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Art Exhibitions, Art Fairs, Visual Arts, Photography, Graphic Arts, Design, Video Art, Architecture, Films, Photo / Imaging Equipments, Publications


April 29, 2010

Sigma APO 70-200mm F2.8 EX DG OS HSM lens

DSLR Camera Lens > Sigma

 

Sigma APO 70-200 F2.8 EX DG OS HSM

    Photo © Sigma Corp. Courtesy of Sigma

 

The Sigma APO 70-200 F2.8 EX DG OS HSM is a large aperture, telephoto zoom lens that incorporates Sigma’s original Optical Stabilization (OS) function. The lens covers a medium telephoto range of focal lengths from 70mm to 200mm and has a large maximum aperture of F2.8 throughout the entire zoom range. The OS function offers the use of shutter speeds approximately four stops slower than would otherwise be possible.

For Sony and Pentax mounts, the built-in OS function of this lens can be used even if the camera body is equipped with an image sensor shift anti-shake system.

As compensation for camera shake is visible in the view finder, the photographer can easily check for accurate focus and ensure there is no subject movement. Two FLD glass elements, which have the performance equal to fluorite glass, and three SLD (Special Low Dispersion) glass elements should provide excellent correction of color aberration. High image quality is assured throughout the entire zoom range and an optimum optical power layout provides superior optical quality in all shooting ranges from close-up to infinity. Super Multi-Layer Coating reduces flare and ghosting.

This lens incorporates Hyper Sonic Motor (HSM), ensuring a quiet and high-speed auto focus, as well as full-time manual focus capability. The lens has a minimum focusing distance of 55.1 inches throughout the entire zoom range and a maximum magnification ratio of 1:8. The rounded, nine-blade diaphragm creates an attractive blur to the out of focus images.

This lens is equipped with a petal-type hood. For digital cameras with an APS-C size image sensor, a dedicated hood adapter, which expands the length of the lens hood, is supplied.

 

Other Sigma’s new lenses announced at PMA 2010 :

Sigma 8-16mm F4.5-5.6 DC HSM ultra-wide zoom lens

Sigma 17-50mm F2.8 EX DC OS HSM lens

Sigma APO 50-500mm F4.5-6.3 DG OS HSM lens

Sigma 85mm F1.4 EX DG HSM lens

Sigma FLD F Low Dispersion glass

 

Sigma APO 70-200mm F2.8 EX DG OS HSM What does FLD mean ?

“F” Low Dispersion (FLD) glass has been adopted and used in Sigma’s new lenses. FLD glass is the highest level, low dispersion glass available for Sigma’s lenses with high light transmission. With a performance equal to fluorite glass, this optical glass has a low refractive index and low dispersion compared to current optical glass. It also benefits from high anomalous dispersion. These characteristics should offer excellent correction for residual chromatic aberration (secondary spectrum), which cannot be corrected by ordinary optical glass and ensures high-definition and high-contrast images. According to Sigma, FLD glass offers superior optical performance, equal to fluorite, at an affordable price. The density of FLD glass is lower than traditional optical glass, ensuring a lighter construction of large aperture lenses.

FLD glass has been incorporated into three recently announced lenses. Four elements have been included in the Sigma 8-16mm F4.5-5.6 DC HSM and two elements have been included in both the Sigma APO 70-200mm F2.8 EX DG OS HSM (photo © Sigma Corp.) and the Sigma 17-50mm F2.8 EX DC OS HSM.

Sigma 8-16mm F4.5-5.6 DC HSM Lens

DSLR Camera Lens > Sigma

 

 Sigma 8-16mm F4.5-5.6 DC HSM

© Sigma Corp.  All right reserved. Courtesy of Sigma

 

The Sigma 8-16mm F4.5-5.6 DC HSM is the first ultra-wide zoom lens with a minimum focal length of 8mm, designed specifically for APS-C size image sensors. This lens has an equivalent angle of view of a 12-24mm lens when used on digital cameras with an APS-C size image sensor.

The wide-angle of view from 121.2 degrees (the angle of view varies depending on which camera the lens is mounted on) produces striking images with exaggerated perspective, enabling photographers to emphasize the subject.

Four FLD glass elements, which have the performance equal to fluorite glass, compensate for color aberration. One hybrid aspherical lens and two glass mold elements give excellent correction for distortion and astigmatism.

Incorporating an inner focusing system, the lens produces high-definition images throughout the entire zoom range. The Super Multi-Layer Coating reduces flare and ghosting while superior peripheral brightness ensures high contrast images throughout the entire zoom range. This lens incorporates Hyper Sonic Motor (HSM), ensuring quiet and high speed auto focus, as well as full-time manual focus capability. It has a minimum focusing distance of 9.4 inches throughout the entire zoom range, which allows photographers to emphasize the subject by creating exaggerated perspectives.

This lens has a compact construction with an overall length of 4.2 inches and a maximum diameter of 2.9 inches.

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Specifications for the Sigma 8-16mm F4.5-5.6 DC HSM lens

Lens Construction: 15 elements, 11 groups

Angle of view: 114.5 – 75.4

Number of diaphragm blades: 7 blades

Minimum aperture: F22

Minimum focusing distance: 9.4 inches/24cm

Maximum magnifications: 1:7.8

Dimensions: Diameter 3.0 inches x 4.2 inches/75mm x 105.7mm

Weight: 19.6 ounces/555g

Corresponding AF mounts: Sigma, Canon, Nikon, Sony, Pentax

Notes:
- Vignetting will occur if the lens is used with digital cameras with image sensors larger than APS-C size or 35mm SLR cameras.
- AF will not function with Pentax ist* series and K100D DSLR cameras that do not support HSM.
- Filters cannot be attached to this lens.

April 27, 2010

Exposition Moebius Paris Fondation Cartier

Exposition Art contemporain > Illustration, Bande dessinée > Moebius

 

Moebius

Fondation Cartier pour l'art contemporain

Octobre 2010 - février 2011

 

Les passionnés de bande dessinée vont sans aucun doute s’y ruer. Des jeunes, certainement, mais avec eux beaucoup de moins jeunes assurément. Car si Moebius est une référence qui traverse les générations, ceux qui ont été les témoins, en direct,  de la force d’innovation qu’il a insufflé dans l’illustration et la BD en ont sans doute été d’autant plus marqués car plus pleinement conscients de la force créative de cet artiste. Cette exposition constitue un événement assez exceptionnel. Et avec les amoureux d’art graphique bon nombre de passionnés d’Art tout court seront au rendez-vous. Parce qu’il s’agit de Moebius. Et parce que cette exposition présente le grand intérêt de mettre en avant les multiples facettes et talents de cet artiste d’exception.  Ne voyez pas dans les lignes qui précèdent une introduction convenue mais l’expression de la joie d’un passionné d’art qui se réjouit d’avance, et de façon on ne peu plus empathique – car il n’est pas touché par ce phénomène – de voir une telle exposition correspondre à la période de phase de dépression saisonnière dont certains d’entre vous sont les victimes à ce moment de l’année. 

En octobre 2010, donc, la Fondation Cartier présentera une importante exposition personnelle dédiée à Jean Giraud, connu sous les pseudonymes de Gir ou de Mœbius. Maître incontesté de la bande dessinée, il poursuit un double travail d’auteur et d’illustrateur qui dépasse les limites traditionnelles du genre. Il a développé une large palette de styles allant du réalisme détaillé du désormais classique Blueberry aux dessins fantastiques de Arzak ou du Garage hermétique.

Moebius a choisi d’organiser son exposition autour de la métamorphose, un thème que l’on peut retrouver dans l’ensemble de son oeuvre. Avec leurs paysages changeants et leurs personnages en perpétuelle évolution, ses dessins explorent les confins de l’inconscient et dévoilent un imaginaire où le fantastique et l’onirique sont les éléments moteurs. A travers la métamorphose souvent brusque et inquiétante d’un personnage, Moebius révèle un monde où les apparences ne sont pas aussi stables qu’on pourrait le croire.

Présentant des carnets originaux, des planches de bande dessinée et des peintures de l’artiste, l’exposition sera également l’occasion de découvrir ses travaux pour le cinéma ainsi que des dessins inédits.  

Wanafoto reviendra sur cet événement de la saison 2010-2011.

 

Fondation Cartier pour l'art contemporain
261, bld Raspail
75014 Paris

 

A LIRE SUR WANAFOTO

Exposition retrospective Jean-Michel Basquiat, Fondation Beyeler, puis Musée d’art moderne de la ville de Paris

Expo Michael von Graffenried Eye Africa

Exposition de photographies > Paris

 

Michael von Graffenried

eye on africa

 

Galerie Esther Woerdehoff, Paris

5 mai - 3 juillet 2010 

 

En parallèle avec l’exposition Outing - Michael von Graffenried à la Maison Européenne de la Photographie à Paris, la galerie Esther Woerdehoff présente le projet le plus récent de Michael von Graffenried, eye on africa.

Les 32 photographies panoramiques qui composent ce travail, produites au cours de deux voyages d’un mois au Cameroun en 2008, ont été affichées en mars 2009 sur les panneaux publicitaires de cinq villes suisses et font partie du livre également paru en mars 2009.

Pour expliquer son travail, Michael von Graffenries parle souvent de rencontres. Il veut faire se confronter des gens qui ne se rencontreraient pas autrement. Pour provoquer ces rencontres, il cherche à photographier des gens dans des situations réelles. Il transfère ensuite les images dans l’environnement de l’observateur, ce qui explique notamment le grand format qu’il utilise pour faire plonger le spectateur directement au coeur de l’événement.

