanded installation space, allow visitors to view never-beforeseen works of art, as well as familiar favorites, in a new light. Upon entering, visitors will notice vibrant wall graphics, harmonious lighting, and specially designed display cases lining the walls. Some of these cases extend into the center of the room, or stand freely in the space, creating “gateways” filled with art works. Viewers will thus feel they are stepping into the displays, forming an interactive relationship with the art.

Art Institute of Chicago: Digital gallery rendering, Indian art of the Americas gallery
Digital gallery rendering, Indian art of the Americas gallery. Copyright © 2011 wHY Architecture

The galleries also feature new interpretive materials, including maps and a comparative timeline. Additionally, for the first time in a permanent installation at the Art Institute, both galleries also feature original video presentations that are designed to complement the works of art on display. The videos play for approximately two to three minutes and then disappear completely for four or five minutes—leaving no shadow on the wall—before the next sequence begins. Richard Townsend, Chairman of the Department of African Art and Indian Art of the Americas and curator of Indian art of the Americas, has conceptualized a video display that combines a concise and poetic narrative with visually striking images of works of art, archaeological sites, landscapes, and seasonal phenomena to convey significant, overarching themes. Kathleen Bickford Berzock, curator of African art, commissioned three original video presentations by Susan Vogel, edited by Harry Kafka. Working closely together, Berzock and Vogel selected three themes that broadly represent important areas, art forms, and concepts related to the collection. The presentations use a three-channel triptych format that suggests contrasts and connections, and shows multiple aspects of a given work. It also permits a playful, almost musical use of imagery, bringing the texture of daily life into the gallery. Each sequence interweaves images of works of art in the museum’s collection and the museum context itself into its theme. Footage for the videos was shot by Susan Vogel, Prince Street Pictures, and by the late Robert Rubin. 

The new installations highlight a significantly broader selection of artworks than previously seen and showcase examples of the culturally and visually varied fields of African art and Indian art of the Americas. The Art Institute’s African art collection includes sculpture, masks, household and personal adornment objects, and regalia from across the continent. While the core of the collection features sculpture from West and Central Africa, acquisitions over the past 20 years bring attention to important artistic traditions from eastern, northern, and southern Africa. In the greatly expanded African art gallery, sculptural works of art are presented in the round, with African textiles displayed on a rotating basis in two locations. The museum’s holdings of Indian art of the Americas span more than 4,000 years and include outstanding works from across the United States as well as ancient Mesoamerica and the Andean countries of South America. Ceramics, basketry, textiles, stone sculpture, metalwork, painting, and beadwork present a remarkable picture of the indigenous artistic heritage and deep-seated patterns of thought and ritual performance throughout the region. Both collections have been reinterpreted for the new galleries in compelling ways.

As part of the inaugural installation of the new galleries of African art and Indian art of the Americas, a fantastic selection of special loans will be on view throughout the year. One of the treasures on loan is a richly worked textile woven from the golden threads of the Golden Orb spider (Nephila Madagascariensis) of Madagascar. Made with the silk of over 1,000,000 spiders, this dazzling brocaded cloth is the only one of its kind in the world. Harvesting spider silk with a team of 80 people for almost five years, Simon Peers and Nicholas Godley created this unique spider silk textile, weaving it in the elaborate textured patterns of a lamba akotyfahana, a 19th-century luxury textile of Madagascar’s Merina nobility. Completed in 2008, this stunning spider silk textile will be on view at the museum through October 2011.

Golden spider silk textile from Madagascar (detail). Courtesy Art Institute of Chicago

Another masterpiece on loan to the Art Institute is a one-of-a-kind, eagle-feather headdress from the Northern Plains. Identified as regalia of a headman of the Northern Cheyenne (Tsistsisas) people, this headdress has been attributed by scholars and traditional experts to the Crazy Dog Society (Hotam’-imassa’u), one of the six warrior bands of the Northern Cheyenne. This particular object—made of buffalo hides and arrayed with the tail feathers of the bald eagle, great horned owl, black-billed magpie, and immature golden eagle—is unusual in featuring pronghorn antelope horns on either side of the cap, unlike the much more typical use of split buffalo horns. The Crazy Dog headdress was acquired and preserved by descendants of family members of a cattle drover who was killed evidently by Cheyenne and Lakota warriors in eastern Wyoming Territory in 1872. The Northern Cheyenne headdress has been loaned to the Art Institute in honor of the unknown native artists. The unveiling of the new galleries of African art and Indian art of the Americas represents a milestone in the most ambitious renovation and reinstallation project in the Art Institute’s history.

Art Institute of Chicago
Museum's website: www.artic.edu

Expo Photo Eric Guglielmi, autour de Rimbaud à Charleville Mézières et nouveau livre du photographe

Exposition de photographies : Eric Guglielmi 
Nouveau livre du photographe Eric Guglielmi aux Editions Gang
Je suis un piéton, rien de plus 
Musée Rimbaud, Charleville Mézières 
24 juin - 29 octobre 2011 

ERIC GUGLIELMI, MUSEE ARTHUR RIMBAUD, CHARLEVILLE MEZIERE

Cette exposition met en scène les photographies réalisées par Eric Guglielmi sur les pas d’Arthur Rimbaud. Une quarantaine de photographies, dont 25 oeuvres grand format de 1,15 x 1,15 m (les autres sont au format 55 x 55 cm), sont articulées autour de la lettre d'Arthur Rimbaud à Paul Demeny d'août 1871. L'exposition est organisée en parallèle à la sortie du livre que publie Eric Guglielmi et dont l'exposition présente une partie.


