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June 16, 2004

Sanyu at Asian Art Museum – Guimet – Paris


Exhibition: SANYU

Guimet Museum - Asian Art National Museum, Paris

June 16 - September 13, 2004

After the great war, Paris decided to live to the full : « After the stress, strain and anger…men lift up their heads once more, open their eyes and enjoy life. A frenetic desire to dance, to buy, to be able finally to walk heads held high, to cream, to howl, to throw money out of the windows. A furia of vital forces takes over the world », according to Fernand Léger. Artists from five continents meet in Montparnasse and a new generation of painters  mingle on the terraces of the Dome and the Rotonde creating « the first colony of truly international artists in the history of the world, said Marcel Duchamp. Sanyu arrived in Paris when he was twenty years old. He belonged to a group of young Chinese painters who had been given scholarships to study in France organised by Cai Yuanpei, then President of Peking University, in tandem with the French authorities.

The years of Apprenticeship : 1920-1930

The Self-Portrait in the Atelier by Foujita shows that other painters from Asia had come to live in Paris. Sanyu decided not to enter the Ecole Nationale  des Beaux-Arts, but opted for the less academic studio of the Grande Chaumière. From this period, he has left us humourous pencil drawings and watercolours of his fellow students. The strokes are assured and often heightened with gentle colours. A group of watercolours from these formative years  is hung in the second gallery facing the early still-lives painted on canvas in clear, luminous colours. Yet his major focus of interest was still centred on the nude, a genre wich allowed him to  express his talent. Hence, he produced a great number of preliminary drawings, delineating with maestria his models as if they were preparatory studies. These fill an entire gallery.
From 1929 onwards, Sanyu really began to paint nudes on canvas. These works can be seen in the two following galeries. Like Foujita, he depicts women horizontally placed against blocks of colour without giving any impression of depth. The Japanese painter fad devised his own technique for his nudes. First, he prepared the canvas to obtain a smooth milky surface on which he then drew with a very fine brush. It is likely that Sanyu drew inspiration from this, but used a thicker preparation, re-enforcing the outline of the drawing with a dark contour as he sought the perfect outline.

Occasionally, he engraved in that juicy paint  surface ornamented patterns exactly like Chinese potters who incise them  into the wet clay. Sparing with colour, his palette comprised black, white and pink. Nevertheless, at that time, he was influenced by the artistic curnets in Paris. His faces, framed by black hair cut like a boy with one gigantic jet-black eye call to mind the portraits of Kiki. As a reminder of that legendary model of Montparnasse, Le violon d’Ingres  (The violin of Ingres)  -a later print after the original by Man Ray in 1924- showing Kiki’s back, is hung next to her profile in bronze cast by Pablo Gargallo in 1928, obvious links between the surrealists and the artists of the Ecole de Paris.

Maturity : 1930-1940 

In the1930’s, a man appeared out of the blue and provided him with an income at the very moment when his family in China could no longer do so. Henri-Pierre Roché (1879-1959) one of the most active art dealers between the wars immediatly  grasped Sanyu’s potential and bought around 111 paintings and 600 drawings. Sanyu, free for some time from material concerns, went enthusiastically back to painting again. Moreover it is during  this very productive period that he succeeded in arriving at an invisible marriage between the western realist perception of nature and the implicit tranquility of Chinese aesthetics. His calm, harmonious and figurative works are enchanting.

Even though he chose more often than not apparently banal ordinary subjects, he managed to put a distance between them and everyday reality. To give an idea of this work, two rooms are dedicated  to group animals and flowers paintings. What is important is not the subject in itself but Sanyu’s ability to transpose it into a poetic visual universe. Horses or cats are shown in natural poses which emphasise their sensuality, flowers in pots or vases climb upwards the light with their calligraphic stems and transparent petals –autonomous works created by the artists imagination.

Sporting interlude and the Post-war : 1940-1966

During ten years, sanyu trained hard at sport. By  this time, he had invented a new game called the ping-tennis, which he hoped would become fashionable and resolve all his financial problems. He went as far as Berlin to show this new sport to the Olympic committee in 1936. Later in 1948, while he was staying at New York, he intended to promote his ping-tennis. He painted less and we have had to wait until the Post-war period to see him working again in his studio of the rue de la Sablière in Montparnasse. His forms took an unexpected modernism : his nudes became both more linears and monumentals (fig.4). He succeeded in detaching them from any context. His drawing became more muscular. At the end of his life, he painted enormous, bizarre and wild landscapes. The vast perspective without limits is staffed with tiny animals directly reminding us of the tragic loneliness of the master landscape artists of the Northern Song era (960-1127). Both lyrical and grandiose, their « language » has already become abstract. Sanyu, as a final metamorphosis of Chinese artist, brought the pictorial tradition of his native country to  the doors of modernity. The majority of these late landscapes are today in the National Museum of History of Taipei, where Sanyu should have exhibited them. Fate decided otherwise. He died in an accident in 1966. We have had to wait for the XXIst century to see them again in the west during the first retrospective exhibition devoted to him.

Curator : Jean-Paul Desroches with Catherine Pekovits and Rita Wong, ghest curator.

Guimet Museum - Asian Art National Museum, Paris

Website : www.guimet.fr

Sanyu au Musée des arts asiatiques Guimet, Paris

SANYU, l’écriture du corps

Musée Guimet

16 juin - 13 septembre 2004

Le Paris de l'après-guerre entend vivre dans l'euphorie « L'homme exaspéré, tendu [...] lève la tête, ouvre les yeux, reprend goût à la vie. Frénésie de danser, de dépenser, de pouvoir enfin marcher debout, crier, hurler, gaspiller. Un déchaînement de forces vives remplit le monde », écrit Fernand Léger. Les artistes venus des cinq continents se ruent à Montparnasse et une nouvelle génération de peintres se bouscule à la terrasse du Dôme et de la Rotonde, formant, aux dires de Marcel Duchamp, « la première colonie d'artistes vraiment internationale qui eût existé ». C’est dans ce Paris là, que SANYU - âgé de vingt ans - débarque. Il fait partie des  premiers jeunes artistes chinois qui bénéficient du programme d'études mis en place par Cai Yuanpei, alors président de l'Université de Pékin, avec les autorités françaises.

Les années d'apprentissage : 1920-1930

D’autres artistes venus d’Asie sont installés à Paris comme en témoigne dans la première salle de l’exposition l’Autoportrait dans l’atelier  de Foujita. Plutôt que de s'inscrire à l'Ecole nationale des Beaux-Arts, Sanyu préfère l'environnement moins traditionnel de l'Académie de la Grande Chaumière. On le voit croquer non sans humour les portraits des gens qui l’entourent. Les traits sont incisifs, souvent rehaussés de couleurs légères. Un ensemble d’aquarelles de ces années d’apprentissage est présenté dans la deuxième salle face à ses premières natures mortes peintes sur toile dans des tons clairs et lumineux. Toutefois, sa préoccupation majeure reste l’étude du nu, un genre où il va exceller. En effet il réalise un grand nombre d’esquisses, cernant avec brio et rapidité ses modèles, tels des épures. Une salle entière leur est consacrée. 

A partir de 1929, Sanyu commence réellement à peindre des nus sur toile. Ce sujet de prédilection est abordé dans les deux salles suivantes. Comme Foujita, il représente des femmes étendues sur de simples aplats de couleur sans réel souci de profondeur. Pour ses nus, l’artiste japonais a mis au point une technique singulière. Il prépare ses toiles pour obtenir un fond lisse et laiteux puis il dessine au pinceau fin. Il semble que Sanyu ait cherché à s’en inspirer, en utilisant cependant une matière plus épaisse, reprenant le contour du dessin avec un cerné sombre en quête de la ligne idéale. Parfois, dans cette pâte onctueuse, il grave des motifs ornementaux à la façon des céramistes chinois qui incisent leur décor dans l'engobe frais. Econome de la couleur, sa palette se réduit au noir, au blanc et au rose. Néanmoins, dès cette époque, il est indiscutablement influencé par le milieu artistique parisien. Ses visages, encadrés de cheveux noirs coupés à la garçonne avec un œil de jais unique et immense, évoquent les portraits de Kiki. En écho à ce modèle légendaire de Montparnasse, Le violon d’Ingres – un tirage photographique d’après l’original de 1924 de Man Ray – montrant le dos de Kiki  est exposé  à côté de son profil exécuté en bronze par Pablo Gargallo en 1928, véritable trait d’union entre les surréalistes et les peintres de l’Ecole de Paris. 

La maturité : 1930-1940

Dans les années trente, un homme va sortir Sanyu de l'anonymat en même temps qu'il contribuera à lui assurer des subsides au moment où sa famille en Chine n'a plus les moyens de l'aider. Henri-Pierre Roché (1879-1959), l'un des marchands d'art les plus avertis et les plus actifs de l'entre-deux guerres, saisit immédiatement le talent de Sanyu et en 1931, achète quelque 111 tableaux et 600 dessins. Sanyu, affranchi pour un temps  de tout souci matériel, peint avec un nouvel enthousiasme. C'est d'ailleurs au cours de  cette période féconde qu'il parvient à cette sorte d'amalgame invisible entre la perception occidentale de nature réaliste et la sérénité implicite de nature poétique de l'esthétique chinoise. Ses œuvres, à la fois figuratives, paisibles et harmonieuses enchantent.          

Bien qu'il recourt le plus souvent à des sujets apparemment banals ou familiers, il parvient à les distancer du quotidien. Afin d’attester de ces créations, deux galeries offrent un ensemble de portraits animaliers suivi de compositions florales. Mais ce qui importe ici n’est pas le sujet lui-même mais sa faculté à le transposer dans l'univers poétique du visuel. Chevaux ou félins sont figurés dans des poses naturelles soulignant la sensualité de la  vie, fleurs en pot ou en vase montent vers la lumière avec leurs tiges calligraphiques et leurs pétales éthérés, autant d’œuvres autonomes sorties de l’imaginaire du créateur.

L’intermède sportif et l’après-guerre : 1940-1966

Pendant une dizaine d’années , Sanyu va se battre sur un nouveau terrain, celui du sport. En effet, il avait mis au point un jeu, le ping-tennis, qu'il voulait voir adopter, espérant en retour une manne providentielle. Il ira jusqu'à Berlin pour présenter son invention aux commissaires du Comité des Jeux Olympiques en 1936, puis en 1948, il se  rend à New-York, à nouveau pour argumenter et défendre son ping-tennis. Il peint moins et il faut attendre l’après-guerre pour le voir s’affairer dans son atelier de la rue de la Sablière à Montparnasse. Ses créations se teintent alors d’un modernisme inattendu : ses nus deviennent à la fois plus  graphiques et plus monumentaux. Il parvient à les dépouiller de tout environnement. Ses lignes gagnent en puissance. A la fin de sa vie, il exécute de grandes compositions représentant de vastes paysages, étranges et sauvages. Ces larges perspectives ouvertes et comme illimitées peuplées de minuscules animaux renouent avec les solitudes tragiques des maîtres du paysage des Song du Nord (960- 1278). A la fois grandiose et raffiné, leur langage est déjà abstrait et lyrique. Ultime métamorphose d'un artiste chinois qui vient de porter la tradition picturale de son pays au seuil de la modernité. La plupart de ses derniers paysages sont aujourd’hui conservés au musée national d’Histoire de Taipei où Sanyu devait les présenter. Le destin en décide autrement. Sanyu meurt accidentellement en 1966. Il a fallu attendre le XXIe siècle pour les revoir en Occident dans le cadre de la première rétrospective qui lui est consacrée.

Exposition présentée au musée Guimet en coordination avec l’Association pour le Rayonnement des Arts Asiatiques (ARAA) et le soutien de la fondation Yageo. Sanyu, l’écriture du corps est parrainée par Radio France Internationale.

Commissariat de l'exposition : Jean-Paul Desroches 
assisté de Catherine Pekovits, coordinatrice de l’exposition
Commissaire invité : Rita Wong

Musée national des arts asiatiques Guimet
6; place d’Iéna
75116 Paris

June 5, 2004

Latin American Art, Christie’s Paris Galleries

Art d’Amérique Latine ~ Latin American Art
Christie’s Paris Galleries
June 10, 2004

The sale Art d’Amérique Latine (Latin American Art), traditionally held in New York, will be hosted this year at Christie’s elegant Parisian salesroom at Avenue Matignon. During a festive evening event on June 10, François Curiel, Chairman of Christie’s Europe and Director of Christie’s France, will conduct the auction. Not only will this extraordinary sale showcase some of the finest works of Latin American masters, it will also shed a fascinating light on the enduring fertile exchange between Latin American art and European artistic capitals. The sale will feature 100 works including paintings by Rufino Tamayo, Wifredo Lam, J.C. Orozco and Fernando Botero.

The French capital especially had a mesmerizing effect on the young Latin American artists that roamed the streets of Montparnasse where Picasso, Léger, Modigliani and many other creative geniuses worked, exhibited and socialized. The subsequent influences of Cubism, Fauvism, Surrealism and other movements on the style, technique and palette of these aspiring young artists can not be underestimated and these chance encounters - sometimes brief, sometimes lasting – have influenced generations of Latin American artists even today.

“The similarities between Tamayo and Dubuffet are as revealing as their differences.” (Paz)

It was Octavio Paz who made this observation, thereby also referring to Tamayo’s capacity to capture ‘sun.’ The sale offers several significant works from Tamayo’s oeuvre, including Claustrofobia, a painting the artist executed in 1954 (estimate: $800,000-1,000,000). Also featured are El fumador from 1945 (estimate: $350,000-400,000) and Mujer con canasta de manzanas, circa 1940 (estimate: $40,000-60,000).

“For the work’s force to burst forth, the drawing has to be demanding on the outside and reduced to the extreme on the inside.” (Botero)

Two paintings by Fernando Botero, Los Amantes, 1977 (estimate: $500,000-700,000) and El mariscal de campo, 1983 (estimate: $350,000-450,000), depict his trademark round massive figures, which overtake the immediate space around them. The military uniform on the figure in the latter work illustrates Botero’s personal connection to Colombian iconography, and both paintings solidify his status as one of the most prolific and alluring artists from Latin America. The sale also features a bronze by the artist, Reclining Venus (estimate: $400,000-600,000).

“Je veux, de toutes mes forces, peindre le drame de mon pays, Cuba.” (“I want with all my might, paint the drama of my country, Cuba.”) (Lam)

Cuban-born Wifredo Lam arrived in Paris in 1938. As a Surrealist painter in the 1930s, Lam’s gouache on paper mounted on canvas, La ventana, II, 1935 (estimate: $200,000-250,000), is an early example of how Parisian movements and especially the works of Matisse influenced his style. A later work by Lam, Quatre mains pour un être, 1967 (estimate: $250,000-300,000), represents the evolution of Lam’s style in the late 1960s. Untitled, 1947 (estimate: $400,000-450,000), is another fine illustration of his work.

“A strange thing, this life in exile, when we saw each other every day … Breton, Masson, …hordes of people, many of them young.” (Matta)

Chilean-born Roberto Echaurren Matta worked principally in Paris and New York and was an active member of the Surrealists during the 1930s. His works are noted for reconciling his early Cuban influences with the European avant-garde. Offered this spring are Matta’s Le Cyclopedic (estimate: $250,000-300,000) and Espacio de la especie, 1962 (estimate: $200,000-300,000). The latter represents an otherworldly landscape wrought with internal tension.

Further highlights include Diego Rivera’s Madre y niño, 1934 (estimate $700,000-900,000); José Clemente Orozco’s La cantina, 1941(estimate: $700,000-900,000); Angel Zarraga’s Septiembre, 1917 (estimate: $400,000-600,000); Francisco Toledo’s Personajes y animales, 1970 (estimate: $450,000-550,000) and Tomás Sánchez’s Meditadores y un canal, 1995 (estimate: $80,000-120,000).

Christie’s premises on Avenue Matignon are conveniently located between the Champs Elysées and Rue du Faubourg St. Honoré, in the heart of the well-known district of galleries and antique dealers on the Right Bank. The original building was renovated to include extensive galleries and auction facilities, offices and warehouse space, resulting in 4,500 square meters of comprehensive, state-ofthe- art public and office space.

Auction: Art d’Amérique Latine: June 10 at 6 p.m.
Viewing: Christie’s New York by appointment: May 21 – 27
Christie’s Paris Galleries: June 5 - 9


June 1, 2004

Galerie Lalhumière - Art Basel 2004


La Galerie Lalhumière présentera à ART Basel des oeuvres du grand artiste concret suisse CAMILLE GRAESER (1892-1980). Camille Graeser a travaillé et exposé en Allemagne avant la deuxième guerre mondiale (études à Stuttgart en 1913, exposition à la galerie "Der Sturm" en 1918). A partir de 1933 il séjourne principalement en Suisse, le pays de sa naissance. Anne Lahumière souligne que "Ses compositions rigoureuses avec leurs couleurs intenses ont un rapport direct avec nos artistes tel que Auguste Herbin, Jean Legros, Jean-François Dubreuil ou encore Yves Popet qui se sont également préoccupés de la problématique de la forme et de la couleur et l'ensemble permettra certainement un accrochage dynamique". En opposition la galerie Lahumière présentera également les peintures de 'méandres' noirs et blancs que Julije Knifer peint depuis plus de quarante ans.

Anne Lahumière promet aussi d'apporter à Bâle, une pièce exceptionnellement grande d'Otto Freundlich de 1938/39 ainsi que des oeuvres de Jean Hélion des années Trente et bien entendu toutes les nouvelles pièces des artistes contemporains représentés par la galerie tel que Renaud Jacquier Stajnowicz, André Stempfel, Nicholas Bodde…