Comme le raconte bien la journaliste Albertine Bourget, qui l’a accompagné pendant ce voyage en Afrique :

“ Parfois, en voyant Michael appuyer sur le déclencheur, je me demande ce qu’il peut bien photographier : je ne vois rien, moi. C’est que pour lui, tout est matière. Enfin, presque. Les sujets les plus attendus, les bébés, les girafes, les somptueux paysages, il les laisse à d’autres. Il veut du quotidien, du banal en somme. S’il pouvait, il photographierait tout le temps. Le panoramique, ce n’est rien d’autre que de la gourmandise, un format qui lui permet de tout balayer d’un regard. (...) Ensemble, ces images racontent une histoire. Elles ne prétendent pas être exhaustives. Il faudrait une vie pour dire la complexité et les facettes de ce pays aux 250 ethnies et aux 17 millions d’habitants. Devant ce regard subjectif, à chacun de se raconter la suite, d’imaginer tout ce qui n’est pas dans le cadre. Parfois, je me dis que le Cameroun n’était qu’un rêve. Mais j’ouvre les yeux, je regarde les images et je sais : c’est la réalité. ” – Albertine Bourget.

L’intention de l’artiste est bien de laisser glisser le spectateur dans l’image panoramique et, peut-être, diminue la peur et la distance entre l’Africain et lui-même.

eye on africa veut montrer la diversité et la beauté d’un pays d’Afrique, loin des clichés pauvreté / violence très souvent associés à cette partie du monde.

 

Biographie de Michael von Graffenried

Né en 1957 à Berne, le photographe Michael von Graffenried vit et travaille à Paris. Issu du photojournalisme, il se consacre aujourd’hui à des projets au long cours en utilisant différents supports médiatiques.

Une grande partie de son travail est axée sur le panoramique, qu’il commence à utiliser en 1991. Depuis 1998 ses photographies sont tirées en partie sur du papier baryté au format 125 x 288 cm. Ces grands formats « se présente à l’observateur à hauteur des yeux et lui permet de faire plonger directement le spectateur (de l’Art) au coeur de l’événement », avait écrit le curateur Harald Szeemann sur l’artiste.

En 2002, le film documentaire Guerre sans images – Algérie, je sais que tu sais, co-réalisé avec Mohammed Soudani, a été présenté au Festival du Film de Locarno.

Ses images, exposées dans des galeries et des musées en France et en Suisse, ainsi qu’à New York, Alger, Hong Kong ou encore Beyrouth, font partie des fonds de la Maison Européenne de la Photographie, la Bibliothèque nationale à Paris, la Fondation Suisse pour la Photographie à Winterthur et le Musée de l’Elysée à Lausanne. A la Galerie Esther Woerdehoff, la précédente exposition consacrée aux photographies de Michael von Graffenried était Our Town - Un regard sur les Etats-Unis en 2008.

Il a publié plusieurs ouvrages, notamment Soudan, une guerre oubliée (1995), Nu au Paradis (1997), Algérie, photographies d’une guerre sans images (1998), Cocainelove (2005) et eye on africa (2009) où sont publiées les photographies exposées. En 2006, Michael von Graffenried a reçu l’insigne de Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres.

 

Michael von Graffenried
eye on africa

Galerie Esther Woerdehoff
36, rue Falguière
75015 Paris
mardi - samedi, 14h - 18h

Mercredi 5 mai 2010, 18h - 21h

Salon Art contemporain Zurich 2010

Art International, salon d'art contemporain. Zurich 2010
ART INTERNATIONAL Zurïch 2010
12ème Salon d’Art Contemporain
Maison des Congrès de Zurïch, Suisse
Kongresshaus Zürich


15 - 17 octobre 201011h - 20h

Ce salon annuel d’art contemporain à Zurich existe depuis 1999. Art Zurich 2010 aura lieu cette année les 15, 16 et 17 octobre 2010. Le salon de Zurich  présente un ensemble d'oeuvres qui sont souvent le travail de jeunes artistes. Plus qu'ailleurs sans doute les contacts entre visiteurs et artistes sont favorisés et simples. Au vue des éditions précédentes, les oeuvres sont très diversifiées couvrant un très large éventail des arts visuels. Que se soit simplement pour les admirer, se faire une idée de la création artistique contemporaine dans sa diversité, pour acheter une oeuvre sur place ou plus tard, prendre contact avec un artiste ou une galerie, échanger sur les oeuvres présentées, chacun devrait y trouver son bonheur avec des travaux d'artistes proposant des prix raisonnables. Un salon très sympathique.

Zemanek-Münster présente un ensemble d'oeuvres d'art tribal d'Afrique.

Zemanek-Münster - Tribal Art Auktion - Hörleingasse 3-5 - 97070 Würzburg - Deutschland




Ethnie JUKUN, Nigeria, Masque Akuma
Courtesy Zemanek-Münster, Würzburg, Allemagne
© Copyright by BB International Fine Arts GmbH, Switzerland



© Jón Thor Gíslason, Neomodern, 2009 
acryl on canvas, 150 x 125 cm
Courtesy Galerie Splettstößer, Kaarst, Allemagne
© Copyright by BB International Fine Arts GmbH, Switzerland




© Maximilian VerhasSmall Ring of Kerry, 2009
Silber Vollguss, ca. 10 kg, Aufl. 25 Ex., Durchm. 20 cm
Courtesy Galerie BullionArt, Munich, Allemagne
© Copyright by BB International Fine Arts GmbH, Switzerland

© Marck, Türkisch Bad, Chrom, 2010 
video-sculpture, 86 x 51 x 22 cm
Courtesy Galerie Fishpiece, Zürich
© Copyright by BB International Fine Arts GmbH, Switzerland


LIEU D'EXPOSITION
Kongresshaus (Maison des Congrès) de Zurich
1er étage (Panoramasaal, Foyers I / II)
Entrée principale Claridenstrasse 5 (porte K)
CH-8002 Zurich, Suisse

HORAIRES D'OUVERTURE
Ouverture au public : 15, 16 et 17 octobre, 11h - 20h
Vernissage : 14 octobre, 18h - 22h
TARIFS
Billet 1 jour : CHF 16
Billet 1 jour tarif réduit (étudiants, retraité) : CHF 8
Personnes en fauteuil roulant: CHF 8.00 / Escorteur : CHF 8.00
Vernissage : CHF 25.00 (pas de réduction)
Enfants jusqu'à 12 ans : entrée libre
Carte VIP : entrée gratuite pour 2 personnes
Carte Blanche : entrée gratuite pour 1 personne

Site internet d’Art Zurich : www.art-zurich.com

April 26, 2010

Livre – L’Affaire Seznec en photos par Denis Seznec

Livre de photographies > L'Affaire Seznec en Photos

Couverture du livre de Denis Seznec, L'Affaire Seznec en photos, Robert Laffont, avril 2010
  © 2010, Editions Robert Laffont – Courtesy de l’éditeur.

Denis Seznec, L'Affaire Seznec en Photos, des Assises au Bagne
Editions Robbert Laffont, 2010

Le livre vient tout juste d'être publié. Le petit fils de Guillaume Seznec, condamné au bagne en Guyane à perpétuité en 1924, revient à nouveau sur cette affaire en publiant des photographies rassemblées au fil de ses recherches sur son grand père .

Guillaume Seznec a été condamné aux travaux forcés a perpétuité le 4 novembre 1924 pour un crime dont le cadavre n'a jamais été retrouvé, pas plus que l'arme qu’il aurait utilisée. Nombreux sont ceux qui pensent qu'il s'agit d'une erreur judiciaire. Guillaume Seznec a finalement survécu au bagne après y avoir passé vingt ans dans des conditions extrêmement éprouvantes.

Denis Seznec a fait de la réhabilitation de son grand-père le combat de sa vie. Il y a déjà consacré deux livres qui ont rencontrés un succès certain auprès du public. Il publie un  troisième ouvrage qui est un album réunissant des photographies issues d’archives familiales, mais surtout des photos rassemblés au cours d’années d’enquêtes en France comme en Guyane.

Ce livre retrace donc en photos l’une des plus grandes affaires criminelles du XXe siècle et raconte la vie d’un homme broyé par une condamnation pour un crime dont il a toujours nié être l'auteur. Ce livre constitue également un témoignage sur l’enfer du bagne et les conditions de vie des forçats.

Denis Seznec
L'Affaire Seznec en photos, des Assises au Bagne

Editions Robert Laffont
Avril 2010
144 pages - 29 x 22 cm
ISBN : 978-2-221-11586-2
29 EUR

April 22, 2010

Exposition Jean-Léon Gérôme au Musée d’Orsay

 

Exposition

Jean-Léon Gérôme (1824-1904)

Musée d'Orsay, Paris

18 octobre 2010 - 23 janvier 2011

 

Cette exposition est la première exposition monographique consacrée à Jean-Léon Gérôme à Paris et la première d’envergure depuis l’exposition pionnière organisée par Gerald Ackerman en 1972-1973 (Dayton Art Institute, Minneapolis Institute of Arts, Walters Art Gallery, Baltimore).

La perception de cet artiste a, durant les dernières décennies, profondément évolué. Longtemps stigmatisé comme le tenant emblématique d’un académisme stérile, Jean-Léon Gérôme est aujourd’hui compris comme l’un des grands créateurs d’images du XIXe siècle. Cette évolution est le fruit des progrès historiographiques, au premier rang desquels il faut citer les publications de Gerald Ackerman, qui sera associé au catalogue de l’exposition. Il convient également de souligner les recherches menées par le musée Goupil sur la diffusion de l’oeuvre (exposition Gérôme et Goupil).

Alors que la connaissance de l’oeuvre se faisait plus précise, le musée d’Orsay a manifesté, depuis son ouverture, un intérêt soutenu pour cet artiste : les acquisitions de La Crucifixion en 1990, du portrait de la Baronne Nathaniel de Rothschild et de La Réception du Grand Condé à Versailles en 2004, d’un fonds de photographies et de manuscrits consacré à l’artiste et son entourage en 2003, accompagnées par la restauration, en 1998, du monumental Siècle d’Auguste, aujourd’hui déposé au musée d’Amiens.