L’ exposition suit une route, celle empruntée d’abord par Arthur Rimbaud au crépuscule du 19e siècle, puis réempruntée par Eric Guglielmi sur les traces du poète à l’aube du 21e siècle. On retrouve ainsi des photos de l'artiste prisent à Alexandrie, Attigny, Le Caire, Calais, Charleroi, Civitavecchia, Deville, Harar, Hargnies, Les Hautes-Rivières, Laifour, Londres, Monthermé, Obock, Ostende, Renwez, Roche, Rome, Tadjoura, Voncq… 

ERIC GUGLIELMI
Harare, Éthiopie, 2005 
© Éric Guglielmi. Courtesy de l'artiste

ERIC GUGLIELMI
Le Caire, Egypte, 2011
© Éric Guglielmi. Courtesy de l'artiste

Avec ses images, le photojournaliste d'hier affiche aujourd'hui, depuis quelques années en fait, la volonté de rompre avec la seule perspective documentaire pour offrir au regard un point de vue artistique original, personnel. Cette exposition au musée Arthur Rimbaud de Charleville-Mézières est un nouvel hommage que la ville rend à son poète. Un hommage auquel contribue pleinement Eric Guglielmi, né à Charleville-Mézières, dont cette exposition permet d'apprécier, à travers 37 oeuvres réalisées au cours des années 2005 à 2011, un très beau panorama d'un travail artistique qui mérite d'être connu. 

ERIC GUGLIELMI
ERIC GUGLIELMI, "je suis un piéton, rien de plus". Arthur Rimbaud
Date de parution : 25 juin 2011 aux Editions Gang 

Livre relié plein cuir - Format : 28 x 32 cm
128 pages comprenant 64 photographies
reproduites en quadrichromie sur papier 160 gr certifié FSC
lettre d’A. Rimbaud à Paul Demeny d’Août 1871.
Textes : français / anglais - Traduction: Charles Perwarden
Editions Gang - Ivry-sur-Seine


"je suis un piéton, rien de plus", Arthur Rimbaud, titre de cette exposition, c'est aussi celui du nouveau livre de Eric Guglielmi, qui va paraître dans quelques jours aux Editions Gang. L'exposition s'appuie sur le travail publié dans ce livre autour de la lettre d’Arthur Rimbaud à Paul Demeny d’Août 1871. Le livre nous en montre toutefois davantage avec 64 photos reproduites avec grand soin en quadrichromie. Il faut souligné cet aspect, parfois un peu délaissé, fondamental en photographie, qu'est la qualité d'impression qui seule permet d'apprécier pleinement, dans le respect des couleurs, de la luminosité et des contrastes les plus subtils, le travail artistique du photographe. Ce livre est publié en français et en anglais, avec une traduction de Charles Perwarden. 





Pages extraites du livre d'ERIC GUGLIELMI 
© Éric Guglielmi / Editions Gang


ERIC GUGLIELMI : BIOGRAPHIE (SYNTHESE)

Eric Guglielmi est né à Charleville-Mézières en 1970. Autodidacte, sa première expérience professionnelle dans le domaine de la photographie, il la fait dans un labo photo parisien. Il est ensuite assistant de mode. Il réalise ses premiers reportages photographiques en Amérique du Sud. A la suite de ces reportages, il devient correspondant pour la presse française en Afrique, au Mali. Eric Guglielmi y fonde une agence de photo africaine. Retour en France en 1998. Eric Guglielmi rompt avec le photojournalisme. En 2005, il décide de se consacrer à sa carrière artistique et s’engage dans des projets photographiques au long cours avec l’Afrique et le voyage en toile de fond. Les photos d’Eric Guglielmi ne relèvent pas du documentaire. C’est notamment dans cet apparent paradoxe, entre le traitement décalé du sujet et l’acuité délicate de l’œuvre, que réside la force de son travail. 

ERIC GUGLIELMI : EXPOSITIONS 

2011 Novembre-Décembre : Méandres, Centre d’art municipale, Villepinte
        Juin-Octobre : Je suis un piéton,  rien de plus. Musée Arthur Rimbaud, Charleville-Mézières
        Mai-Aout, exposition collective, Méandres, Galerie Maubert, Paris

2010 Juin: Méandres, exposition collective, lieux Sambalou, Bruxelles
        Galerie Brugier-Rigail, exposition permanente
        Méandres, Nanterre l’Agora
        Méandres, exposition collective, maison Carpe Diem Ségou, Mali

2009 Méandres, Festival de l’eau, Valenton
        Touba, Galerie Cri-d’art, Metz

2008 Touba, Bibliothèque Elsa Triolet, Bobigny
        Touba, Biennale du carnet de voyage, Clermont-Ferrand
        Touba, Galerie Atiss, Dakar, Sénégal

2007 Je suis un piéton, rien de plus, Galerie Chab, Bamako, Mali

ERIC GUGLIELMI : LIVRES

Touba,  voyage au cœur d’un Islam nègre, Editions Alternatives, Paris, 2007
"Je suis un piéton, rien de plus", Arthur Rimbaud, Editions Gang, Ivry-sur-Seine, 2011


MUSEE ARTHUR RIMBAUD 
Quai Arthur Rimbaud
08000 CHARLEVILLE-MEZIERES
www.charleville-mezieres.fr

EDITIONS GANG
101, rue Victor Hugo
94200 Ivry sur Seine
www.editions-gang.com

June 17, 2011

Live art sound performances at Raven Row, London, June-July 2011

Gone with the Wind 
Live Art Sound Performances 
Raven Row, London 
June & July 2011 

Photo of ESTHER FERRER - Unesco Paris - CourtesyRaven Row, London 
In conjunction with the sound art exhibition Gone with the Wind, Raven Row presents a programme of seven sound based performances through June and July 2011. Including established artists such as Esther Ferrer, the programme will also comprise presentations from the burgeoning experimental music and sound art scene selected by Ed Baxter, exhibition curator and director of art radio station Resonance104.4fm. 

