Wanafoto, Art & Imaging Blogzine - Webzine


Expositions, Art contemporain, Art moderne, Photographie, Design, Patrimoine, Architecture, Art vidéo, Films, l'image dans toutes ses dimensions, Publications

Art Exhibitions, Art Fairs, Visual Arts, Photography, Graphic Arts, Design, Video Art, Architecture, Films, Photo / Imaging Equipments, Publications


May 30, 2006

Annie Leibovitz Traveling Exhibition

Annie Leibovitz: A Photographer’s Life, 1990-2005, an exhibition of more than 200 photographs, will debut at the Brooklyn Museum, where it will be on view from October 20, 2006 through January 21, 2007, prior to an international tour. Among the other venues it will travel to are the San Diego Museum of Art, the High Museum of Art, the Corcoran Gallery, the de Young Museum, Maison Européenne de la Photographie in Paris, and London’s National Portrait Gallery, with additional venues to be announced.

The material in the exhibition, and in the accompanying book of the same title, which will be published by Random House, encompasses work Leibovitz made on assignment as a professional photographer as well as personal photographs of her family and close friends. “I don’t have two lives,” Leibovitz says. “This is one life, and the personal pictures and the assignment work are all part of it.” The material documents the birth of her three daughters and many events involving her large and robust family, including the death of her father.

Portraits of public figures include the pregnant Demi Moore, Nelson Mandela in Soweto, Jack Nicholson on Mulholland Drive, George W. Bush with members of his Cabinet at the White House, William S. Burroughs in Kansas, and Agnes Martin in Taos. The assignment work also includes searing reportage from the siege of Sarajevo in the early 1990s and a series of landscapes taken in the American West and in the Jordanian desert.

One of the most celebrated photographers of our time, Annie Leibovitz has been making witty, powerful images documenting American popular culture since the early 1970s, when her work began appearing in Rolling Stone. She became the magazine’s chief photographer in 1973, and ten years later began working for Vanity Fair, and then Vogue, creating a legendary body of work. In addition to her magazine work, Leibovitz has created influential advertising campaigns for American Express, Gap, Givenchy, The Sopranos, and the Milk Board. A retrospective of her work from the years 1970 to 1990 was presented at the National Portrait Gallery in Washington, D.C. and at the International Center of Photography in New York. Leibovitz is the recipient of many honors, including the rank of Commandeur in the French government’s Ordre des Arts et des Lettres and the Barnard College Medal of Distinction. She was named a Living Legend by the Library of Congress in 2000 and one of the thirty-five Innovators of Our Time by Smithsonian magazine in 2005.

Charlotta Kotik, John and Barbara Vogelstein Curator of Contemporary Art, is the curator of the exhibition.

Tour Schedule with tentative dates:

  • Brooklyn Museum October 20, 2006-January 21, 2007
  • San Diego Museum of Art, San Diego February 10-April 22, 2007
  • High Museum of Art, Atlanta May 12-September 9, 2007
  • Corcoran Gallery, Washington, D.C. October 13, 2007-January 13, 2008
  • de Young Museum, San Francisco February 9-May 11, 2008
  • Maison Européenne de la Photographie, Paris June-September 2008
  • National Portrait Gallery, London October, 2008-January 2009
  • .... Additional venues to be announced...

Brooklyn Museum - 200 Eastern Parkway, Brooklyn, NY - http://www.brooklynmuseum.org/

May 29, 2006

Imprimante laser Lexmark C500n

Lexmark annonce la Lexmark C500n, sa nouvelle imprimante laser couleur destinée aux PME

Spécifiquement conçue pour répondre aux besoins des PME à la recherche d’une imprimante fiable, polyvalente et économique, la Lexmark C500n dispose de nombreux atouts :

Impression monochrome rapide : la Lexmark C500n assure une impression monochrome très rapide, atteignant une vitesse d’impression de 31ppm pour un temps de sortie de la première page inférieur à 13 secondes.