L’exposition, comme le catalogue qui l’accompagne, sont l’occasion d’aborder tous les enjeux de l’oeuvre, de ses sources à son influence. Elle tente de donner à voir et d’analyser la foisonnante mise en oeuvre d’une grammaire visuelle, qui poussa l’obsession illusionniste jusqu’à l’étrange, et entre en résonance avec tous les arts visuels, estampe, photographie et cinéma. L’ensemble permet notamment de faire le point et de proposer des approches renouvelées sur des questions aussi diverses que la place de Jean-Léon Gérôme dans la peinture française de son temps, sa conception théâtralisée de la peinture d’histoire, son rapport complexe à l’exotisme, son usage de la polychromie en sculpture, son rôle d’enseignant, son rapport au modèle antique, du mouvement néo-grec aux codifications pédagogiques déduites de ses oeuvres, mais aussi comment la figure de l’artiste a cristallisé tout le combat anti-académique de la fin du XIXe siècle, et enfin, le singulier destin américain de son oeuvre. Le catalogue revient aussi sur la fortune critique de Jean-Léon Gérôme dans les arts visuels du XXe siècle, le cinéma notamment.

Cette manifestation se propose donc d’explorer, au-delà de sa séduction immédiate et de son accessibilité, la double identité de l’oeuvre de Gérôme, à la fois savante et populaire, qui la rend aujourd’hui si précieuse aux yeux des historiens d’art et du grand public.

Commissaires de l'exposition : Laurence des Cars, directrice scientifique de l’Agence France-Museums ; Dominique de Font-Réaulx, conservateur au musée du Louvre ; Edouard Papet, conservateur en chef au musée d’Orsay.

Cette exposition est organisée parle musée d’Orsay et la Réunion des musées nationaux, Paris.

 

Jean-Léon Gérôme (1824-1904)
Musée d'Orsay

Niveau 0, grand espace d’exposition
18 octobre 2010 – 23 janvier 2011

Autres étapes de cette exposition
J. Paul Getty Museum, Los Angeles : 15 juin au 12 septembre 2010
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid : printemps 2011

April 20, 2010

South African Photographs: David Goldblatt - NYC

Photographs Exhibition > New York

South African Photographs: David Goldblatt

The Jewish Museum, NYC

May 2 - September 19, 2010

The Jewish Museum in New York will present South African Photographs: David Goldblatt, an exhibition of 150 black-and-white silver gelatin prints taken between 1948 and 2009. The photographs on view focus on South Africa’s human landscape in the apartheid and post-apartheid eras.

David Goldblatt has used his camera to explore South Africa’s mines; the descendants of seventeenth-century Dutch settlers called Afrikaners who were the architects of apartheid; life in Boksburg, a small middle-class white community; the Bantustans or “puppet states” in which blacks were forced to live; structures built for purposes ranging from shelter to commemoration; and Johannesburg, the city in which Goldblatt lives. South African Photographs: David Goldblatt is the largest New York City exhibition of Goldblatt’s work since 2001.

David Goldblatt is recipient of the 2009 Henri Cartier-Bresson Award and the prestigious Hasselblad Foundation International Award in Photography. As a photographer, Goldblatt has not documented major political events or horrifying incidents of violence. His work is characterized by exacting compositions, the precise play of light and shadow on his prints, the deep engagement with his subjects, and the multiple meanings and complicated realities that surface in his images.

David Goldblatt once wrote, “I am neither an activist nor a missionary. Yet I had begun to realize an involvement with this place and the people among whom I lived that would not be stilled and that I needed to grasp and probe. I wanted to explore the specifics of our lives, not in theories but in the grit and taste and touch of things, and to bring those specifics into that particular coherence that the camera both enables and demands.”

Born and raised in Randfontein, South Africa, a gold-mining town near Johannesburg, in 1930, David Goldblatt has been photographing the changing political landscape of his country for more than five decades. He is descended from Lithuanian Jews who fled Europe in the 1890s to escape religious persecution. His father passed on to him, the artist said, “a strong sense of outrage at anything that smacked of racism.” Growing up in segregated South Africa, he witnessed the deep humiliation and discrimination suffered by blacks and experienced anti-Semitism personally. These experiences have informed his work.

David Goldblatt’s written commentary is an essential part of his work and is presented throughout the exhibition in the texts and labels that accompany the photographs. A context room in the exhibition will feature a timeline juxtaposing events in South African history and David Goldblatt’s life; books published by the photographer; photography magazines that inspired him; a large map of South Africa; and a 22-minute excerpt of David Goldblatt: In Black and White, a 1985 film originally aired on Channel 4 Television in Great Britain.

The exhibition has been organized by The Jewish Museum’s Senior Curator, Susan Tumarkin Goodman.

Related Exhibition
 
South African Projections: Films by William Kentridge will be on view at The Jewish Museum from May 2 through September 19, 2010. The exhibition features four films from South African artist William Kentridge’s Drawings for Projection. They portray fictional Jewish characters who embody the political and moral legacy of apartheid.

Previous Posts about The Jewish Museum Exhibitions
 
 
 

The Jewish Museum
1109 5th Ave at 92nd St
Manhattan, New York NY 10128

South African Photographs: David Goldblatt is made possible through the generosity of an anonymous donor in memory of Curtis Hereld; the Joseph Alexander Foundation; Goldie and David Blanksteen; Nisa and Bradley Amoils; The Long Island Community Foundation - Stanley & Marion Bergman Family Charitable Fund; the Robert I. Goldman Foundation; the estate of Rhoda Cutler; and other donors.
 

Wifredo Lam au Musée des Beaux-arts de Nantes

Wifredo Lam (1902-1982) : Voyages entre Caraïbes et avant-gardes
Musée des Beaux-arts de Nantes

29 avril - 29 août 2010

Le musée des Beaux-arts de Nantes présente la première grande rétrospective de Wifredo Lam en France depuis celle organisée en 1983 au musée d’art moderne de la Ville de Paris, après la mort du peintre. Cette exposition présente l’ensemble du parcours de Wifredo Lam : les grandes périodes de sa création ainsi que les différentes techniques qu’il a pratiquées : peintures, illustrations, dessins et céramiques. Une soixantaine d’oeuvres issues de collections privées et publiques européennes sont pour l’occasion rassemblées. Cette exposition est réalisée avec le concours du fils de l’artiste, Eskil Lam.

Né à Sagua la Grande sur l’île de Cuba, d’un père chinois et d’une mère d’ascendance africano-hispanique, Wifredo Lam a fait de son métissage culturel la ligne directrice d’une oeuvre originale et très personnelle. Originaire de Cuba, carrefour de quatre mondes : l’Asie, l’Afrique, l’Europe et l’Amérique. Wifredo Lam fait en Europe des rencontres décisives. C’est à Barcelone en 1928, où il est venu poursuivre des études artistiques, commencées à La Havane, qu’il voit pour la première fois des sculptures africaines. En Espagne également, il découvre le patrimoine européen Bosch, Brueghel l’ancien, Le Greco. En France il noue des relations fortes avec la création contemporaine, Picasso, les surréalistes. Ses rencontres avec les poètes André Breton mais surtout avec Aimé Césaire, chantre de la négritude, le révèleront à ses origines africaines qui l’inspirèrent tout au long de sa carrière.

Ses tableaux peuplés de créatures hybrides, envahis d’enchevêtrements végétaux, de déesses, de femmes –cheval portent des titres évocateurs de divinités afro-cubaines : Ana mu, Malembo, Elegua… Ailleurs hommes et forêt tropicale se confondent dans d’étranges paysages Jungle (1942-44), Lumière de la forêt, 1942. Plus tard des déformations animales et humaines rappelleront la douleur des deuils personnels et la violence des évènements vécus en Espagne notamment. Mais au-delà Wifredo Lam convoque des réminiscences parfois enfouies, comme un patrimoine archaïque.

Sans doute les figures violentes et tragiques, ou encore les signes, les thèmes récurrents dont la maternité que Wifredo Lam met en scène, ont-ils été inspirés par l’art océanien ou sont-ils issus de quelque bestiaire rituel haïtien ou encore de la Cabale. De même il est évident que les surréalistes qui découvrent l’art dit primitif et explorent de nouvelles pratiques d’introspection, comme sa proximité avec Picasso ont joué des rôles importants dans l’élaboration de ses oeuvres. Cependant la force de Wifredo Lam est d’intégrer et créer tel un alchimiste doublé d’un passeur, un nouveau langage pictural, riche de plusieurs héritages et affranchi de ses antécédents.

De Composition1 (1930) à Personnage à la main (1975) : l’exposition avec quelque soixante oeuvres montre le parcours de ce peintre poète. De manière chronologique sera montrée une large sélection d’oeuvres : des premiers travaux assez académiques, des illustrations d’ouvrages de ses amis poètes, des toiles de la très productive période des années 40, de céramiques qu’il réalise à partir des années 50. Cette exposition permettra de découvrir avec un nouveau regard la carrière de Wifredo Lam, d’affirmer sa contribution unique à l’histoire de l’art du XXe. Il fut en effet un des initiateurs, avant le déferlement de la mondialisation de l’interculturalité, du tissage-métissage artistique.