Esther Ferrer 
Saturday 25 June, 7pm
Artist Esther Ferrer (b. 1937, Spain), is best known for her radical performances, her principal form of artistic expression since 1965, both as a soloist and as a member of pioneering experimental music and performance art group ZAJ (1959-93). Alongside composers Juan Hidalgo and Walter Marchetti, Ferrer participated in the group's ‘visible music’ actions and extended concerts. Known as a proponent of free expression, confrontation, feminism and authentic experience, Ferrer will present an entirely new performance piece in Raven Row’s gallery space.

Saturday 2 July, 2pm
The Bonham Brothers are two London based brothers and noise musicians known for making music by playing bric-a-brac as instruments. A burnt tape machine found during the recent restoration of Raven Row has been made into a sculpture by artist Richard Crow for the Resonance Open. Crow and the Bonham Brothers will resurrect the destroyed machine as an instrument for this performance. 

Thursday 7 July, 7pm
The Resonance Radio Orchestra will perform the newly composed Lascia o raddoppia? [Double or quits?], a radiophonic reconstruction of the 1950s Italian television quiz show of the same name. One of the winners of this hugely popular show was Walter Marchetti, an artist in the current exhibition Gone with the Wind, who as a teenager answered questions on contemporary music. Another contestant was quintessential avant-garde composer John Cage, answering questions about his specialist subject of mushrooms.

Saturday 9 July, 2pm
Alongside a sixteen strong choir, Israeli singer and experimental musician Sharon Gal will perform The Long Drone. Acoustic instruments and multiple voices will ‘drone’ for two hours in a style pitched somewhere between natural soundscapes, La Monte Young's The Theatre of Eternal Music and The Scratch Orchestra.

Sunday 10 July, 2pm
Sound artists and theorists Lucia Farinati and Brandon LaBelle will discuss the newly published Site of Sound, a book that considers radio as a sonic architecture. Sound researcher Ian Rawes will join them to introduce a discussion about field recording and phonography.

Saturday 16 July, 2pm
British artist Christopher Weaver will perform Variations for a Room and a Tone, an installation that will make audible the resonant frequencies of Raven Row to produce music. Weaver will be joined by the members of the electro-acoustic quartet Oscillatorial Binnage.

Sunday 17 July, 2pm
Radio artists Sarah Washington and Knut Aufermann form the Anglo-German duo Tonic Train who will give a performance combining radio feedback and wine. Having recently moved to the Mosel region of Germany, in the heart of the country's wine growing area, Tonic Train will combine their new found passion for vinification with a lifelong saturation in avant-garde sonic arts.

All events are free and places will be allocated on a first come first served basis. Reservation needed for Esther Ferrer event.

RAVEN ROW, LONDON, UK

Max Eastley, Takehisa Kosugi, Walter Marchetti, Resonance104.4fm - Pioneers of sound art exhibition at Raven Row, London

Exhibition: Gone with the Wind 
Max Eastley, Takehisa Kosugi, Walter Marchetti, Resonance104.4fm  
Raven Row, London 
Through 17 July 2011 

RAVEN ROW LONDON

This exhibition brings together three pioneers of sound art, Max Eastley, Takehisa Kosugi and Walter Marchetti. Each artist has developed a distinct approach to the problem of representing immateriality, while sharing a lightness of touch, approaching sound with patience, restraint and fidelity. As well as presenting new and historic work, the exhibition comprise live performance, and a selection of material from the artists' substantial archives.

MAX EASTLEY (born 1944, UK) is an artist and musician whose sound sculptures play on a balance between the natural environment and human intervention. His musical collaborations include the 1975 album New And Rediscovered Musical Instruments with David Toop, produced by Brian Eno. His response to the interior of Raven Row is a meditation on the 18th century Picturesque, achieved with 21st century technology and a ‘Bergsonian’ approach to time. 

TAKEHISA KOSUGI (born 1938, Japan) is a major figure in modernist sound art. In the early 1960s his event pieces were realised by Fluxus in Europe and the USA. Kosugi pioneered the development of Japanese experimental music with Group ONGAKU and the Taj Mahal Travellers. Since 1977 he has been a composer/performer at Merce Cunningham Dance Company, and became its Music Director in 1995. As well as archival material, Takehisa Kosugi will present a number of works including the sound installation Mano-Dharma, electronic, 1967/2011.

WALTER MARCHETTI (born 1931, Italy) was a founder member of ZAJ, a recalcitrant Mediterranean parallel to Fluxus, which in the 1960s produced action-music-performances, anarchic gags, and elegant assaults on the music establishment. Marchetti befriended John Cage in 1958, and went on to collaborate with him on a number of projects. His work has often focused on the grand piano – for more than 50 years he has been preparing them like a chef intent on marinating sound. Two of Walter Marchetti's pianos, alongside works from Emanuele Carcano's Collection, are exhibited. 