Connexion en réseau : silencieuse et simple d’utilisation, la nouvelle imprimante laser couleur de Lexmark est idéale pour l’impression partagée dans un petit groupe de travail.

Impression couleur de qualité à un prix modéré : elle est particulièrement adaptée pour les travaux d’impression occasionnels pour lesquels la couleur est primordiale (présentations financières, outil de marketing externe, etc.)

Les entreprises, qui ont besoin d'une imprimante couleur et qui impriment également de nombreux documents monochromes, peuvent donc utiliser la Lexmark C500n comme imprimante principale. En outre, la connectivité réseau prévue en standard sur cette nouvelle imprimante Lexmark permet, grâce à l’impression partagée, de réduire les coûts d’impression.

Les utilisateurs peuvent notamment régler la densité de la couleur indépendamment pour le noir, le bleu, le rouge et le jaune. Par ailleurs, cette imprimante affiche une résolution de 1 200 x 600 ppp pour l'impression de photographies et de graphiques en couleur et une vitesse d’impression couleur de 8 pages par minute. Son pilote d'impression, basé sur le système hôte, garantit des sorties rapides. Cette imprimante est en outre couverte par la garantie de réparation sur site de Lexmark.

La Lexmark C500n est disponible d’ores et déjà auprès du réseau de distribution de Lexmark au prix indicatif de 390 €HT.

May 26, 2006

Aptus 75 Digital Camera Back Wins TIPA 2006 Award

The Leaf Aptus 75 digital camera back has been awarded the prestigious ‘best digital camera back in Europe 2006’ Award. The award will be presented on the opening day of Photokina 2006 in Köln, Germany.
The Technical Image Press Association (TIPA) was founded in 1991 as an independent, non-profit Association of European photo and imaging magazines. At present, with 31 member magazines from twelve countries, TIPA is by far the largest and most influential photo and imaging press association in Europe. Once a year, all the editors and/or technical editors meet to vote for the “Best Photo and Imaging Products in Europe”.
With its 33.3 MP sensor and 7.2-micron pixel size, the LEAF Aptus 75 camera back provides rich detail and color, striking highlights and shadows, and a high dynamic range, all ensuring exceptional, state-of-the-art image quality. The spacious 6 × 7-cm touch screen allows quick and easy access to the settings needed by professional photographers both before and during the shoot.
Dov Kalinski, General Manager, Leaf, Kodak’s Graphic Communications Group (GCG) said, “We are very pleased to have won this prestigious and independent award. The award is evidence of the relentless drive on the part of Leaf to continue to provide our clients, who are top professional photographers, with a solution that achieves the quality and features they expect from Leaf.”
The Leaf Aptus 75 camera back increases productivity, giving photographers the luxury of leaving technical issues aside and concentrating on their images. It features an extended ISO range from 50 – 800. With its manageable file sizes, users can easily and smoothly process, send, and maintain their files. The large choice of storage options, including the 30 GB Digital Magazine, makes portable photography more flexible than ever before.
Leading commercial and fashion photographers worldwide benefit from the Leaf Aptus camera back’s quality, speed, and flexibility. It comes with a wide range of preshoot options that make it easy to create camera and file settings as well as to edit images during the shoot. The camera back is certified for a wide range of medium and large format cameras and is compatible with most external hard drives. It uses standard external batteries, and its uncompressed files are compatible with Adobe Photoshop.

May 20, 2006

François-Marie Banier at Istanbul Modern Photograph Gallery

 

François-Marie Banier

True Stories

Istanbul Modern Photograph Gallery

 

"Who is a photographer? Any high-wire artist without a wire, any conductor without an orchestra, any realistic dreamer with a bit of persistence who, whether confusedly or not, has the feeling, the courage – it only takes a slight movement of the index finger – to stop the world. He blocks it, wedges it, lays it out. For good. Makes it solid. That is where the work of art begins: when it’s over. When the photo has been taken, printed, chosen. Sold, I might say." – François-Marie Banier.