Le catalogue de l’exposition est publié chez Fage. Il rassemble des textes de Catherine David, Anne Tronche, Blandine Chavanne

Commissariat de l'exposition:
Anne Tronche, Inspecteur général honoraire à la Délégation aux arts plastiques
Blandine Chavanne, Directrice du musée des Beaux-arts de Nantes

Musée des Beaux-arts de Nantes
10 rue Georges-Clemenceau - Nantes
www.mairie-nantes.fr

Curious George… The Art of Margret and H.A. Rey Exhibition

Curious George Saves the Day:
The Art of Margret and H. A. Rey

The Jewish Museum, NYC
> Through August 1, 2010

Contemporary Jewish Museum, San Francisco
November 14, 2010 > March 13, 2011

The Jewish Museum presents Curious George Saves the Day: The Art of Margret and H. A. Rey, since March 14 through August 1, 2010. Curious George, the impish monkey protagonist of many adventures, may never have seen the light of day were it not for the determination and courage of his creators: illustrator H. A. Rey (1898-1977) and his wife, author and artist Margret Rey (1906-1996). They were both born in Hamburg, Germany, to Jewish families and lived together in Paris from 1936 to 1940. Hours before the Nazis marched into the city in June 1940, the Reys fled on bicycles carrying drawings for their children’s stories including one about a mischievous monkey, then named Fifi. Not only did they save their animal characters, but the Reys themselves were saved by their illustrations when authorities found them in their belongings. This may explain why saving the day after a narrow escape became the premise of most of their Curious George stories.
After their fateful escape from Paris and a four-month journey across France, Spain, Portugal, and Brazil, the couple settled in New York in the fall of 1940. In all, the Reys authored and illustrated over thirty books, most of them for children, with seven of them starring Curious George. Seventy years after the arrival of Curious George in America, the monkey’s antics have been translated into over a dozen languages including Hebrew and Yiddish, to the delight of readers, young and old, around the world.
The exhibition at The Jewish Museum offers visitors a rare opportunity to view nearly eighty original drawings and vibrant watercolors of Curious George and other characters. Many of these works have never been on display before. Preparatory dummy books, vintage photographs, and documentation related to the Reys’ escape from Nazi Europe, such as H. A. Rey’s journals detailing the couple’s perilous journey to freedom, are also included. One of the exhibition galleries is transformed into a reading room for visitors of all ages inspired by the beloved monkey’s escapades in Curious George Flies a Kite.
In addition, the exhibition features an interactive timeline, accessed via a touch-screen computer, about the Reys’ life in France from the late 1930s through their fateful escape in the summer of 1940. Visitors can view additional pages of H. A. Rey’s journal detailing the couple’s journey to safety, images of illustrations by H. A. Rey and photographs taken by Margret Rey in France, documentary photography related to early World War II in France, and historic video, as well as listen to an interview with the couple. This program is also available at thejewishmuseum.org.
Following its New York showing, the exhibition will travel to the Contemporary Jewish Museum in San Francisco (November 14, 2010 to March 13, 2011).
Most of the art and documentation in the exhibition has been lent by the de Grummond Children’s Literature Collection, McCain Library and Archives, The University of Southern Mississippi.
H. A. Rey (né Hans Augusto Reyersbach) had no formal art training, but in the early 1920s he designed and lithographed circus posters in Hamburg. Margret Rey (née Margarete Waldstein) studied art and photography at the Bauhaus School and then worked in advertising firms and photographic studios in Germany and England in the late 1920s and early 1930s. The two first met in Hamburg before Hans departed for Rio de Janeiro in 1925, to work for a relative. They were married in 1935, after Margret joined him there, following Hitler’s ascent to power in Germany.
An extended honeymoon took them to Paris, where the Reys stayed on and began working on children’s books. Filled with gentle humor and illustrated with H. A. Rey’s vivid watercolors, their stories were usually formulated by Hans and later developed by Margret into a full plot.
Following the Nazi invasion of Poland in September 1939 and France’s declaration of war against Germany, the Reys sought refuge first in the southern region of Gers and later in Normandy, fleeing Paris for the third and last time on June 12, 1940. Despite the difficulties, the Reys were prolific in France, publishing seven books from 1937 through 1939 (three in both French and English) and completing the manuscripts and drawings for at least four others later published in America. On October 14, 1940, the Reys finally reached New York. Within a month four of the manuscripts they had brought with them were accepted for publication by the publisher Houghton Mifflin.
Exhibition highlights include original drawings and bright watercolors for: Raffy and the 9 Monkeys (in which Curious George makes his debut as Fifi), featuring a lonely giraffe named Raffy and the nine monkeys that become his playmates; Whiteblack the Penguin Sees the World with Whiteblack setting out on a globe-trotting pursuit of new adventures; Fifi: The Adventures of a Monkey (later published as Curious George); and subsequent American escapades of the famous monkey hero.
Whether falsely alarming the fire department while experimenting with a telephone, going up in the air with a bunch of balloons or a kite, or falling into the water after a failed attempt to fish with a mop, the little monkey is always in trouble, both propelled and undone by his insatiable curiosity and appetite for adventure. While the idea of the monkey’s narrow escape from danger was introduced in the first Curious George story created by the Reys in France, the concept of “saving the day” is only used in their later books written in the safety of America. By the time the man with the yellow hat comes to his rescue, George’s capers have already been mitigated with some poetic justice, which may be understood as emblematic of the important role the character had played both in saving the Reys’ lives when fleeing Nazi Europe and later helping them rebuild their careers in the United States. In turn, the little monkey born in France acts out the fantasies of many immigrants: he lands an acting job in Hollywood soon upon arrival, advances research by traveling in a spaceship, and makes it to the front page of newspapers, all the while getting thoroughly Americanized.
Curious George Saves the Day: The Art of Margret and H. A. Rey has been organized by Claudia Nahson, Curator at The Jewish Museum. The exhibition installation design was created by Barbara Suhr. Kris Stone designed the reading room and all other theatrical environments. Katharine Staelin, Assistant Curator at The Jewish Museum, designed the interactive timeline which incorporates original illustrations by Marcellus Hall, whose work has been featured in The New Yorker and other publications.
The exhibition is supported through a bequest from the Estate of Lore Ross.
Also on view at The Jewish Museum: Dor Guez, The Monayer Family: Three Videos, Through September 7, 2010

Dor Guez Videos Exhibition in New York

Video Exhibition > New York

Dor Guez
The Monayer Family: Three Videos
July 13 - Subaru-Mercedes - (Sa)Mira

The Jewish Museum, NYC
Through September 7, 2010

The Jewish Museum presents The Monayer Family: Three Videos by Dor Guez since March 14 through September 7, 2010 in the Museum’s Barbara and E. Robert Goodkind Media Center. In this series of portraits, Dor Guez offers perspectives on ethnic identity, citizenship, and prejudice from different generations of the Monayers, a Christian Arab family in Israel. Originally from the multiethnic, multifaith city of Lod - called al-Lydd by the Palestinians - family members in the videos include: Jacob, the patriarch who recounts the expulsion of the Arab citizens of the city of Lod after the 1948 war; his son Sami, who describes growing up among Jews as an Israeli citizen while simultaneously claiming a Palestinian identity; and Jacob’s granddaughter Samira, who recounts her experience of prejudice as she is mistaken for being Jewish. Counted among 125,000 Christian Arabs in Israel, the Monayers consider themselves a minority within a minority with respect to the Muslim population. To further complicate matters, Guez is from a mixed Jewish and Christian Arab family..
When asked to define his identity, Dor Guez responded in an online interview, “I have been dealing with this for years, and the truth is that I’m not sure I’m looking for an answer. It depends on the place, time, and context. What does it mean to label oneself? My ID says I’m Jewish. Is this my main reference? . . . I have the right to choose and the right to decide, as well as the right to re-examine what those definitions say about me.”
The title of the first video, July 13 (2008-09, 13 min., 18 sec.), refers to the date in 1948 which the Israeli army entered the city of Lod. Jacob Monayer describes the city’s occupation, the plundering of possessions and homes, and the establishment of the Lod ghetto for those who remained. The video includes footage of Jacob posing at St. George’s Church, where many Christian Arabs hid during the war in 1948, and of the artist dutifully decorating his grandparents’ Christmas tree.
Dor Guez will present a special gallery talk at The Jewish Museum on Monday, June 7 at 1 pm. This artist’s gallery talk is free with Museum admission. Reservations are not required.
The title of Subaru-Mercedes (2008-09, 8 min., 10 sec.) serves as a metaphor for Arab Christian identity, a hybrid of Arab/Eastern (Subaru) and Israeli/Western (Mercedes) cultures. While Sami Monayer attempts to articulate his multiple nationalities, his wife and children interject their opinions and interrupt his narrative from off screen. Like Sami’s sense of self, the scene is chaotic and contradictory.
In (Sa)Mira (2008-09, 13 min. 40 sec.), Dor Guez’s cousin recalls an incident at a Jerusalem restaurant where she works part-time while pursuing a degree in psychology at Hebrew University. Samira, who possesses a European appearance and flawlessly accented Hebrew, received complaints from Jewish customers who were offended that she did not reveal that she is an Arab. Her manager asked her to refrain from signing her checks with her given name. Filmed in multiple takes, the repetition of Samira’s narrative ultimately leads her to confront racism in Israeli society.

>>> DOR GUEZ is an interdisciplinary artist and curator, and a researcher of photography at Tel Aviv University. His artistic practice is centered on questions of multiculturalism and ethnic identity. Guez’ work explores an intricate, multifaceted reality, challenging the boundaries and binary oppositions between East and West, Jews and Arabs, religion and secularism, Israeliness and Palestinianism. He has staged several one-person exhibitions, participated in numerous group shows, and curated, among others, the exhibitions Forbidden Junctions and Back to the Canon: Claude Cahun's Portrait Photographs at the Israeli Center for Digital Art, Holon. Recently, his work was exhibited at the XIV Biennial of Young Artists from Europe and the Mediterranean held in Macedonia. Georgiopolis at the Petach Tikva Museum of Art was his first museum solo show.

Located on the third floor of The Jewish Museum, the Goodkind Media Center houses a digital library of radio and television programs from the Museum’s National Jewish Archive of Broadcasting (NJAB). It also features a changing exhibition space dedicated to video and new media. Using computer workstations, visitors are able to search material by keyword and by categories such as art, comedy, drama, news, music, kids, Israel, and the Holocaust.
Media programs are made possible with public funds from the New York State Council on the Arts, a State Agency. The Israel Office of Cultural Affairs in the USA provided travel assistance.