WALTER MARCHETTI
Walter Marchetti, Musica da camera n. 182
Milano, Pianofortissimo, 
Fondazione Mudima, January 1990. 
Photograph by Fabrizio Garghetti 
Courtesy of Raven Row, London


Alongside these positions, RESONANCE104.4FM is installed at Raven Row for the duration of the exhibition, broadcasting, and hosting workshops and live events, as well as presenting an 'overhung' sound installation – the Resonance Open – with contributions solicited from local and international sound artists. Resonance104.4fm is the world’s first radio art station, established by London Musicians’ Collective, it started broadcasting on May 1st 2002. Its brief is to provide a radical alternative to the universal formulae of mainstream broadcasting.

The exhibition is curated by ED BAXTER, director of Resonance104.4fm.

RAVEN ROW, LONDON, UK
56 Artillery Lane
London E1 7LS

www.ravenrow.org

Resonance104.4fm website: www.resonancefm.com

June 13, 2011

Une peinture de Chu Teh-Chun à Drouot Richelieu le 15 juin 2011

Annonce Vente aux enchères organisée par la SVV Eve 
Drouot Richelieu, Paris, Salle 10 
Expositions publiques :
Mardi 14 juin 2011 de 11h à 18h
Mercredi 15 juin 2011 de 11h à 12h

Enchères : 15 juin 2011 à 14h

Le mercredi 15 juin 2011 à Drouot Richelieu, la société de ventes volontaires Eve organise une vente classique : Archéologie - Tableaux anciens et modernes, objets d'art et meubles

La pièce phare de cette vente est une huile sur toile de Chu Teh-Chun (né en 1920), intitulée Atmosphère hivernale, 89. La toile est signée en bas à droite, dédicacée, titrée et datée au dos. Elle mesure 60 x 73 cm et est estimée à 40 000 / 60 000 €. Une autre oeuvre de Chu Teh-Chun, Composition, 83 est mise aux enchères (lot 275). Il s'agit d'une oeuvre à l'encre noire et lavis. L'oeuve est signée et datée en bas à gauche ; un cachet rouge est apposé en haut à gauche. Ce travail de Chu Teh-Chun mesure 68 x 45 cm et est estimé à 8000 /12000 €

CHU TEH-CHUN - BIOGRAPHIE
Chu Teh-Chun est un peintre contemporain, né en 1920 à Baitou Zhen en Chine. Peintre abstrait de la même génération que Zao Wou Ki, il a tracé son sillon personnel dans le paysagisme abstrait. Le 29 mars 1955, Chu Teh-Chun embarque pour l’Europe, et s’installe à Paris. Il peint des paysages de Paris, dessine à l'Académie de la Grande Chaumière, visite le Louvre, les galeries et les expositions.

En 1956, il découvre « de visu » l’art abstrait, notamment lors de la rétrospective Nicolas de Staël. De 1956 à 1961, il rencontre ses premiers succès à Paris, et dès 1964, sa réputation se propage à l’étranger à l’occasion d’expositions au Carnegie Art Museum, à Pittsburgh, Jérusalem, Athènes, et en 1969, à la Biennale de Sao Paulo. En 1976, il renoue avec la calligraphie qu’il a pratiquée dans sa jeunesse.

Il a été élu en 1997 à l’Académie des Beaux Arts (France), section peinture, au fauteuil de Jacques Despierre, puis en devient le doyen en 2008.

Vente à Drouot Richelieu – Salle 10 : Mercredi 15 juin 2011 à 14h

Maison de ventes volontaires Eve : www.auctioneve.com
Catalogue de la vente en ligne sur le site

June 12, 2011

Vente aux enchères SVV Eve à Drouot Richelieu - Tableaux de Chu Teh-Chun

Annonce Vente aux enchères 
organisée par la SVV Eve 
Drouot Richelieu, Paris, Salle 10 
Vente le 15 juin 2011 
Expositions les 13 et 13 juin 2011 

Le mercredi 15 juin 2011 à Drouot Richelieu, la société de ventes volontaires Eve organise une vente classique : Archéologie - Tableaux anciens et modernes, objets d'art et meubles.


La pièce phare de cette vacation (photo ci-dessus) est une huile sur toile de Chu Teh-Chun (né en 1920), intitulée Atmosphère hivernale, 89. La toile est signée en bas à droite, dédicacée, titrée et datée au dos. Elle mesure 60 x 73 cm et est estimée à 40 000 / 60 000 €. Une autre oeuvre de Chu Teh-Chun, Composition, 83 est mise aux enchères (lot 275). Il s'agit d'une oeuvre à l'encre noire et lavis. L'oeuve est signée et datée en bas à gauche ; un cachet rouge est apposé en haut à gauche. Ce travail de Chu Teh-Chun mesure 68 x 45 cm et est estimé à 8000 /12000 €

CHU TEH-CHUN est un peintre contemporain, né en 1920 à Baitou Zhen en Chine. Peintre abstrait de la même génération que Zao Wou Ki, il a tracé son sillon personnel dans le paysagisme abstrait. Le 29 mars 1955, Chu Teh-Chun embarque pour l’Europe, et s’installe à Paris. Il peint des paysages de Paris, dessine à l'Académie de la Grande Chaumière, visite le Louvre, les galeries et les expositions.

En 1956, il découvre « de visu » l’art abstrait, notamment lors de la rétrospective Nicolas de Staël. De 1956 à 1961, il rencontre ses premiers succès à Paris, et dès 1964, sa réputation se propage à l’étranger à l’occasion d’expositions au Carnegie Art Museum, à Pittsburgh, Jérusalem, Athènes, et en 1969, à la Biennale de Sao Paulo. En 1976, il renoue avec la calligraphie qu’il a pratiquée dans sa jeunesse.