"Photography means power. One of the greatest powers is that of writing History. This is dangerous ground for the honest practitioner. Now I come to a word I would have preferred never to use: responsibility. This time, the witness is the verdict. The penalty is severe: it defies time, gong well beyond those involved in the tragedy and affecting us and our children’s children." – François-Marie Banier.

François-Marie Banier became known as a poet and novelist in the 1960s, but later he shifted focus to play a central role in photography and painting. For Banier the streets are not just places where he takes photographs but at the same time his studio. Camera in hand he impulsively plunges into life, sometimes in the streets of Paris, sometimes in cities in other countries. For him the reality of life is more creative than the created.

His portrait photographs, whether they depict people who are unknown, or artists and other famous figures, are masterpieces of light, expression and graphic balance. His portraits capturing people ranging from Beckett to Nicole Kidman completely expose their natural state. As he clicks the shutter release, everything is not over but instead newly beginning. It may cost Banier years for these photographs to mature and be accepted. He never views photography as capturing a frozen moment.

At the end of the 1980s Banier began writing directly onto the image in seemingly disorganized sentences arranged one after the other or linked together, telling stories that might be dramatic, cheerful or melancholy.

His photographs thereby acquired a completely new appearance and new story. Consequently these photographs are not observed in the ordinary way. Instead they sweep you into them and make you a part of the story. The words both alter the image and lend a completely different dimension of creativity.

Banier began to combine writing, painting and photography in his work. Ink, paint and drawing are the new episodes in moments and stories that he captured in the past.

In Banier’s photographs, as words, paint and images spread over the photograph, syntheses that both conceal and reveal the image emerge as riddles that require solving afresh each time.

François-Marie Banier’s photographs are each works created from life and relating to life, presenting nobility, drama, happiness and unhappiness in a sensitive balance that may be ironic or tragic. Actually these works that express all times are a balance of the relationship between photography,light,writing and pictures. Banier's photographs are 'True Stories' capturing images of a lost moment that will never return or be found again.

Curated by: Engin Ozendes (ESFIAP)

 

FRANCOIS-MARIE BARNIER
True Stories

Istanbul Modern Photograph Gallery
30 May – 27 August 2006

May 12, 2006

Art Exhibition: Kamikaze Blossom at Fieldgate Gallery, London

 

Kamikaze Blossom
Curated by Richard Ducker

Fieldgate Gallery, London

12 May - 4 June 2006

Artists: Richard Ducker - Matt Franks - Clare Gasson - Stewart Gough - Sam Herbert - Liane Lang - Richard Livingston - Claire Robins - Laura White - Mark Wright

“… I drew close – I whispered something and kissed her – a tear rolled down her cheek – and then I captured forever the moment –  our mutual emotion was recorded on the silver film …” --Edward Weston’s account of his reunion with his lover Tina Modotti

Blossom, like a supernova, achieves a momentary perfection, before falling and dying.  The Japanese Kamikaze pilots of the last World War before embarking on suicide missions painted cherry blossom on the side of their planes as a symbol of the ephemerality and beauty of nature. Through this metaphor, the fragility of a life short-lived, and the attempt to capture its trace is made visible. These artists are concerned with attempting to arrest something from these fleeting moments. This process evokes experiences lost: a living breathing body, objects heavy with nostalgia and longing, a yearning for love and touch, a sense of place, and the joy of materials.

“When art, becomes independent,  depicts its world in dazzling colours, a moment of life has grown old and it cannot be rejuvenated with dazzling colours. It can only be evoked as a memory.”  --Guy Debord  Society of the Spectacle

The work in this exhibition engages with the curiosity of human desires and fears, yet each artist denotes human presence by its absence or fragment.  Through a certain emptiness in these works, emotion is sublimated: the animal as metaphor, the voyeurism of the photograph, the monumental of the everyday object, and the intervention of found materials.   Though a strong humanity exists, these artists also explore its death within the spectacle of the artworks.