The Jewish Museum
1109 5th Ave at 92nd St
Manhattan, New York NY 10128
Previous post about The Jewish Museum : Alias Man Ray: The Art of Reinvention

April 19, 2010

Exposition Contrepoint Russe Musée du Louvre 2010

Exposition
Contrepoint russe,
de l’icône au musée en passant par l’avant-garde
Musée du Louvre
14 octobre 2010 - 24 janvier 2011

En contrepoint  de  l’exposition « Sainte Russie »,  et à l’occasion de l’Année France-Russie 2010, le musée du Louvre souhaite rendre compte de la création contemporaine russe, en présentant les travaux d’une dizaine d’artistes, dont Yuri Albert, Alexander Brodsky, Erik Boulatov, Olga Chernysheva, Emilia et Ilya Kabakov, Alexeï Kallima, Valery Koshlyakov, Yuri Leiderman, Andrei  Monastyrsky, Pavel Pepperstein, Vadim Zakharov.
Peintures, sculptures, dessins, photographies, vidéos, ces œuvres font souvent référence à la  tradition artistique russe ou à une lecture critique de l’histoire de l’art : de l’icône au suprématisme, de l’esthétique soviétique au réalisme poétique. La plupart des artistes produiront une oeuvre spécifique adaptée à l’architecture du lieu.
Deux séances sont prévues à l’auditorium, l’une consacrée à la rencontre entre un artiste et un critique, Ilya Kabakov et Boris Groys, l’autre avec  un groupe d’artistes de Saint- Pétersbourg, Chto Delat  (Que Faire ?).
Commissaire de l’exposition  : Marie-Laure Bernadac, conservateur général, chargée de mission pour l'art contemporain au musée du Louvre, assistée de Pauline Guelaud.
En partenariat avec le NCCA,  National center for contemporary art, Irina Gorlova et Mikhaïl  Mindlin.
Exposition organisée dans le cadre de l'Année France-Russie 2010.

Contrepoint russe, de l’icône au musée en passant par l’avant-garde
Musée du Louvre

Louvre médiéval et salle de la maquette
14 octobre 2010 - 24 janvier 2011
Informations pratiques
Horaires
Tous les jours, sauf le mardi, de 9h à 18 h, le samedi jusqu’à 20h et les mercredi et vendredi jusqu’à 22h.
Tarifs
Accès avec le billet d’entrée au musée : 9,5 € ; 6 € après 18 h les mercredi et vendredi.
Gratuit pour les moins de 18 ans, les chômeurs, les titulaires des cartes Louvre jeunes, Louvre enseignants, Louvre professionnels, Louvre étudiants partenaires ou de la carte Amis du Louvre

Exposition Sainte Russie au Musée du Louvre : L’art russe, des origines à Pierre le Grand

Exposition Sainte Russie
L’art russe, des origines à Pierre le Grand
Musée du Louvre, Paris
Jusqu’au 24 mai 2010

A travers un ensemble de plus de quatre cents oeuvres provenant essentiellement des musées et bibliothèques russes, l’exposition permet de découvrir l’histoire de l’art russe ancien, du IXe au XVIIIe siècle.

Le parcours de l'exposition se décompose en 8 temps auxquels sont consacrés autant d'espaces au sein du musée :

  • La conversion
  • Le premier âge d'or
  • Le temps des mongols
  • Les grands centres : Novgorod, Pskov, Tver...
  • L'émergence de Moscou
  • Le "siècle d'Ivan le Terrible" (1505-1598) : Moscou "troisième Rome"
  • Le temps des troubles : 1598-1613 
  • De Michel Ier à Pierre le Grand
On peut considérer que l'histoire russe débute avec l’apparition  des « Russes » dans l’histoire latine, byzantine et arabe, et avec  les rivalités et luttes d’influences entre Latins, Vikings et Byzantins.

Les premières conversions dans la Rous’ de Kiev leur succèdent, qui aboutissent au célèbre « baptême » du prince Vladimir en 988. La Rous’ devient alors définitivement chrétienne et reprend le modèle ecclésiastique de Constantinople.

L’art s’épanouit à Kiev, à Tchernigov, à Novgorod, à Pskov, à Vladimir, à Souzdal… hésitant alors entre prépondérance byzantine et tentation de l’Occident latin. Puis, après la coupure introduite au XIIIe siècle par l’invasion et la domination mongole, l’art chrétien renaît dans toute sa splendeur dans les grands centres de la Russie médiévale, accompagné par un dynamisme monastique sans précédent, tandis que peu à peu s’impose l’ascendant de Moscou. C’est aussi le temps des peintres Théophane le Grec, Roublev et Dionisi.

Au XVIe siècle, Moscou, qui se proclame « Troisième Rome » et devient une « Nouvelle Jérusalem  », inaugure sous les règnes de Basile III et Ivan IV le Terrible un nouvel âge d’or de l’art russe, qui culmine avec le couronnement d’Ivan le Terrible comme tsar (1547) et avec l’avènement du patriarcat de Moscou (1589).

Enfin, après le « Temps des troubles », les conflits et renouveaux qui traversent le XVIIe siècle sous les premiers Romanov et la réforme du patriarche Nikon précèdent les changements politiques et esthétiques radicaux imposés par Pierre le Grand.

En réalité, indépendamment de la tradition byzantine, et bien avant les bouleversements du règne de Pierre le Grand (1682-1725), l’art chrétien en Russie avait déjà depuis longtemps commencé à s’inscrire dans l’histoire politique et religieuse de l’Europe.

Commissaires de l’exposition  : 
Tamara Igoumnova, directrice adjointe du Musée historique d'Etat, Moscou.
Pour le musée du Louvre : Jannic Durand, conservateur en chef au département des Objets d’art, et Dorota Giovannoni, documentaliste scientifique au département des Objets d’art, musée du Louvre.

Manifestation organisée dans le cadre de l'Année France-Russie 2010.

Mécénat : Fondation Total, GDF SUEZ et Gazprom.

Exposition : Sainte Russie
L’art russe, des origines à Pierre le Grand
Musée du Louvre, Paris
Hall Napoléon
5 mars - 24 mai 2010

Expo Photos Heinrich Kuhn Orsay 2010

Exposition de photographies
Première grande rétrospective consacrée à Heinrich Khun

HEINRICH KUHN
Musée d'Orsay, Paris
18 octobre 2010 – 23 janvier 2011

Figure majeure du pictorialisme international , particulièrement le gomme bichromatée appliquée au pinceau qui donne un aspect pictural à l’épreuve et que Robert Demachy vient de remettre à l’honneur. A Vienne, les membres du “Trifolium” (Watzek, Kühn et Henneberg) participent à la Sécession et y exposent leurs photographies dont les très grands formats (100 x 70 cm), cherchent à se mesurer avec la peinture.
Autour de 1900, étroitement lié aux deux plus grands représentants du mouvement, Alfred Stieglitz et Edward Steichen, l’artiste est parvenu à développer une oeuvre moderniste dans le cadre iconographique pourtant limité de sa vie familiale.
Heinrich Kühn, encore étudiant de médecine à Innsbruck, avait déjà derrière lui une grande pratique de la photographie microscopique. Il s’était inscrit au “Camera Club” de Vienne et là, vers1895, il rencontra Hugo Henneberg et Hans Watzek, tous les deux déjà partisans passionnés du mouvement en faveur de la reconnaissance artistique de la photographie. Ce mouvement de portée internationale les mettra en contact avec deux associations d’avant garde, le “Linked Ring” à Londres et avec le “Photo Club de Paris”. Ensemble, ils expérimentent avec enthousiasme les nouvelles techniques d’impression photographique
Heinrich Kühn entretient, depuis 1904, avec Alfred Stieglitz, une amitié croissante et son art va changer radicalement et passer d’un impressionnisme “romantique”, avec ses paysages dramatiques, ses natures mortes classiques et surtout les portraits de groupe, à un style allégé et presque abstrait qui reflète l’évolution de la Sécession viennoise, avec laquelle il a coutume d’exposer, où seules comptent l’étude de la lumière et le rendu des valeurs. Heinrich Kühn obtient ainsi une photographie qui défie les conventions et peut se réduire à des reflets dans un verre d’eau et à une ombre transparente sur un mur. Dès 1907, Heinrich Kühn a pratiqué en maître incontesté l’autochrome que venaient de mettre au point les frères Lumière, alliant la richesse à la délicatesse des coloris. La hardiesse de ses mises en page, simplifiées à l’extrême, font de ses scènes en plein air, tout particulièrement, des photographies très en avance sur leur temps.
Cette exposition inaugurera la réouverture de la galerie des Hauteurs (ancienne salle des colonnes)  après d’importants travaux muséographiques.
Cette exposition à laquelle Monika Faber travaille depuis une quinzaine d’années est la première grande rétrospective consacrée à l’artiste.
Commissaires de l'exposition : Monika Faber, conservateur en chef du département photographie de l’Albertina de Vienne ; Françoise Heilbrun, conservateur en chef au musée d’Orsay ; Anne Tucker, conservateur en chef du département de la Photographie du musée des Beaux Arts de Houston.
Heinrich Kühn
18 octobre 2010 - 23 janvier 2011
Musée d'Orsay, Paris
Niveau 5, galerie des Hauteurs
Autres étapes de cette exposition :
Albertina de Vienne : été 2010
Musée des Beaux Arts de Houston : printemps 2011.

Exposition Paul Klee Musée de l’Orangerie Paris 2010

Exposition > Paul Klee

Paul Klee


Musée de l'Orangerie, Paris

Jusqu'au 28 juin 2010

Cette exposition est organisée par le musée de l’Orangerie et la Fondation Beyeler à Riehen / Bâle (Suisse). Paul Klee figure parmi les artistes majeurs de la collection Ernst et Hildy Beyeler exposée depuis 1997 à la Fondation Beyeler dans un bâtiment de ce musée exceptionnel réalisé par Renzo Piano. Wanafoto a publié plusieurs messages sur les expositions organisées à la Fondation Beyeler qui est une référence de niveau international. Nous avons appris avec tristesse le décès récent d'Ernst Beyeler. La collection Beyeler a été installée à Bâle dès la fin des années 1940. Elle réunit quelques 228 chefs-d’oeuvre de l’art moderne, y compris une sélection d’oeuvres appartenant aux arts premiers.