Il a été élu en 1997 à l’Académie des Beaux Arts, section peinture, au fauteuil de Jacques Despierre, puis en devient le doyen en 2008.

Expositions publiques :
Mardi 14 juin 2011 de 11h à 18h
Mercredi 15 juin 2011 de 11h à 12h

Vente à Drouot Richelieu – Salle 10 : Mercredi 15 juin 2011 à 14h
Maison de ventes volontaires Eve : www.auctioneve.com
Catalogue de la vente en ligne sur le site

La Fondation du Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa

Présentation de la Fondation du Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa

La Fondation du Musée des beaux-arts du Canada dont la création date de 1997 est un organisme philanthropique constitué d'un conseil d'administration bénévole et de bienfaiteurs de toutes les régions du Canada voué à assurer la viabilité à long terme et le succès du Musée des beaux-arts du Canada. Sa principale mission consiste à recueillir des dons et à administrer des fonds de dotation pour le Musée des beaux-arts du Canada. Ses bureaux se situent au Musée des beaux-arts du Canada, à Ottawa. La Fondation apparaît ainsi comme un organisme traduisant l'institutionnalisation des différents aspects du travail autour du mécénat et des donations antérieurement effectués dans le cadre du MBAC sans ce statut spécifique de Fondation.

Au travers du mécénat la Fondation du MBAC offre ainsi un appui constant au Musée. Grâce aux donateurs des différentes régions du Canada mais aussi quelques uns de l'étranger, les fonds recueillis par la Fondation ont permis la mise en place d'un programme de rayonnement de la collection permanente et l'organisation d'expositions itinérantes. Son action a ainsi permis l'accès d'un plus grand nombre de visiteurs aux oeuvres de la riche collection permanente du MBAC. La Fondation a aussi contribué à l'enrichissement de cette collection permanente du Musée.

La Fondation du Musée des beaux-arts du Canada est présidée par Thomas d'Aquino. Il notait récemment : « Nous sommes des bénévoles dévoués et nous sommes fiers de travailler avec l'équipe de professionnels du Musée qui comptent parmi les plus accomplis du monde. Le Musée des beaux-arts du Canada est à la fois un trésor national et un centre d'excellence artistique international. Grâce à la Fondation, nous sommes déterminés à faire valoir les remarquables réalisations du Musée, tant au Canada que sur la scène internationale » (Communiqué de presse daté du 10 juin 2011).

Son vice-président est le président du Musée, Michael Audain. Il souligne également l'importance du mécénat en soulignant : « Les Mécènes distingués jouent un rôle de premier plan dans les efforts déployés par le Musée pour atteindre ses objectifs. Par leur leadership et leur générosité, ils inspirent les Canadiens à appuyer cette grande institution et favorisent une appréciation toujours plus grande des arts visuels. » (Communiqué de presse déjà cité) 

Actualité de la Fondation du MBAC : la Fondation rend hommage à ses principaux donateurs et mécènes 

Les bienfaiteurs du Musée des beaux-arts du Canada se réunissent à Ottawa le 13 juin 2011 à l'invitation de la Fondation du Musée des beaux-arts du Canada et en présence de David Johnston, gouverneur général du Canada. Plus de 100 invités venus des quatre coins du Canada et de l'étranger prendront part à cette réception organisée par le Musée des beaux-arts du Canada pour les remercier. C'est la juge en chef de la Cour suprême du Canada, Beverley McLachlin, qui présidera la soirée à titre de marraine de l'événement. 

« Nous sommes très honorés d'accueillir au Musée les amis et admirateurs de notre précieux trésor national, a souligné Thomas d'Aquino, président du conseil d'administration de la Fondation du Musée et président des Mécènes distingués. Mes collègues administrateurs de la Fondation se joignent à moi pour saluer les loyaux bienfaiteurs du Musée qui reconnaissent l'importance des arts visuels dans la vie culturelle canadienne. » De même, le directeur général du Musée, Marc Mayer, a déclaré : « La Fondation est un exemple éloquent de bénévolat. La Fondation nous soutient financièrement et nous aide à mieux faire connaître le Musée, sa collection permanente et ses expositions temporaires. Les Mécènes distingués à qui nous rendront hommage le 13 juin sont une illustration des initiatives philanthropiques qui permettront au Musée de réaliser ses objectifs ambitieux. »

FONDATION DU MUSEE DES BEAUX-ARTS DU CANADA
www.fondationmbac.ca

Vladimir Tatlin Tower - Tony Shafrazi Gallery, NYC

Exhibition: Vladimir Tatlin 
Monument to the Third International  
Tony Shafrazi Gallery, New York 
Through July 30, 2011 

Tony Shafrazi Gallery, New York
Poster for the exhibition 
Courtesy Tony Shafrazi Gallery, New York 



Vladimir Tatlin’s Monument for the Third International, "the definitive paradigm of Constructivism" is exhibited for the first time in the United States at Tony Shafrazi Gallery, NYC. 

VLADIMIR TATLIN, the father of the Russian Constructivist movement, began work on the Monument in 1915 and completed his famous scale model of the colossal structure in 1920. Commonly known as "Tatlin’s Tower," the Monument, envisioned to function as the headquarters of the Communist International, was to stand in the birthplace of the Russian Revolution—the city of Petrograd. It was to be made from industrial materials—iron, glass, and steel—and stand 1300 feet, more than 300 feet taller than the Eiffel Tower or the approximate height of The Empire State Building. The ambitious engineering and architectural demands of the project, combined with political turmoil and steel shortages made it unrealistic for the massive structure to be realized.