This is the first exhibition at a new space of 10,000 square feet under the Atlantis art shop and 10 minutes walk from the Whitechapel Art Gallery. The nearest tube stations are Aldgate East and Whitechapel.

Opening hours: Friday, Saturday and Sunday 12-6 pm

Spencer Finch: H2O, Rhona Hoffman Gallery, Chicago


Spencer Finch: H2O
Rhona Hoffman Gallery, Chicago
April 28 - June 3, 2006

Rhona Hoffman Gallery in Chicago presents H2O the second solo exhibition at the gallery of works by New York-based artist SPENCER FINCH. This exhibition is focused on Spencer Finch’s investigation of a substance everyone uses in one way or another every single day—Water. This new body of work includes a molecular light structure based on the chemical make-up of water; an 8 foot by 20 foot fluorescent light box replicating light created by the mist over Niagara Falls which Finch measured on a recent trip; photographs comprising a taxonomy of clouds; and works on paper documenting the evaporation of water and the melting of snowflakes. 

This investigation is part of a larger exploration of perception, color, and representation that has become central to Finch’s artistic practice. Through various mediums Spencer Finch, a constant traveler and scholar of history, confronts the difficulties of “true” representation. Visiting historical and emotionally loaded places like Los Alamos, New Mexico; the city of Troy; Loch Ness; Cape Canaveral; and Tombstone, Arizona, he makes works that take into account the role that memory and association play on perception. The results are often beautiful, playful, and humorous, but always conceptually rigorous. 

SPENCER FINCH earned his MFA at the Rhode Island School of Design. His work has been exhibited extensively, including solo exhibitions at Portikus in Frankfurt, Germany, Artpace in San Antonio, Texas, and at the Wadsworth Atheneum, Hartford, CT, and numerous group exhibitions including the 2004 Whitney Biennale at the Whitney Museum of American Art, New York. He collaborated with choreographer William Forsythe on the lighting for Three Atmospheric Studies, performed in Frankfurt and Dresden in April 2005. The first exhibition of Spencer Finch at Rhona Hoffman Gallery was Spencer Finch: Here and There (2001)

RHONA HOFFMAN GALLERY, Chicago
www.rhoffmangallery.com

May 2, 2006

Nikon D50 TIPA 2006 Meilleur reflex numerique entree de gamme europeen

Doté de 6,1 millions de pixels, le D50 a été reconnu « Meilleur reflex numérique entrée de gamme européen en 2006 » parce qu’il offre aux photographes amateurs la possibilité de créer des images haute définition à un coût très faible. Le jury aura également apprécié :
  • L’ergonomie du D50.
  • Le système d’exposition automatique qui compense les hautes lumières et les ombres dans des conditions d’éclairage difficiles.
  • Le système autofocus sur 5 zones qui détecte rapidement le sujet.
  • La compatibilité du D50 avec tous les objectifs AF Nikkor.

Prix public conseillé 799 € TTC (Kit D50 + AF-S DX 18-55) [En avril 2006]

Photo (c) Nikon - All rights reserved -Logo (c) TIPA - All rigths reserved

NIKON D200 TIPA 2006 Meilleur reflex numérique Expert Européen

Le D200 a été élu “Meilleur reflex numérique expert européen en 2006” par l’association TIPA

Avec un boîtier nu vendu à moins de 2 000 euros, le D200 se distingue de la concurrence par ses qualités exceptionnelles :

  • Une définition de 10 millions de pixels avec des fichiers de 32,78 x 21,95 cm à 300dpi.
  • Une mesure matricielle couleur 3D II qui calcule l’exposition à la perfection pour ainsi restituer les détails dans les hautes lumières.
  • Une vitesse de fonctionnement impressionnante : démarrage en 0,15 seconde, temps de réponse au déclenchement de 50 millisecondes et une cadence de prise de vue de 5 vues par seconde