Plus de six cents oeuvres de Paul Klee sont passées entre les mains d’Ernst Beyeler. Cet artiste allemand a passé sa jeunesse en Suisse. En 1933, chassé de son poste de professeur à l’académie de Düsseldorf il s’y installe de nouveau. Dès 1950, Ernst Beyeler qui s’est très tôt intéressé au travail de Paul Klee, achète des dessins et des peintures de l’artiste provenant de collections particulières suisse et allemande. Plus tard il acquiert des oeuvres appartenant au fils de l’artiste, Felix Klee et à des collectionneurs internationaux.

C’est notamment le côté poétique et musical de l’oeuvre de Klee qui intéresse Beyeler, ainsi que leur coloris exquis. Cependant, c’est à l’oeuvre tardive de l’artiste que Beyeler accorde le plus d’attention. Il évoque l’accroissement grandiose de l’expression de l’art de Klee, accroissement qu’il met en rapport avec la grave maladie dont a souffert l’artiste à la fin de sa vie. Dans ces oeuvres on trouve, selon Ernst Beyeler, “un mouvement vers une dimension tragique, vers la vision dramatique incluant d’autres mondes.“

La sélection établie pour l’exposition au musée de l’Orangerie reflète elle aussi cette prédilection de Ernst Beyeler pour le Paul Klee tardif : à part deux oeuvres sur papier datant de la période de la première guerre mondiale et quatre oeuvres des années vingt, sont présentées douze oeuvres des années trente, dont notamment deux toiles de la phase “pointilliste“ de Paul Klee du début des années trente ainsi qu’une riche sélection de toiles et d’oeuvres sur papier des toutes dernières années de Paul Klee (1938-1940), marquées par l’utilisation de fonds de couleur rythmés par de puissantes lignes noires et brunes.

La présentation des ces oeuvres magnifiques de Paul Klee au musée de l’Orangerie permet  de découvrir ou de redécouvrir cet artiste à travers le choix rigoureux d’un des plus importants galeristes du XXe siècle.


Commissaires de l'exposition
Emmanuel Bréon, directeur du musée de l’Orangerie,
Philippe Büttner, conservateur à la Fondation Beyeler.

Exposition Paul Klee
Musée de l'Orangerie, Paris

30 mars - 28 juin 2010

Expo Duane Hanson Parc Villette 2010


EXPOSITION
DUANE HANSON
LE RÊVE AMÉRICAIN...
Parc de la Villette
21 avril - 15 août 2010

L'exposition du Parc de la Villette et le catalogue qui l'accompagne présentent les dernières oeuvres du sculpteur Duane Hanson (1925-1996), considéré de nos jours, comme une figure majeure de l'hyperréalisme américain.
Grâce à une parfaite maîtrise technique, ces personnages « grandeur nature », américains ordinaires, donnent l'illusion de présences humaines à la fois attirantes et inquiétantes. Une virtuosité qui révèle l'une des préoccupations fondamentales de l'artiste : la vie quotidienne américaine. Créant des attentes inassouvies chez les moins aisés - femme de ménage, étudiant, ouvriers ou petits retraités... -, le « rêve américain » ne généra, pour la plupart, que désarroi et déception. Ainsi, les figures créées par Duane Hanson, ces « stars du quotidien », figées dans leurs pensées, le regard absent, paraissent résignées, dans le vide de leur existence et leur isolement. Les premières sculptures de Duane Hanson datent des années 1960 lorsqu’il revint aux Etats-Unis après avoir enseigné en Allemagne. Mais c’est dans les années 1970 que son style a pris la forme qu’elle conservera par la suite en se consacrant sur des personnages ordinaires dans des situations de la vie ordinaire. Sa sculpture d’un étudiant chinois l’air résigné, assis, une pancarte à la main, son vélo posé par terre non loin de lui en 1989 étant une exception. Comme si, la scène se situant en dehors des Etats-Unis, l’artiste révolté se donna le droit d’évoquer un événement politique exceptionnel, mené par des étudiants ““ordinaires””. L’Oeuvre de Duane Hanson constitue un regard critique sur la société américaine des années 1970-90. Elle est porteuse d’un questionnement qui est toujours d’actualité et qui dépasse le seul cadre des Etats Unis. En ce sens les Editions Actes Sud ne se sont pas trompé en confiant à un philosophe le livre de cette exposition.
Cette exposition est présentée en collaboration avec l’Institut für Kulturaustausch de Tubingen.

Le livre de l'exposition ( Ed. Actes Sud / Parc de la Villette ) sera en vente à la Librairie du Parc (date non encore précisée) au prix de 19 €.
Bruce Bégout est un philosophe et écrivain français né en 1967. Il est maître de conférences à l'université de Bordeaux. Il a publié plusieurs ouvrages philosophiques, quatre essais aux éditions Allia (Zéropolis. L'Expérience de Las Vegas, 2002 ; Lieu commun. Le Motel américain, 2003 ; La Découverte du quotidien. Éléments pour une phénoménologie du monde de la vie, 2005 ; De la Décence ordinaire, 2008), mais aussi des romans L'Éblouissement des bords de route (Editions Verticales, 2004) et Sphex (Arbre vengeur, 2009). Dernière parution Le Park (éditions Allia, avril 2010), roman.
Spécialiste de Edmund Husserl, il se consacre à l'exploration du monde urbain, des lieux communs, mais aussi du quotidien. Très intéressé par l'art contemporain, il a été commissaire associé en 2009 de Evento, rendez-vous artistique et urbain de la ville de Bordeaux.
Bruce Bégout, voyageant aux États-Unis, a lui aussi vécu le quotidien de l'Amérique, témoignant dans ses livres d'une démesure menant souvent à la déception pour l'individu anonyme, qu'il se perde dans le clinquant de Las Vegas ou la solitude des motels... Son expérience de ce pays, sa connaissance du travail de Duane Hanson lui permettent de livrer dans cet ouvrage un point de vue original sur l'exposition. Véritable rencontre entre un artiste et un auteur, loin d'un énième texte théorique sur l'oeuvre de Hanson, ce livre invite à une flânerie philosophique dans les États-Unis d'hier et d'aujourd'hui.
Cette exposition est gratuite et a lieu au Pavillon Paul Delouvrier du Parc de la Villette.
Horaires : Mercredi, jeudi, vendredi, dimanche, 14h - 19h. Samedi de 14h - 21h

April 16, 2010

Venezia Livre Photos Michael Kenna 2010

 

Livre de photographies

Venezia est un nouveau livre de photographies de Michael Kenna à paraître chez Nazraeli Press. L'ouvrage rassemble une collection de photos datant des 30 dernières années. De nombreuses photographies y sont  publiées pour la première fois.

Ces photos de Venise font partie d'une grande exposition rétrospective de l'oeuvre de Michael Kenna au Palazzo Magnani Museum, Reggio Emilia, au printemps 2010.

Nazraeli Press a limité cette première impression de Venezia à 2000 exemplaires numérotés à la main. Une édition spéciale de 250 exemplaires numérotés et signés est également disponible.


Venezia, Photographies de Michael Kenna, Nazraeli Press, 2010

Venezia
Photographs by Michael Kenna
Nazraeli Press

Mai 2010
64 pages - 12 x 13
40 photographies
ISBN: 978-1-59005-272-3
$75 - Edition limitée : $250
Photo © Michael Kenna
Courtesy of Nazraeli Press, 2010



Autres messages sur Michael Kenna

New York New York, Exposition à la galerie Camera Obscura

April 15, 2010

Magnum Photos pour la liberté de la presse avec Reporters sans Frontières


Magnum Photos
101 photos pour la liberté de la presse 
Reporters sans frontières

« ce bel album [...] est doublement précieux : par la qualité exceptionnelle, artistique et historique des oeuvres réunies ; et parce que ces photos témoignent du talent et du courage de ces “reporters sans frontières” pour lesquels il ne saurait y avoir de Liberté sans liberté de la presse »

-– Robert Badinter dans sa préface à cet album photos.


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  © Courtesy Magnum Photos et RSF


Reporters sans frontières a 25 ans. Un quart de siècle au service de la défense de la liberté de la presse partout dans le monde. Depuis sa création en 1985, chaque fois que la liberté d’informer et d’être informé est menacée, ou qu’un journaliste est emprisonné pour avoir exercé son métier, l’organisation intervient pour rappeler que sans une presse libre, aucun combat ne peut être entendu.

Afin de financer ses actions, Reporters sans frontières a développé, depuis 1992, l’édition d’albums de photographies, trois numéros par an, au prix unitaire de 9€90. Les recettes sont intégralement reversées à l’association. Elles constituent pas moins de 50 % du budget de Reporters sans frontières.A l’occasion de ses 25 ans et de la 20e Journée internationale de la liberté de la presse célébrée le 3 mai, Reporters sans frontières s’associe à l'agence Magnum pour publier son album anniversaire : Magnum Photos, 101 photos pour la liberté de la presse.

Fondée en 1947 par les photographes de légende, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, George Rodger et David Seymour, Magnum Photos est une référence en matière d’intégrité photographique et de travail d’auteur. Salués pour la force de leur vision personnelle, les photographes de Magnum racontent le monde et donnent une interprétation empreinte d’empathie des peuples et des événements.

Cet album présente 101 photos prises par les plus grands photographes de notre siècle : René Burri, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Raymond Depardon, Elliott Erwitt, Jim Goldberg, Joseph Koudelka, Steve McCurry, Martin Parr, Paolo Pellegrin, Marc Riboud... Beaucoup ont immortalisé les plus grands événements du XXe siècle par des images symboles qui ont façonné notre mémoire collective.

A travers cet ouvrage, c’est toute l’histoire politique et sociale de ces 70 dernières années qui est retracée. Depuis la guerre d’Espagne en 1936, le débarquement sur les plages normandes en 1944, les manifestations de mai 1968, la chute du mur du Berlin en 1989, jusqu’à la récente crise iranienne ou la guerre en Géorgie, les images de Magnum nous replongent dans l’actualité la plus brûlante de notre époque.