VLADIMIR TATLIN'S TOWER AND MODEL OF MONUMENT FOR THE THIRD INTERNATIONAL EXHIBITIONSTatlin’s Tower was exhibited in Petrograd in November 1920 and then in Moscow later that December on the occasion of the Soviet Congress. The model was erected a third time, in Tatlin’s absence, at the World Exhibition of Industrial and Decorative Art in Paris, 1925. The only other time that the model was installed during the artist’s lifetime was at the 1930 exhibition in Leningrad. By 1932, all traces of these models had disappeared.

The model of Monument for the Third International in Tony Shafrazi Gallery's exhibition is the first model to have been built after Tatlin’s death. In 1967, Pontus Hulten, Director of Moderna Museet in Stockholm, having obtained permission from Aleksandra Korsakova, Tatlin’s widow, and consulting with T. M. Shapiro, Tatlin’s original collaborator, as well as two structural engineers, oversaw the fabrication of this model which made its debut in the exhibition Vladimir Tatlin at the Moderna Museet in 1968. Later the exhibition traveled to Van Abbemuseum Eindhoven and Technische Hochschule Delft, Holland in 1969, and many other important museums.

In 1979, this model was lent to the exhibition Moscow-Paris at the Centre Georges Pompidou. After the exhibition, the Pompidou had an exact replica made from this model for their collection, as our original model had been acquired by a private collector from Switzerland. In 1980, the Moderna Museet also made a replica from this model for their collection. Of these three versions of Monument for the Third International, the present sculpture is the only one created under the supervision of T.M. Shapiro, Tatlin’s original collaborator, and is the most accurate rendition of his original 1920 design.

Tatlin’s Monument for the Third International is widely regarded as the defining symbol of Constructivist sculpture and architecture and remains one of the most celebrated icons of revolutionary art of the 20th century. It is on view at Tony Shafrazi Gallery through July 30, 2011.

TONY SHAFRAZI GALLERY, NYC 

Robert Crumb: Kafka Exhibit Tony Shafrazi Gallery, NYC

Exhibition: Robert Crumb: Kafka
Tony Shafrazi Gallery, New York  
Through July 30, 2011

Tony Shafrazi Gallery, NYC, presents an often-overlooked masterpiece from underground comic pioneer and cultural icon ROBERT CRUMB. Part illustrated biography and part graphic adaptation, Crumb’s "Kafka" seamlessly weaves the infamous Czech writer’s personal life with his most famous stories, told through David Zane Mairowitz’s text and Crumb's signature mix of masterful line work, palpable neuroses, ghoulish detail, and sly sexuality. The combination of Franz Kafka and Robert Crumb creates something new and wonderfully unnerving. No stranger to self-loathing and alienation, Crumb’s lush pen and ink drawings don’t just compliment the text but marvelously amplify Kafka’s satire of bureaucracy, self-flagellation, and dark surrealist-humor—a collaboration that seems oddly perfect despite the 80 years that separate the two legendary artists. Selected drawings from the book including Kafka’s stories "The Trial," "The Burrow," "A Hunger Artist," and "The Metamorphosis" are on view through July 30, 2011.

TONY SHAFRAZI GALLERY, NYC 

Vente aux enchères France - Japon : ensemble pour demain - Au profit des régions sinistrées du Tohoku

France - Japon : ensemble pour demain  
Une vente aux enchères au profit des régions sinistrées du Tohoku, au Nord-Est du Japon 
20 juin 2011, Drouot-Montaigne, Paris 
Exposition les 18 et 19 juin 2011

NATACHA NISIC
Natacha Nisic, Vivre/Ikiru, 2003. Diptyque photographique. 
Courtesy Galerie Dominique Fiat, Paris, Galerie Florent Tosin, Berlin 

70 artistes français et japonais ont offert une oeuvre qui sera présenté lors d'une vente aux enchères dont l'intégralité des recettes doit être versée aux régions sinistrées du Tohoku, au Nord-Est du Japon, les plus touchées par le séisme, en concertation avec Issey Miyake, Tadao Ando, et le Comité pour la reconstruction. 

Cette vente aux enchères est organisée par l'Ambassade de France au Japon avec l'aide de l'Institut français, et parrainée par Issey Miyake. L'exposition  des oeuvres a lieu les 18 et 19 juin 2011, à Drouot-Montaigne (15, avenue Montaigne, 75008 Paris) où elles seront mises en vente, le 20 juin, à 19h30, par les commissaires-priseurs Pierre Cornette de Saint-Cyr et Georges Delettrez. Le catalogue sera disponible le 14 juin et consultable en ligne sur le site de l'Ambassade de France au Japon.