Prix public conseillé 1899 € TTC (boîtier nu) [Prix avril 2006]
Photo (c) NIKON - All rights reserved - Logo (c) TIPA - All rights reserved

May 1, 2006

Book: Camera Lenses: From Box Camera to Digital, By Gregory Hallock Smith


Book about photography equipment: Camera Lenses history and technique  




Camera Lenses: From Box Camera to Digital, By Gregory Hallock Smith
SPIE Press, Bellingham WA, The International Society of Optical Engineering, 320 pages
Publishing date: April 2006 - Photo Courtesy SPIE Press

This book is an exploration and appreciation of cameras and their optics, covering all major lens types from the earliest to the most recent--including those roving the surface of Mars. A recurrent theme of this book is that lens types invented in the 19th century are just as useful in the 21st century. Another continuing theme is the impact of the digital revolution and the use of imaging in radically new circumstances. This book should be of interest to any who are curious and want to know more about the glass on the front of their cameras. (Publisher text)

Contents:
Part A : Concepts and Techniques
Part B:  Lenses for Large-Format 4x5 Film Cameras
Part C:  Lenses for Small-Format 35 mm Film and Digital Cameras
Part D:  Special-Purpose Optics
Part E:  Timeline of Advances and Milestones

SPIE - Bellingham, Washington, USA
Publisher's website: www.spie.org where you can download free sample pdf pages

Musée de l'Orangerie à Paris et Collection Jean Walter et Paul Guillaume


Musée de l’Orangerie, Paris
Réouverture au public le 17 mai 2006
et nouvelle présentation des Nymphéas de Claude Monet

Agrandi et entièrement rénové, le musée de l’Orangerie invite le public à contempler les célèbres Nymphéas de Claude Monet et les chefs-d’œuvre de la collection Jean Walter et Paul Guillaume, collections mises en valeur par un projet scientifique et culturel renouvelé et servi par des transformations architecturales fondamentales.

La nouvelle muséographie des Nymphéas de Claude Monet
Après d’importants travaux de réaménagement et de restauration, le musée offre désormais à ses visiteurs une nouvelle scénographie articulée autour deux transformations majeures. Les Nymphéas de Claude Monet retrouvent leur place initiale, au centre du bâtiment qu’ils occupaient dans le bâtiment lors de leur installation, en 1927, et la lumière naturelle de la verrière, dont ils étaient privés depuis les années soixante. Le vestibule et les entrées multiples aux salles oblongues sont restitués, offrant de nouveau une libre circulation et l’intégration de l’ensemble monumental à son environnement, entre le jardin des Tuileries et la Seine. Les Nymphéas ont bénéficié à cette occasion d’une importante campagne de conservation préventive et de restauration, menée par le Centre de recherche et de restauration des musées de France (C2RMF).

La Collection Walter-Guillaume

L'appellation  « Collection  Jean Walter  et  Paul Guillaume »  désigne  le magnifique  ensemble  constitué  par  le marchand  et  collectionneur Paul Guillaume  et  par  sa  veuve,  Juliette  Lacaze,  dite  « Domenica », remariée en secondes noces à l'architecte et industriel Jean Walter.

Paul Guillaume (1892-1934) est au rang des grands marchands d’art parisiens engagés dans  la promotion de l’art moderne. Moins connu mondialement qu’un Paul Durand-Ruel ou qu’un Daniel-Henry Kahnweiler, disparu très tôt à l’âge de 42 ans, il n’en reste pas moins l’un des découvreurs les plus importants du 20e siècle. Outre les  artistes  tels Matisse,  Picasso, Derain, Modigliani, Utrillo,  Le Douanier Rousseau  ou  encore  Soutine  qu’il défend particulièrement, il s’intéresse également très tôt aux arts premiers.