Pourquoi 101 photos et pas 100, comme nous avons l’habitude de le faire dans le cadre de notre collection ? Parce que nous tenions à ajouter une dernière image, la 101e, prise en 2010. Elle montre une route brisée en Haïti, après le séisme du début de l’année. Reporters sans frontières a toujours été très présente dans ce pays. D’abord, pour défendre les familles des journalistes assassinés sous la dictature. Aujourd’hui, pour être aux côtés des médias sinistrés par la catastrophe.

Magnum Photos, 101 photos pour la liberté de la presse sera mis en vente le jeudi 29 avril, au prix unique de 9€90, chez tous les marchands de journaux et dans les librairies, les magasins spécialisés tels que la Fnac, Virgin ou Cultura, les enseignes Relay, Maison de la presse, Mag presse, ainsi que sur le réseau A2presse et Solidaripresse.

Pour défendre la liberté de la presse, nous avons besoin de vous, de votre soutien. En achetant cet album, vous nous aidez à mettre à l’abri des journalistes en danger, à soutenir les familles de reporters assassinés en Iran, en Somalie, au Sri Lanka et ailleurs. En leurs noms, nous vous disons merci.

L’information est précieuse, protégeons-la ensemble !

Reporter Sans Frontière

Magnum Photos

« Rendons grâce à l’agence Magnum. Nombre des plus célèbres photographes de presse ont parcouru le monde sous son sigle prestigieux. Et ce bel album témoigne de leur talent, de leur courage et de leur humanité » écrit Robert Badinter dans la préface de ce livre.

Magnum Photos est fondée en 1947, soit deux ans après la Seconde Guerre Mondiale. Elle doit son existence à quatre photographes, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, George Rodger et David Seymour. Ils créent Magnum à leur image. Une agence qui accorde autant d’intérêt à la chose vue qu’à la façon de la voir.

Magnum, initialement installée à Paris et à New York (aujourd’hui également à Londres et à Tokyo) s’écarte de façon radicale des pratiques conventionnelles de la presse de l’époque : d’une part par sa structure, celle d’une coopérative d’actionnaires photographes, d’autre part par la revendication de droits d’auteurs comme propriété exclusive des photographes.

Avec Magnum Photos, les photographes se donnent les moyens de l’indépendance, corollaire indispensable de leur engagement. Choix des reportages, de leur durée, sélection des photographies, propriété des négatifs, maîtrise du copyright et contrôle de la diffusion : tous les attributs du statut d’auteur sont dictés.

Le recrutement des nouveaux membres, fidèle aux statuts de l’agence, est un parcours de l’exigence. Le candidat photographe est sous observation pour une période de quatre à huit ans avant de pouvoir accéder au rang de membre et donc d’actionnaire.

Il devra donner la preuve de sa singularité, tant par son écriture photographique que par la rigueur, la persistance de son travail de documentation et d’information.

Si le procédé est long et méticuleux il permet à Magnum de représenter autant d’approches de la réalité que d’auteurs. Aujourd’hui, le collectif est constitué de près de 80 photographes, dont 60 membres.

Reporters sans frontières a 25 ans

Fondée à Montpellier en 1985 par Robert Ménard et trois amis, Reporters sans frontières est dirigée depuis octobre 2008 par Jean-François Julliard et dispose aujourd’hui d’un siège à Paris et d’une implantation dans plus de 140 pays. Elle est devenue un interlocuteur incontournable pour les gouvernements et les institutions internationales et oeuvre depuis 25 ans pour défendre la liberté de la presse.

Reporters sans frontières, association reconnue d’utilité publique depuis 1995 est en mesure d’agir rapidement, n’importe où sur la planète. Elle peut fournir un avocat à un reporter emprisonné, intervenir auprès des autorités compétentes, relayer l’information auprès des médias, soutenir, y compris financièrement, un journaliste en détresse ou sa famille. Et dans les cas les plus urgents, elle peut faire sortir un journaliste de son pays pour le mettre en lieu sûr.

Ses principaux champs d’actions

> La défense des journalistes et collaborateurs des médias emprisonnés ou persécutés pour leur activité professionnelle.

> La lutte pour faire reculer la censure et soutenir les réformes législatives visant à donner plus de liberté aux médias dans le cadre de l’article 19 de la Déclaration universelle des droits de l’homme.

> L’aide à des journalistes ou médias en difficulté [prise en charge des frais d’avocats, frais médicaux, achat de matériel, assistance aux réfugiés, etc.], ainsi qu’aux familles de reporters emprisonnés en accordant chaque année une centaine de bourses d’assistance.

> Le renforcement de la sécurité des journalistes, notamment dans les zones de conflit.

> La mise en place de projets de développement visant à soutenir la presse locale et réaliser des campagnes d’information en France et à l’étranger.

La vente des albums photos, une ressource essentielle pour l’association. Les bénéfices qui découlent de cette vente représente en effet 50 % des ressources de RSF.

Grâce à Magnum Photos, aux photographes, à ses partenaires, Presstalis, le SNDP, l’UNDP, les Maisons de la Presse, Mag Presse, Relay, Interforum, la Fnac, A2Presse et le site internet Solidaripresse ainsi que toutes les enseignes qui diffusent gracieusement l’album, les bénéfices de ces ventes sont intégralement reversés à l’association. Cet album a également reçu le soutien de la Fondation EDF Diversiterre.

Reporters sans frontières
47, rue Vivienne
75002 Paris

Colloque BnF Résister par l’art à Buchenwald et Dora



Torture, dessin de Herbert Sandberg
Colloque
Résister par l’art
à Buchenwald et Dora

Torture, dessin de Herbert Sandberg       

BnF François Mitterrand > Jeudi 6 mai 2010
14h - 18h45 > Petit auditorium > Entrée libre

Nous connaissons la déportation dans les camps nazis par les récits des déportés rescapés. Certains d’entre eux l’ont représentée par des dessins réalisés au cours de la « vie » concentrationnaire, expression plastique contemporaine de celle-ci. C’est le cas de trente artistes, 28 hommes, 2 femmes, détenus à Buchenwald, à Dora et dans les kommandos. Soumis à des épreuves communes : la faim, l’humiliation, les souffrances physiques et morales, ils ont dessiné pour témoigner et vivre. Leurs dessins sont des « j’accuse » visuels mais aussi des actes de vie puisque de l’ordre de la création salvatrice. Ils forment un art de résistance, un art de combat.
Après-midi proposé en partenariat avec l’Association française Buchenwald-Dora et Kommandos et Marie-France Reboul.

14h00 Ouverture par Dominique Durand, président de l’Association Buchenwald-Dora et Kommandos
14h10 Mise en perspective du camp et de la vie à Buchenwald et Dora par Marie-France Reboul, secrétaire générale de l’Association Buchenwald-Dora et Kommandos.
14h30 Dessiner et être dessiné dans un camp, témoignages
Projection d’une interview réalisée en décembre 2009 de José Fosty, dessinateur au camp de Buchenwald, suivie d’un dialogue animé par Antoine Spire, journaliste avec Walter Spitzer, dessinateur au camp de Buchenwald, Floréal Barrier, déporté dessiné, Gaston Viens, et Jean Laidet, déportés à Buchenwald.
15h15 Pause

15h30 Comment ces dessins nous sont parvenus ? Quel héritage représentent-ils pour les familles ?
Dialogue animé par Antoine Spire avec les familles de certains dessinateurs.
16h00 Quel statut donner à ces oeuvres, art ou non ? Art malgré tout ?
Dialogue animé par Antoine Spire avec Christophe Cognet, réalisateur et Jean-Luc Nancy, philosophe.
17h00 Pause

17h15 Comment la génération d’aujourd’hui traduit-elle la vie des camps ? Illustration
« KZ Dora », bande dessinée sur la vie au camp de Dora
Présentation par Robin Walter, dessinateur et scénariste
« La racine perdue, le père de mon père » 9’
Présentation et projection d’une oeuvre vidéo de Cyril de Commarque, artiste
17h45 Projection
« Quand nos yeux sont fermés, l’art clandestin à Buchenwald » 55’
Documentaire de Christophe Cognet, précédé d’une présentation par l’auteur.
18h45 Fin de la journée

BnF François Mitterrand
Petit auditorium
Hall Est
Quai François Mauriac
75013 Paris

CNC Bilan des aides à la production audiovisuelle 2009

Le Centre national de la cinématographie / Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC) vient de présenter un bilan de la production audiovisuelle aidée pour l’année 2009. Ce bilan s’appuie sur les données statistiques collecter par le CNC. Cette présentation fait une distinction en fonction des genres de production entre la fiction, le documentaire, l’animation, la captation et la recréation audiovisuelle de spectacles vivants et, plus marginalement, certains magazines culturels. Le CNC précise que ce  bilan de la production audiovisuelle aidée s’appuie sur des oeuvres audiovisuelles qui ont effectivement reçu des soutiens financiers du CNC au titre de l’année 2009. Ces résultats peuvent donc être en décalage avec les statistiques publiées par les chaînes de télévision ou par le CSA. Elles permettent néanmoins de disposer de séries statistiques annuelles cohérentes (qui seules rendent possible les comparaisons entre différentes années ou périodes plus longues).
Voici les principaux enseignements de ce bilan tel que le CNC l’a présenté lors d’un point presse que ce message reproduit.
Le volume de la production audiovisuelle aidée par le CNC continue en 2009 la progression constatée en 2008, à 4 249 heures, soit le niveau le plus haut depuis 2002. Cet accroissement du
volume d’heures aidées de 6,6 % s’accompagne d’une légère augmentation des investissements des diffuseurs (+1,4 %). Les aides apportées par le COSIP progressent de 1,3% (+0,7% pour la production et + 19% pour le développement). Le montant des devis atteint 1,331 milliards d’euros (+2,3%). Cette tendance positive traduit des évolutions très contrastées selon les genres de programmes ; ainsi, seule la fiction connaît une diminution en volume d’heures produites ainsi qu’en investissements.
En 2009, le CNC a augmenté la valeur du point minute (+2,4 %), base du calcul du soutien automatique afin de renforcer son aide au secteur audiovisuel. Les producteurs ont ainsi pu investir davantage dans le développement de leurs projets, mais également dans leur production en fonction des contraintes du marché.
Ces chiffres dévoilent une situation moins négative que l’on aurait pu le craindre dans le contexte
économique actuel mais n’atténuent pas les incertitudes qui demeurent pour 2010.