LISTE DES ARTISTES PARTICIPANTS 
Jean-Michel Alberola - Chiho  Aoshima - Nobuyoshi Araki - Luc Arasse - Valérie Archeno - Art Orienté objet - Agathe de Bailliencourt - Yves Belorgey - Christian Boltanski - Mark Brusse - Alain Bublex - Nicolas Buffe - Fabrice Cazenave - Philippe Chancel & Valérie Weill - Christo - James Coignard - Didier Courbot - Marc Couturier - Johan Creten - Alice Daquet - Ayako David Kawauchi - Marie Denis - Hervé di Rosa - Pierre Filliquet - Franta - Monique Frydman - Valéry Grancher - Emmanuel Guibert - Daniel Guyonnet - Ryoji Ikeda - Jef Aérosol - Véronique Joumard - Jacques Julien - Jules Julien - K-Narf - Romain Kronenberg - Philippe Laleu - Le Gentil Garçon - Le Pli Français / Alice Daquet & Colin Ledoux - Guillaume Leingre & Lionel Monier - Claude Lévêque - Julien Levy - Philippe Marinig - Angelika Markul - Cyrille Martin - Erina Matsui - Annette Messager - Mariko Mori - Daido Moriyama - Valérie Mréjen -  François Shunsuke Nanjo - Natacha Nisic - Tami Notsani - Jean-Michel Othoniel - Florence Paradeis - Aurélie Pétrel - Pierre La Police - Sabine Pigalle - Antoine Poupel - Paul Pouvreau - Psyckoze NoLimit - Loïc Raguenes - Jean-Pierre Raynaud - Hugues Reip - Lucille Reyboz - Bettina Rheims - Georges Rousse - Ariele Schweps - Alain Séchas - Sputniko! - Speedy Graphito - Tadzio - Aya Takano - Claude Viallat - Jean-Luc Vilmouth 

COMMUNIQUE DE PRESSE DE L'AMBASSADE DE FRANCE AU JAPON

« France - Japon : ensemble pour demain » : une initiative de l'Ambassade de France au Japon

Depuis le 11 mars,  de nombreux artistes français se sont mobilisés spontanément pour témoigner leur soutien aux sinistrés du Tohoku. Les associations, les entreprises, les collectivités locales et les artistes ont exprimé leur amitié aux Japonais et développé un élan de solidarité qui a contribué à la mise en place d'une aide humanitaire de première urgence, avec les ONG actives dans les territoires touchés par le grand tremblement de terre et le tsunami.

Aujourd'hui, il est nécessaire de mener une action pour l'avenir des régions sinistrées et leur reconstruction. Avec sa campagne « France-Japon : ensemble pour demain », l'Ambassade de France à Tokyo entend accompagner le Japon  sur le long terme, à travers un ensemble de projets culturels qui, à la fois, contribueront à renforcer les liens d'amitié francojaponais et permettront de poursuivre les levées de fonds pour le sauvetage du patrimoine, la reconstruction et la renaissance du Tohoku. Cette action, pilotée par l'Ambassadeur de France à Tokyo, est menée en étroite concertation avec le Comité pour la reconstruction, l'Agence pour les affaires culturelles et de nombreux partenaires japonais du monde des arts, de la culture, de l'économie, de la diplomatie et de la politique.

Cette initiative a vocation à s'inscrire dans la durée en suscitant et appuyant de nombreux événements, en France comme au Japon, afin que la mobilisation en faveur du Japon se poursuive.

Outre la vente aux  enchères organisée à Drouot, un grand dîner de charité orchestré par Alain Ducasse et les chefs français,  toujours en étroite collaboration avec l'Ambassade de France au Japon, est également prévu le 14 juin à Paris, dans les salons du Quai d'Orsay. 300 donateurs sont attendus, l'intégralité de la recette étant là aussi destinée aux régions sinistrées.

www.institutfrancais.com

June 9, 2011

Beauty and Bounty: American Art in an Age of Exploration - A survey of great 19th and 20th-century American landscape paintings and photographs presented by the Seattle Art Museum

Beauty and Bounty: American Art in an Age of Exploration 
SAM - Seattle Art Museum 
June 30 - September 11, 2011

The Seattle Art Museum (SAM) presents a survey of great 19th and 20th-century American landscape paintings and photographs in the exhibition BEAUTY AND BOUNTY: AMERICAN ART IN AN AGE OF EXPLORATION. Through more than 100 works, including an in-depth presentation of the Seattle Art Museum’s painting Puget Sound on the Pacific Coast (1870) by Albert Bierstadt, Beauty and Bounty shows American artists’ responses as they encountered the North American continent’s ever-expanding vastness of natural beauty and nature’s bounty and provides a rare opportunity to view great works of American art from private collections, which have rarely – or never – been seen by the public. 

In the late 19th to early 20th centuries, painters including Sanford Gifford, Albert Bierstadt and Thomas Moran gave form to landscapes of once unimaginable character, as they crossed the continent on expeditions through the plains and the mountains of the Great West. Beauty and Bounty includes about 45 of these majestic works – many of which are held in private collections and were previously unknown to the public. The centerpiece of the exhibition is a gallery devoted to one painting: Albert Bierstadt’s Puget Sound on the Pacific Coast (1870), which is dramatically displayed to convey its 19th-century context, alongside objects that the artist himself had collected during his travels and used as source material for the painting. 

Also included in the exhibition are approximately 60 landscape photographs, including mammoth plate images by pioneers of the western photography, including Carleton Watkins, Edward Muybridge, and Timothy O’Sullivan. 

“Many would be surprised by the wealth of important American landscape paintings and photographs that exist in private collections in the Seattle area,” said PATRICIA JUNKER, the Ann M. Barwick Curator of American Art at SAM. “We are so grateful for the generosity of these collectors who have loaned their works, allowing our visitors to deepen their understanding of the American experience, through the eyes and experiences of some of our country’s greatest 19th and early 20th-century artists.” 

The paintings and photographs on view demonstrate that it was often these artist-explorers who were raising important questions about humankind’s place in the world and how best to respond to a continent that many at the time viewed as a divine blessing of beauty and bounty from nature. Naturalists John Muir and Gifford Pinchot had close relationships with painters during this period, and the works of art in the exhibition suggest the distinct philosophical ideals of preservation and conservation promoted by these influential men. 

AMERICAN LANDSCAPE PAINTING
Visitors to Beauty and Bounty begin by moving through a suite of galleries filled with nearly 45 grand landscape paintings by some of the late 19th-century’s greatest American artists. This was a time of great fascination with and optimism about westward expansion in the United States. While artists discovered the vast beauty of nature throughout the growing nation, the west – and the Pacific Northwest in particular – was viewed as the “next great thing” for the United States – a land of unspoiled beauty and seemingly boundless natural resources. A number of artists traveled west, where they sketched the largely untouched landscapes they found, often returning to their studios on the East Coast to produce their large-scale oil paintings to be shared with the public. In paintings such as Albert Bierstadt’s Sunrise, Yosemite Valley (1865), Sydney Laurence’s Mount McKinley (1914) and many others, the artists placed themselves – and, subsequently their viewers – right in the middle of these majestic landscapes. Through their paintings, these artists brought home with them the mystique of fabled places such as Yosemite and Yellowstone, the Columbia River and the Pacific coast of Washington State, to be experienced by lay-people across the country. 

The exhibition includes both oil sketches created on-the-spot within these natural surroundings and highly finished works from the artists’ studios. Also on view are a number of partings of landscapes from the eastern half of the United States, such as John Frederick Kensett’s paintings Narragansett Bay (1861) and Lake George (ca. 1865), and Winslow Homer’s An Adirondack Lake (1870). 

ALBERT BIERSTADT’S PUGET SOUND ON THE PACIFIC COAST
The presentation of landscape paintings in Beauty and Bounty culminates in a deep exploration of the Seattle Art Museum’s own grand painting, Albert Bierstadt’s Puget Sound on the Pacific Coast (1870). New research by SAM curator Patricia Junker has revealed insights into the painting that allow a deeper understanding of the artist’s intent, as well as what the painting would have meant to his American audiences back on the East Coast. Bierstadt, Junker has learned, traveled through Oregon and up the coast of the Washington Territory in 1863, sketching and gathering source material that would inform this painting and others. Including field sketches, native artifacts from Bierstadt’s personal collection, photographs, and popular prints, this gallery brings together much of the material that fueled Bierstadt’s imagination and helped shape his composition. 

Puget Sound on the Pacific Coast will be installed in a manner reminiscent of how it would have been experienced in 1870. At that time, patrons would have visited Bierstadt’s studio to see the painting and learn about the natural wonders he witnessed on his travels. Viewers would spend a large amount of time looking deeply at the image, the artist meticulously walking them through the story and the details of the painting. At SAM, the painting will be accompanied by an audio feature that replicates this experience, using descriptive text taken from nineteenth-century commentary on the painting. 

Rather than a traditional exhibition catalogue, Beauty and Bounty will be accompanied by a book that outlines Patricia Junker’s new findings about this painting from SAM’s collection. Albert Bierstadt’s Puget Sound on the Pacific Coast: A Superb Vision of Dreamland is co-published by the Seattle Art Museum and the University of Washington Press and was produced by Marquand Books, Seattle. It has been underwritten by the Mr. and Mrs. Raymond J. Horowitz Foundation for the Arts, Inc. 

AMERICAN LANDSCAPE PHOTOGRAPHY
By the late-nineteenth century, the role of photographers as artists, as well as documentarians, was firmly established. Much like their counterparts working in paint, landscape photographers grappled with how to portray the vast landscapes they encountered. They also struggled with similar philosophical issues, as they witnessed the pull between those who desired to maintain the integrity of these pristine natural landscapes and those who felt a balance could be struck between conservation and management of the natural resources these areas harbored. Mammoth plate photographs from the 1880s by Frank Jay Haynes, for example, present stunningly beautiful views of Yellowstone’s canyons and waterfalls, while a series of equally beautiful photographs by Darius Kinsey from the turn of the 20th century document the logging industry in the Pacific Northwest and its toll on the land and forests of the region. Other large-scale photographs on display include works by William Henry Jackson, Carleton E. Watkins, Timothy O’Sullivan and more. 

The exhibition also includes a gallery of stereograph images by Edward Muybridge, Charles Bierstadt and others, as well as a rare, 1853 Daguerreotype by Platt Babbitt of a view at Niagara Falls. 

Beauty and Bounty: American Art in an Age of Exploration has been organized by Patricia Junker, the Ann M. Barwick Curator of American Art at the Seattle Art Museum. 

This exhibition is organized by the Seattle Art Museum. Members of the Visionary Circle (Thomas W. Barwick, Jeffrey and Susan Brotman, Barney A. Ebsworth, Jon and Mary Shirley, Virginia and Bagley Wright, Ann P. Wyckoff) have provided crucial funding to make that exhibition possible. Presenting Sponsor is Seattle Office of Arts & Cultural Affairs. Exhibition Sponsors are Christie's and The Mr. and Mrs. Raymond J. Horowitz Foundation for the Arts, Inc. Additional support is provided by SAM's American Art Endowment and contributors to the Annual Fund. Media Sponsor is King 5 Television. Airline Sponsor is Alaska Airlines/Horizon Air. 

SEATTLE ART MUSEUM 
SAM Downtown, Fourth Floor, Simonyi Special Exhibition Gallerie