Histoire de la constitution de la collection Jean Walter et Paul Guillaume
Paul Guillaume  incarne  le  glissement  qui  s’opère  chez  certains marchands (tels Durand-Ruel, Vollard  ou  les frères Bernheim), entre le statut de commerçant et le statut de collectionneur privé. Ainsi s’inscrit-il dans la lignée des « marchands-collectionneurs»,  une nouveauté au début du 20e siècle tant elle représente le mariage jusque là  contre  nature  entre  l’homme  d’argent  –  voire  le  spéculateur  –  et  le  collectionneur  qui  se  targue  de désintéressement, et plus loin réalise l’ascension d’une classe sociale à l’autre – le second statut étant l’un des signes, à l’époque, de l’appartenance à une élite.

La  vie de Paul Guillaume, qui n’a pas hérité de la haute position  sociale à laquelle il aspire,  se nourrit de  ce
double statut. Véritable amateur et connaisseur, il sut allier avec génie les relations commerciales (comme par
exemple en conseillant le Docteur Barnes) tout en gagnant la reconnaissance des milieux intellectuels et de ses pairs. Toutes ces activités sont bien sûr intimement liées : il fonde par exemple en 1918 une revue de grande qualité, « Les Arts à Paris », qui mêle débats critiques, actualités du monde artistique et promotion remarquable de sa propre affaire et des œuvres de sa collection.

Constituée  en  parallèle  avec  ses  activités  de marchands,  la  collection manifeste  le  grand  dessein  de  Paul Guillaume, qui très vite, la conçoit comme un patrimoine « public ». Insatisfait – comme beaucoup d’autres alors – par la faible visibilité de l’art moderne dans les institutions françaises, il entend remédier à la défaillance de l’Etat en constituant un ensemble exemplaire pour le donner à voir à la communauté. En 1929, ses œuvres sont exposées chez Bernheim-Jeune, sous le titre ambitieux de « La grande peinture contemporaine à la collection Paul Guillaume ».  Il  songe  d’ailleurs  à  aménager  ses  appartements  de  l’avenue  de Messine  pour  ouvrir  un « hôtel-musée », accessible à tous. Pourtant il déménage à l’avenue Foch en 1930, sans que le musée annoncé ne  voie  le  jour. A la place, il  se rapproche de l’administration des Beaux-Arts et déjà, l’on imagine une future donation au profit de l’Etat. Mais le décès précoce de Paul Guillaume en 1934 coupe court aux spéculations et, finalement,  Domenica  hérite  de  l’inestimable  ensemble.  Elle  continuera  d’ailleurs  de  le  compléter  selon  ses propres orientations, alors qu’elle a épousé l’architecte Jean Walter, devenu riche industriel.

La collection Jean Walter et Paul Guillaume compte aujourd’hui 144 œuvres et constitue un ensemble majeur, témoignage prestigieux de l’effervescence de la scène artistique parisienne de la fin du 19e siècle au début du 20e.  Si  l’ambition  de  Paul  Guillaume  était  bien  d’œuvrer  pour  la  découverte  et  la  reconnaissance  de  l’art moderne,  ses  choix  n’en  sont  pas moins  ceux  d’un  individu  talentueux  et  visionnaire,  choix  qui reflètent  des préférences et des engagements, non une totale objectivité.

La collection compte ainsi des chefs-d’œuvre de l’avant-garde acquis par Paul Guillaume dès 1914 – 1918, à ses débuts : Derain, Matisse, Picasso, Modigliani... D’autres œuvres les rejoignent sans que leurs auteurs soient à ce moment  encore  à  la  pointe  de  la  création,  tels  le  Douanier  Rousseau,  Cézanne,  Utrillo,  Renoir,  Soutine, Laurencin… reflétant  ainsi  l’aspiration  ambiante  pour  un  modernisme  déjà  devenu  « classique »  et  le  goût toujours vivant pour l’Impressionnisme. Paul Guillaume s’est ainsi concentré sur une douzaine d’artistes dont il possède  plusieurs œuvres  et  propose  de  la  sorte  sa  propre  lecture  des  avant-gardes  au  travers  d’un  brillant ensemble.

La Collection Jean Walter et Paul Guillaume et le musée de l’Orangerie
Finalement, Domenica  concrétisera  le  souhait  de  son  premier mari  de  voir  sa  collection  honorée  au  titre  de l’intérêt public. Par deux actes successifs, en 1959 puis 1963, Domenica cède à l'Etat, à la condition qu'il soit intégralement présenté à l'Orangerie, l'essentiel de la collection. Elle en conserve cependant l'usufruit jusqu'à sa mort.

Sur ses directives, l'architecte en chef du Palais du Louvre, Olivier Lahalle, conçoit la transformation du bâtiment pour lui permettre d'accueillir la collection. L'entrée reçoit un escalier monumental, avec une rampe en fer forgé de Raymond Subes. Un étage est  construit  sur toute la longueur du bâtiment, étage qui prive par ailleurs les Nymphéas de l'éclairage naturel et qui détruit le vestibule elliptique dessiné par Monet.

Après  une  première  présentation  de  la  collection,  en  1966,  et  en  attendant  de  l'accueillir  définitivement, l'Orangerie  continue  à  présenter  d'importantes  expositions,  comme Georges  de  La Tour  en  1972, Braque  en 1973, ou La peinture allemande à l'époque du Romantisme en 1976.

Après  la mort  de Domenica Walter  en  1977,  le musée  de  l'Orangerie  ferme  pour  un  toilettage  de  l'existant. Devenu musée national de plein exercice et rouvert en 1984, il présente de manière permanente la collection Jean  Walter  et  Paul  Guillaume,  ainsi  que  les  Nymphéas,  bien  que  placés  en  position  accessoire  par  les aménagements successifs.

Une nouvelle présentation de la Collection Jean Walter et Paul Guillaume au Musée de l'Orangerie
Les  nouveaux  espaces  de  l'Orangerie  vont  enfin  permettre  de  dégager  l'identité  historique  et  l'originalité esthétique  de  la  collection  Jean Walter  et Paul Guillaume. Directement  accessible  depuis  le  hall  d'accueil,  la galerie où elle sera présentée, située sous le jardin, le long de la façade nord, bénéficiera d'un éclairage naturel provenant d'une verrière pratiquée sur toute la longueur du bâtiment.

L’ensemble  de  l’exposition  a  pour  vocation  de  restituer  le  caractère  profondément  intimiste  de  la  collection. Citons notamment un dispositif muséographique original qui restitue à taille réelle l’univers du collectionneur.

Le projet architectural a été conçu et mené à bien par l’Agence Brochet/Lajus/Pueyo sous la maîtrise d’ouvrage de la Direction des musées de France et de son mandataire, l’EMOC (Etablissement public de maîtrise d’ouvrage des travaux culturels).

La première exposition temporaire aura lieu de novembre 2006 à mars 2007 et aura pour titre : Orangerie 1934 : les peintres de la réalité. Elle mettra en perspective la célèbre exposition « Les peintres de la réalité en France au 17e siècle », qui, organisée en 1934, fut à l’origine de profonds changements dans l’histoire de l’art et du goût, en renouvelant notamment le regard porté sur l’art français. 

Site web du Musée national de l'Orangerie, Paris : www.musee-orangerie.fr

Haus am Waldsee Art Scene - Berlin

 

haus am waldsee

Haus am Waldsee is a venue for the international art scene. Since 1946 it is considered to be one of the foremost exhibition spaces for international contemporary art in Germany and has contributed significantly to the rekindling of a cultural life in Westgermany.

Haus am Waldsee
Argentinische Allee 30
14163 Berlin

Open daily 10 am - 6 pm
Public transport: U3 Krumme Lanke, S1 Mexikoplatz, Bus 118/184/629

Tel: (030) 801 89 35
Fax: (030) 802 20 28


www.hausamwaldsee.de