La fiction : un fort recul en volume avec un retour aux fondamentaux
L’année 2008 avait été une année exceptionnelle en termes de volume de fiction produite (nombreux feuilletons). En 2009, le volume baisse de 17,6% à 752 heures. Il dépasse cependant le niveau de la période 2000-2004. Deux tendances marquantes caractérisent la fiction en 2009 : d’une part l’arrêt de la plupart des feuilletons quotidiens de journée et d’avant-soirée extrêmement montés en puissance en 2008 et d’autre part l’évolution des formats produits.
Les fictions de 52 minutes, après avoir connu leur niveau le plus important de commande en 2007, enregistrent une baisse de leur volume total, tandis que les fictions de 90 minutes (notamment les séries et les mini-séries) apparaissent, au contraire, en progression pour la première fois depuis 2005. On a ainsi assisté en 2009 à un retour à la structure antérieure, où le 90 minutes primait sur les formats de 52 minutes. Cette rupture peut assez largement s’expliquer par la modification de la législation de la publicité à la télévision. D’une part, les chaînes privées sont autorisées depuis 2009 à pratiquer deux coupures publicitaires dans leurs oeuvres audiovisuelles. D’autre part, les chaînes publiques, qui ne pouvaient pas interrompre les oeuvres diffusées sur leur antenne, ne diffusent plus de publicité après 20 heures. Le volume de fictions de 90 minutes progresse ainsi de 22 heures pour TF1 et M6 (en cumul) et de 16 heures pour France 2 et France 3 (en cumul).
Les diffuseurs financent moins d’heures de fiction mais ils les financent globalement mieux, avec
des apports horaires et des coûts horaires en progression. Sur la période 2005-2009, les feuilletons quotidiens de 26 minutes ont contribué à faire baisser le niveau de l’apport horaire des diffuseurs historiques. Hors effet de ces feuilletons, TF1, France Télévisions et Canal Plus ont globalement mieux financé la fiction sur cette période. Seule M6 semble s’inscrire dans une autre logique : cette chaîne continue à privilégier les investissements dans des formats de 26 minutes voire des formats courts en journée.

Le documentaire : croissance des volumes accompagnée d’une croissance des investissements
En 2009, le documentaire poursuit sa progression entamée l’année précédente (+8,1 % à 2 225 heures aidées). Cette augmentation (+166 heures) est principalement portée par France 3 (+69 heures à 352 heures) et par les chaînes de la TNT gratuite (+60 heures à 122 heures) en particulier par France 4 et NRJ 12. Les chaînes locales continuent aussi la progression entamée en 2008, passant de 239 heures à 253 heures en 2009.
Les devis de production de ces programmes croissent dans les mêmes proportions que les heures aidées.
Avec un total de 163,1 M€ en 2009 (+10,9 %), les investissements des diffuseurs dans le financement du documentaire atteignent leur plus haut niveau à ce jour. Toutes les catégories de
diffuseurs augmentent leurs apports dans le genre du documentaire. Les chaînes de la TNT, avec 4,2 M€ investis en 2009 – contre 1,7M€ en 2008, constituent progressivement un relais de croissance pour le secteur, leurs ressources étant assises sur un marché publicitaire en progression constante. Les chaînes thématiques du câble et du satellite restent en 2009 stables dans leurs investissements.
Le documentaire s’est désormais installé sur les grandes chaînes en première partie de soirée, notamment à travers de nouvelles écritures ; l’augmentation des formats de première partie de soirée, en particulier sur France Télévisions, explique la progression des financements.
Cette évolution des financements, positive pour l’ensemble du secteur, ne doit pas masquer de réelles mutations sur le plan éditorial. Les frontières entre genres s’estompent de plus en plus et les modes de narration sont bouleversés ; c’est particulièrement flagrant en documentaire. Le CNC accompagne cette évolution, née essentiellement de l’arrivée du documentaire en première partie de soirée et du succès auprès du public de nouvelles formes narratives, sur les chaînes historiques comme sur les chaînes du câble et du satellite, de la TNT et même d’Internet. Pour autant, le CNC souhaite continuer à encourager le documentaire d’auteur, particulièrement reconnu à l’international.

L’animation : un nouveau cycle de production
L’animation entre dans un nouveau cycle de production en 2009. Le volume de production est en forte augmentation, pour la première fois depuis 2006, année au cours de laquelle il avait atteint le plus haut niveau de la dernière décennie. Il s’élève à 351 heures en 2009, contre 259 heures en 2008, soit une croissance de 35,5 % en un an.
Cette évolution est portée, d’une part, par le développement des séries de 11 à 15 minutes qui augmentent pour la deuxième année consécutive. Ces séries constituent le premier format d’animation depuis 2008 (43,3 % du volume horaire total en 2009). Elle est portée, d’autre part, par le retour de la production de séries de 26 minutes (+141,6 % à 99 heures, après une baisse de 83 heures entre 2007 et 2008). Elles représentent 28,3 % du volume d’animation en 2009, contre 15,9 % en 2008.
Les devis progressent plus vite que le volume (+39,2 % à 211,1 M€), donc le coût horaire moyen des programmes progresse de 2,7 %. L’apport des diffuseurs dans les oeuvres d’animation progresse de 46,7 %. Ils investissent 58,8 M€ en 2009, contre 40,1 M€ en 2008. La croissance des commandes concerne principalement les chaînes historiques privées. Pour la quatrième année consécutive, France Télévisions diminue son volume commandé tout en finançant globalement mieux les programmes.

Le spectacle vivant : progression des volumes sans augmentation correspondante des apports des chaînes
Le volume de captations et recréations de spectacle vivant enregistre en 2009 une progression de
21,2 % pour atteindre 486 heures, son niveau le plus élevé des dix dernières années. Les devis des captations de spectacle vivant croissent de 24,5 % pour atteindre 75,7 M€, soit un coût horaire
moyen en légère hausse (+2,7 % à 155,9 k€). L’évolution constatée l’an dernier se confirme donc. Tous les genres de spectacles sont concernés, particulièrement le théâtre et la musique.
Les investissements des diffuseurs augmentent cependant moins vite que le volume (+18,0 % à 25,0 M€), soit un apport horaire moyen en baisse (à 44 k€ contre 46,3 k€ en 2008). Les chaînes couvrent 33,0 % des devis de production (-1,8 point). La part du COSIP dans le financement du genre reste stable à 26,1 % en 2009. L’évolution dans la structure de financement, alors que les volumes progressent, tandis que les apports horaires des diffuseurs diminuent, est fragilisante pour l’économie de ce secteur qui a tendance de plus en plus à se tourner vers les soutiens publics.
L’intervention des chaînes gratuites de la TNT dans le financement des oeuvres de spectacle vivant, qui pourrait à terme constituer un relais de croissance, reste encore, à ce jour, marginale, malgré les efforts de certaines. Internet est également une opportunité intéressante pour la diffusion du spectacle vivant. Cependant, l’économie d’Internet ne permet aujourd’hui ni de disposer des moyens techniques nécessaires pour un enregistrement de qualité, équivalent à ce qui est produit pour une antenne classique, ni d’acquérir des droits d’exploitation sur une période suffisamment longue pour constituer des programmes pérennes.

Conclusion
Le bilan de l’année 2009 s’avère plus satisfaisant que le contexte économique ne pouvait le laisser craindre. Le dispositif des obligations réglementaires des chaînes de télévision, assises sur le chiffre d’affaire de l’année antérieure (en l’occurrence 2008), ainsi que les aides du CNC ont sans doute permis d’amortir la crise, en lissant ses effets sur 2009.
Des éléments encourageants pour l’avenir sont par ailleurs à souligner.
La croissance des financements apportés par le CNC dans le développement des projets est révélatrice de la meilleure prise en considération de l’importance de cette phase essentielle dans le processus de création par les producteurs.
La montée en puissance des chaînes de la TNT gratuite, qui commencent à représenter une alternative aux chaînes historiques en particulier pour le documentaire et plus faiblement pour le spectacle vivant, est également un signe positif pour l’avenir.
La réforme de l’audiovisuel public, en consolidant les recettes publiques de France Télévisions, fait du groupe un pôle majeur du financement de la création grâce à des ressources stables.
Quelques fictions françaises commencent à renouer avec les succès d’audience, fin 2009, et début 2010 sur les chaînes hertziennes publiques comme privées.
Néanmoins, beaucoup de questions pèsent sur le secteur : l’achèvement de la réforme de France Télévisions, l’intégration du non linéaire dans la stratégie des chaînes tant publiques que privées, l’évolution du marché publicitaire avec la mise en place de nouveaux flux économiques, le vieillissement du public des chaînes historiques, la concurrence de la fiction américaine à laquelle la fiction française n’a pas encore apporté de vraie réponse, la fragilité du marché international en distribution et en financement.
Dans ce paysage, la priorité accordée en 2009 au secteur est maintenue pour 2010 avec une exigence essentielle : conforter l’audace des projets, car dans cette période troublée, il faut mettre l’accent sur l’inventivité et l’innovation. Les récents aménagements apportés pour les aides à l’écriture, les aides au développement, les aides au pilote vont dans ce sens tout comme le fonds d’aide à l’innovation audiovisuelle.
Le CNC soutient également l’émergence de projets pour Internet, réjouissante pour la création, démontrant que le secteur a su investir un nouveau marché, bien que son modèle économique soit encore très instable. Le CNC prévoit, dès cette année, une ouverture de son soutien automatique audiovisuel aux productions conçues pour Internet, étant convaincu de la nécessité d’accompagner les risques pris en faveur d’oeuvres originales françaises et européennes sur ce nouveau support de diffusion.
Centre national de la cinématographie / Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC)